Retratos Imaginarios de Antonio Saura

 

Crucificción

Cabeza de Perro.

Antonio Saura quedó impresionado, estética y emocionalmente, desde su juventud, por la obra de Diego Velázquez y Francisco de Goya, dos de los más grandes maestros españoles. Pero como pintor y testigo del clima represivo político y cultural de principios de la década de 1950 en la España del siglo XX, sintió que una herencia tan grandiosa tenía que ser arrancada de la cultura franquista, lo que lo colocaba en una posición opuesta a la de Franco. Arte informal europeo contemporáneo. Paradójicamente, al someter esta maravillosa herencia española a formas de pintura innovadoras y más radicales, Saura logró liberarla y darle una nueva y poderosa vida: adoptó la pintura gestual asociada al Arte y la Pintura Informales. de American Action y lo aplicó a figuras y temas tradicionales españoles. Tras una breve estancia en París en la década de 1950, durante la cual se codeó brevemente con los surrealistas, Saura regresó a España y fundó el grupo El Paso (1957-1960) que, en su obra y en la publicación homónima, defendía las formas de la pintura. innovaciones que se estaban desarrollando en Europa y Estados Unidos. (Saura fue uno de los grandes defensores de Jackson Pollock en España) Durante este período, Saura limitó su paleta al blanco y negro y comenzó la serie temática que ocuparía gran parte del resto de su carrera artística y que incluía las "Crucifixiones", “Damas”, “Desnudos”, “Multitudes”, “Retratos” y “Retratos imaginarios” (estos últimos retratan personajes históricos españoles como Goya y Felipe II). Saura fue muy versátil: además de pintar hizo grabados, ilustró libros, diseñó escenas y fue un prolífico escritor.

Una de las llamadas Pinturas negras de Goya (Pinturas negras, 1821-1823) en el Museo Nacional del Prado de Madrid ha fascinado espacialmente a Saura desde su infancia. Esta obra, Cabeza de perro (Perro semihundido), es una pintura muy enigmática y claramente reduccionista en la que la cabeza de un perro sobresale de un montón de tierra situado en la parte inferior de la composición. La mayor parte de la superficie de la pintura está ocupada por un cielo ocre vacío. Este cuadro inspiró una serie de retratos de Saura, titulados Retrato imaginario de Goya (Retrato imaginario de Goya) o El perro de Goya (El perro de Goya), en los que Saura trabajaría habitualmente entre 1957 y 1992. En el Retrato imaginario de Goya ( 1985) del Museo Guggenheim Bilbao, la oscuridad o el vacío ocupa la mayor parte de la composición y solo queda un pequeño espacio en blanco limitado a la esquina superior derecha, encima de la figura garabateada del perro . Según Saura, "las nociones de emergencia, nacimiento y apariencia [y] están indisolublemente ligadas a la marcada importancia del vacío" 1. Representan todos los estados de ánimo vinculados a la creación artística: conseguir que surja un espacio y algo que antes no estaba o que algo que estaba ahí desaparezca. Pero el tema pintado o dibujado también tiene otro valor metafórico: “la cabeza del perro que señala, y que es nuestro retrato de la soledad, no es otra cosa que el propio Goya, observando algo que está en proceso de suceder ”.

Desnudos en el arte

Quizás este ha sido el tema más dudoso, discutible y comentado a lo largo de toda la existencia de la pintura. Hoy en día, nadie en su correcta psique consideraría escandalizarse por la idea de un cuerpo humano desnudo. No sería un buen augurio sentirse molesto, aturdido o herido en la afectación al considerar a los humanos como parecen ser, sin prendas ni complementos diferentes. Otro rasgo distintivo sería el pensamiento unilateral, malvado o lujurioso de estos cuerpos, por esta situación estaríamos ante una perniciosidad pasada, fijación sexual o parcialidad extravagante con respecto al espectador. Ya que, ¿qué tal si vemos ... de qué sería una buena idea que nos avergonzáramos cuando consideramos que fuimos hechos?

En el ámbito de obra, la búsqueda de la excelencia del cuerpo humano, especialmente femenino, ha sido constante, dada la incomparable calidad de los pintores masculinos. En cualquier caso, los obstáculos para pintar este tema han sido infinitos. La Iglesia Católica siempre ha pensado en lo desnudo como algo intocable, inductor de bajos intereses, objeto de deshonra y fuente esencial de maldad y despegue del evangelio. No deberíamos decir la religión islámica, que niega la representación de individuos y criaturas, desnudos o vestidos. Numerosos pintores han languidecido los malos tratos y los trámites lícitos sobre los desnudos de obras de arte (Goya). En ocasiones puntuales hubo más indulgencia, por ejemplo en el Renacimiento, cuando se apreciaba a griegos y romanos y se duplicaban sus desnudos. En cualquier caso, generalmente se necesitaba descubrir una razón para hablarle a un cuerpo desnudo: es posible que fuera una vieja diosa como Venus o Afrodita (diosas de la excelencia carnal), o que fuera Diana (otra diosa) saliendo del baño o era una mujer que se estaba cayendo incidentalmente de la ropa, etc. El primero que se propuso pintar un desnudo sin perdones fue Goya con su conocida "Maja Desnuda" y ese atrevimiento le costó un trámite de la Inquisición.

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