 |
| Crucificción |
Destacados
-
Las señoritas de Avignon , Las señoritas de Aviñón o de Avinyó es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1907 . ... -
Neofiguración: es un movimiento artístico de la segunda mitad del siglo XX, caracterizado por una vuelta a la pintura figurativa frente a la... -
Características de la neofiguración : Recuperación de la representación icónica haciendo uso de los procedimientos y hallazgos plásticos del... -
Pinturas para Salas de Estar. La elección de una pintura no se hace sólo para llenar el espacio vacío en la pared . Al ...
Retratos Imaginarios de Antonio Saura
Antonio Saura quedó impresionado, estética y emocionalmente, desde su juventud, por la obra de Diego Velázquez y Francisco de Goya, dos de los más grandes maestros españoles. Pero como pintor y testigo del clima represivo político y cultural de principios de la década de 1950 en la España del siglo XX, sintió que una herencia tan grandiosa tenía que ser arrancada de la cultura franquista, lo que lo colocaba en una posición opuesta a la de Franco. Arte informal europeo contemporáneo. Paradójicamente, al someter esta maravillosa herencia española a formas de pintura innovadoras y más radicales, Saura logró liberarla y darle una nueva y poderosa vida: adoptó la pintura gestual asociada al Arte y la Pintura Informales. de American Action y lo aplicó a figuras y temas tradicionales españoles. Tras una breve estancia en París en la década de 1950, durante la cual se codeó brevemente con los surrealistas, Saura regresó a España y fundó el grupo El Paso (1957-1960) que, en su obra y en la publicación homónima, defendía las formas de la pintura. innovaciones que se estaban desarrollando en Europa y Estados Unidos. (Saura fue uno de los grandes defensores de Jackson Pollock en España) Durante este período, Saura limitó su paleta al blanco y negro y comenzó la serie temática que ocuparía gran parte del resto de su carrera artística y que incluía las "Crucifixiones", “Damas”, “Desnudos”, “Multitudes”, “Retratos” y “Retratos imaginarios” (estos últimos retratan personajes históricos españoles como Goya y Felipe II). Saura fue muy versátil: además de pintar hizo grabados, ilustró libros, diseñó escenas y fue un prolífico escritor.
Galerías de Arte en el Barrio Gótico de Barcelona
Galerías de Arte más destacadas de Barcelona que se pueden apreciar en El Barrio Gótico.
El Barrio Gótico de Barcelona, lejos de su espléndido arte público goza de una actividad cultural codiciado. Por eso en el casco antiguo se pueden encontrar numerosas galerías de arte diseminadas por el área. El extenso catálogo de estilos y de vocaciones da lugar a una diversidad extraordinaria para una zona comparativamente pequeña.
Mencionamos algunas de las galerías más destacadas de Barcelona que se pueden apreciar en el Barrio Gótico. Para los aficionados al arte más desembarazado donde existen impresionantes exposiciones de arte urbano como la galería Base Elements Urban Art Gallery, en Carrer del Palau. Obras que rompen con los cánones y propician la exención artística del creador, abundancia de materiales y texturas y totalmente con un colorido activo que cautivan la contemplación.
En Artevistas Gallery tendrá el momento de destapar pintura, escultura y fotografía de artistas actualmente reconocidos y de aquéllos que luchan por hacerse un epígrafe en un espacio tan competitivo. Para los más avezados eternamente habrá la ocurrencia de revelar los nombres que marcarán propensión en el horizonte artístico internacional.
Villa del Arte Galleries ofrece al público un plato raro formado por lo excelente de la escultura y pintura en el entero el universo. La distinción y el valor son los rasgos distintivos de esta galería. Todo un júbilo para la vista.
Mulas y Pedrosa Art Gallery, una galería en la que apreciaras firmas reconocidas y arte contemporáneo de productores noveles. Un rincón idóneo para regocijarse del trabajo de algunas puntas de lanza del arte mundial.
En Galería La Lesia se dan la ayuda al mito y la modernidad, una extraordinaria galería de obras que reinterpretan las corrientes locales crecidamente asentadas para brindar un arte de importe esmerado.
Pintura the Hockney valorada en 27 millones
 |
| Nichols Canyon |
Nichols Canyon Valorada en 27 millones de libras
Como colaborador importante del movimiento de arte pop de la década de 1960, se le considera uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX.
