The art of Harlem Renaissance

Nzinga

Discover and be inspired through the determined, effective women of the Harlem Renaissance Movement with  Shonna McDaniel of the Sojourner Truth African Heritage Museum in fun, informal classification for beginners. Then, after reviewing the fundamentals of composition and acrylic paint properties, create a painting on stretched canvas. Enrollment clases August 15 at noon. 

Arte y Covid 19

Paul Getty Trust ha iniciado el Fondo de Ayuda COVID-19 de LA Arts, un fondo de $ 10 millones para apoyar a los museos y organizaciones de artes visuales sin fines de lucro con sede en Los Ángeles. Administrado por la Fundación Comunitaria de California (CCF), el fondo brinda apoyo operativo de emergencia y subvenciones de recuperación a organizaciones pequeñas y medianas elegibles en el condado de Los Ángeles.
El fondo tiene como objetivo tener un proceso de revisión eficiente y acelerado para que las organizaciones receptoras reciban los fondos de manera oportuna. Getty y CCF han sido colaboradores desde hace mucho tiempo para garantizar que las artes se eleven en Los Ángeles. Durante más de 30 años ambas organizaciones se han unido para administrar una de las becas para artistas visuales más prestigiosas del país. Este fondo de ayuda es una extensión natural de ese apoyo y reconocimiento de que las artes son fundamentales para un condado vital de Los Ángeles.

Arte y efectos Covid 19

El Ministerio de Cultura de España ha clausurado los centros históricos de Madrid por los efectos del coronavirus 19.
La medida, que ya ha entrado en vigor y continuará hasta nueva notificación, influye en el Museo Nacional del Prado, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, el Museo Arqueológico Nacional y el Museo Nacional de Antropología, entre otros.

El arte del Bodegón

Bodegón Cubista

El término bodega en español puede significar "despensa", "taberna" o "bodega". El término derivado bodegón es un aumentativo que se refiere a una gran bodega, generalmente de forma despectiva. En el arte español, un bodegón es una pintura de naturaleza muerta que representa elementos de la despensa, como víveres, juegos y bebidas, a menudo dispuestos en una simple losa de piedra, y también una pintura con una o más figuras, pero con elementos significativos de bodegones, típicamente ambientado en una cocina o taberna. También se refiere a objetos vulgares o cotidianos, que se pueden pintar con flores, frutas u otros objetos para mostrar la maestría del pintor.

A partir de la época barroca, tales obras de arte se generalizaron en España en el segundo cuarto del siglo XVII. La costumbre de la pintura de bodegones parece haber comenzado y era, sin duda, más corriente en los artesanos flamencos y holandeses contemporáneos (Bélgica y Holanda hoy) que en el sur de Europa. Las naturalezas muertas del norte tenían numerosos subgéneros; el trozo de comida de la mañana se amplió con el trampantojo, el paquete de rosas y las vanitas.
En España había muchos menos partidarios de tal cosa, sin embargo, se hizo muy conocida una especie de pieza de desayuno, que incluía un par de objetos de comida y cubiertos colocados sobre una mesa. 

A pesar de que actualmente se considera una creación española, la introducción ejemplar en trampantojo de un producto natural en una sección de piedra era normal en la Roma anticuada. Anciano friendo huevos, de Diego Velázquez, 1618 (Galería Nacional de Escocia) La pintura de bodegones en la España barroca era regularmente sombría; contrastaba con las naturalezas muertas del barroco flamenco, que con frecuencia contienen comidas ricas acompañadas de cosas lujosas y suntuosas con textura o vidrio. 

En bodegones, el juego consiste en criaturas muertas habitualmente a pesar de que todo se detiene para ser limpiado. Los productos del suelo están crudos. Los cimientos son angustiosos o simples cuadrados matemáticos de madera, que frecuentemente dan un aire surrealista. Ambos bodegones españoles holandeses tenían regularmente un buen componente de vanitas. Su crudeza, similar a la melancolía de una parte de los niveles españoles, nunca duplica las alegrías sexys, la riqueza y la extravagancia de numerosas composiciones de naturalezas muertas del norte de Europa.

The Art of Misiem Yipintsoi

Misiem Yipintsoi 

Conceived in Thailand in August 1906 Misiem Yipintsoi was the little girl of ethnic Chinese-Indonesian parents.

She was taught at the Assumption Convent School in Bangkok. She wedded not long after finishing her instruction and brought up five childreYipintsoi had no conventional preparation in craftsmanship, however, her enthusiasm for painting was aroused during a long remain in Denmark (where she went through 14 months while one of her kids was being treated for polio). 

While in Denmark, she saw numerous works of art, both in exhibition halls and the homes of companions, and bought numerous artistic creations to design her home in Thailand. 

Monet Satomi, a Japanese social attache to Thailand. Not long after she started examining the painting, Yipintsoi presented her canvas 'Santikam' to Thailand's first National Exhibition of Art in 1949.&nbspShe won a gold award and continued to win gold decorations in the following two years also for her compositions 'Honolulu' and 'Sriracha'.

Even though not, at this point qualified to contend a short time later, she kept on showing in the National Exhibition of Art every year through 1979. Yipintsoi later examined mold under the acclaimed Italian-Thai craftsman Silpa Bhirasri. After her demise, Silpakorn University set up a model nursery with a large number of her pieces.

Other figures are gathered in the Misiem Sculpture Museum in Nakhon Pathom area; her last model, 'Demure Girl', incomplete at the hour of her passing, was taken from that gallery in 2015. Yipintsoi was granted the Ordre des Arts et des Lettres in 1984 by the French Ministry of Culture, one of the initial three Thais to get the award. Silpakorn University granted her a privileged Doctor of Arts degree in 1985.

Her granddaughter, Klaomard Yipintsoi, proceeded with her creative inheritance by subsidizing shows, happenings, and craftsmen's workspaces.

El arte de la Nueva Figuración

Una de las batallas estéticas más interesantes a comienzos de la década de los sesenta fue la presentación del grupo que formaron Ernesto Deira, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé y Jorge de la Vega, más la artista plástica Carolina Muchnik y el pintor y fotógrafo Sameer Makarius, del 26 de agosto al 6 de septiembre en la galería Peuser, ubicada en la calle Florida 750, hoy es conocido como la Nueva Figuración.
La Otra Figuración aparece en la escena plástica como un movimiento de ruptura, como una vanguardia cuyo propósito fue quebrar en la imagen el orden, la buena forma, el valor compositivo, en aras de una expresión libre y antiacadémica.El nombre que ellos mismos se dieron fue el de Otra Figuración propuesto por Rómulo Macció.