Una pintura de David Hockney valorada en 27 millones de libras esterlinas (35 millones de dólares) y descrita como "el paisaje más significativo de Hockney que jamás haya aparecido en una subasta" se exhibió en Londres.
David Hockney, es un pintor, dibujante, grabador, escenógrafo y fotógrafo inglés. Como colaborador importante del movimiento de arte pop de la década de 1960, se le considera uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX.
La pieza de 1980, Nichols Canyon, representa un camino sinuoso a través de colinas en Los Ángeles y marca el comienzo de la exploración de paisajes panorámicos de Hockney.
Arte Saudí por Al-Soliman
Nap
Al-Soliman fue miembro de Dar Al Funoon Al Sa'udiyyah (La Casa de Arte Saudita), el primer espacio independiente completamente dedicado al arte en el Reino, y es ampliamente considerado como una de las figuras más importantes en el desarrollo del arte contemporáneo. en su tierra natal.
Esta pieza abstracta, de 1981, es una de una serie de cinco pinturas, y marcada, la casa de subastas dice "una divergencia de las representaciones cubistas angulares más familiares de Soliman". Muestra una cabeza humana apoyada en un sofá, y la calidad onírica de la obra recuerda deliberadamente al subconsciente.
“Vemos formas parecidas a gotas, que también están destinadas a sugerir una mano conectada a la Tierra: una existencia dual en cierto sentido, un reflejo de nuestros estados subconscientes y conscientes.
La forma ovalada en el centro de la pintura representa una rosa floreciente, que está destinada a reflejar la promesa de una vida feliz y feliz ", dice Sotheby's. Se espera que la pintura alcance hasta 71.000 dólares en una subasta.
El arte pobre
El arte povera o arte pobre
El arte povera o arte pobre es un movimiento artístico contemporáneo que se da en Italia entre los años 1960 y 1970.
El arte povera se da con fuerza en las ciudades como Turín, Milán, Roma, Genova, Venecia, Nápoles y Bolonia.
El movimiento es conocido por ser radical y cuyos artista exploraron un rango amplio de procesos inconvencionales y no tradicionales .
El arte pobre se refiere a una exploración de varios elementos como la pintura al óleo en telas, bronce y grabados en mármol. Los materiales usados eran tierra, harapos y ramas de árboles.
Al utilizar estos materiales desechables, su objetivo era desafiar e interrumpir los valores del sistema de galería contemporáneo comercializado.
El término fue introducido por el crítico de arte y curador italiano Germano Celant en 1967. Al referirse al arte povera, Celant no se refería realmente a la falta de dinero, sino a hacer arte sin las restricciones de las prácticas y materiales tradicionales. Sus textos pioneros y una serie de exposiciones clave proporcionaron una identidad colectiva a varios jóvenes artistas italianos con sede en Turín, Milán, Génova y Roma. El arte povera surgió dentro de una red de actividad cultural urbana en estas ciudades, ya que Italia se vio dominada por la inestabilidad económica de la época.
Artistas destacados fueron Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Piero Gilardi, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini y Gilberto Zorio. Trabajaron de muchas formas diferentes. Pintaron, esculpieron, fotografiaron y realizaron performances e instalaciones, creando obras de gran presencia física y gestos a pequeña escala.
Objeto y Teoría en el Arte
Si en el arte tradicional predominaba el objeto sobre la teoría, en el modelo abstracto se da un equilibrio, hasta abarcar situaclones límites —como en el arte conceptual—, donde prevalece la teoría sobre el objeto. Ya no se basta la obra, sino que debe enmarcarse en las teorías que la fundamentan.
Cada obra documenta el estado de reflexión estética de su autor o de una tendencia en una concepción dinámica del arte. Tan necesario como percibir la obra concreta es actualizar los conceptos teóricos anteriores a la misma, sus presupuestos productivos y receptivos.
En las últimas manifestaciones, desde el «minimalismo», el «arte povera», y, aun más, desde el arte conceptual, la poética se convlerte en el núcleo de su programa hasta desplazar a la misma obra como objeto físico.
Importan más los procesos formativos y artísticos de la constitución que la obra realizada. En ello se acusa la trancisión de la estética de la obra como objeto conceptual. Esta es la explicación del título impuesto a esta exposición.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)