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Criticar una obra en forma amable

Formular opiniones acerca de una obra de arte.    

¿Cómo formular opiniones personales sobre una obra de arte?

Para aquellos que van a visitar una exposición de arte, les aconsejamos que lean este artículo para poder hacer una buena crítica de las obras expuesta. Deben recordar que el arte y el diseño son disciplinas que son sujetos al escrutinio público, y  las críticas son con muy poca frecuencia  objetivas.

Ciertamente, es difícil encontrar un momento en que uno no formule opiniones personales sobre una obra de arte o exposición. Estas críticas no se basan simplemente en las emociones, pero si, en el conocimiento adecuado y las habilidad para crítica  una obra de arte. 


Uno no tiene que ser un experto en arte religioso como Robert Hughes, ni un artista como Pablo Picasso. Lo único que necesitamos  son 10 pasos para la disección de una obra de arte.¡ Aquí va! 

1. Estudiar el título y la descripción que acompaña a la obra de arte ¿Cómo el título nos guía en la interpretación? ¿Lo podríamos interpretar en forma diferente con otro título? ¿Estamos de acuerdo con el título de la obra? Hay que tener en cuenta que el espectador descifra e interpreta, por lo general, en forma diferente al artista. 



2. Observar y explorar la pintura por unos minutos. Tomar nota del tamaño, forma, objetos,  símbolos, los medios, colores, textura y composición de los elementos que construyen la obra. Una obra de arte normalmente evoca emociones antes de aplicársele un análisis crítico. Por lo tanto, la respuesta emocional se debe dejar hasta el final. 


3. Tamaño y forma. Traten de visualizar el tamaño real de la pintura como si lo viéramos en la pantalla del computador. ¿El tamaño del  lienzo se ajusta al tema? Por ejemplo, un lienzo rectangular puede agregar más atención a un retrato. 


4. La Temática  ¿De qué se trata la pintura? Varía de una persona a un objeto natural. ¿Es inusual, controvertida o intrigante? 


5. Símbolos. ¿Qué  símbolos  se utilizan en la pintura? Por ejemplo, la rosa roja representa el amor y la pasión, y la Virgen María en el catolicismo, mientras que la rosa blanca representa la virginidad y la pureza. Otro ejemplo sería el color. El negro representa la muerte y la formalidad, mientras que el púrpura representa la espiritualidad y la crueldad. 


6. Medios. ¿Qué medios se utilizaron para crear la pintura? Se puede ir desde la acuarela al grafito acrílico, con colores pastel tiza y piedra de cemento. ¿Cuáles  han  sido las elecciones que el artista manipula en su obra? 


7.  Color. El color se utiliza para transmitir emoción o para representar la realidad. ¿ Son colores cálidos (amarillos, naranjas, marrones, verdes amarillentos y rojos naranja) o fríos (azules, verdes, rosas, morados, azules-verdes, magentas, rojos y de la gama de los azules)? ¿Se ajustan a la temática del objeto o sujeto? ¿Tiene una gama de colores en particular? ¿Tienen colores complementarios que se han utilizado, tales como sombras y colores reflejados entre los elementos? 


8. Textura. ¿Cómo ha sido creada la textura  a partir de los medios elegidos? ¿Es áspero, liso, brillante, o una mezcla?  Se debe considerar la textura cómo un factor que influye en la interpretación de la obra. 


9. Composición de los elementos. ¿Cómo han sido situados los elementos de la pintura? ¿Hay un flujo visual a través de todo el cuadro o solo predomina uno de los elementos? ¿Es el punto focal de la pieza en el centro o a un lado de la tela? ¿Qué ejerce  atracción a los ojos desde o través de la pintura? ¿Los elementos y pensamientos expuestos son copiados de una fotografía o de la realidad? 


10. Respuesta emocional. ¿Ha evocado algún tipo de emoción  la obra de arte? ¿Cuál es el ambiente en general y el estado de ánimo de la obra? ¿Es apropiado para el tema? ¿Ha reflexionado sobre la obra del artista más allá del pintor en sí mismo? 


Después de estos 10 pasos, estamos bien equipados para criticar las obras de la exposición “Pinceladas del Mar”. Una obra de arte no sólo se critica sobre la base de emociones, sino también debemos aplicar los conocimientos pertinentes para comprender mejor las obras en si mismo. Una crítica de arte puede variar desde una frase como "transportado en el tiempo" o "el peso de diferentes líneas utilizadas agregó carácter a la edad de la modelo."

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Pablo Picasso Masacre en Corea

Masacre de Corea
Pablo Picasso Masacre en Corea.  

Sinchon 1951.

Ninguna pintura de Picasso ha sufrido más del control exclusivo de Guernica sobre la conciencia cultural que su respuesta amenazante a las acusaciones de atrocidades cometidas en 1951 por las tropas estadounidenses en lo que se conoció como la Masacre de Sinchon.

La gran representación de óleo sobre madera contrachapada de Picasso de un grupo de mujeres y niños a punto de ser masacrados a quemarropa por una banda sin rostro de matones robóticos es (aparte de su paleta gris sin sangre) todo lo que Guernica no es.

Donde la obra anterior y más famosa es un fragmento de símbolos y signos, una implacable literalidad de la narración visual transforma Massacre in Korea (1951), cedida al Musée de l'Armée del Museo Picasso, en una caricatura insoportable: un espeluznante libro cómico.

"Parecen", dice la curadora de la exposición, Isabelle Limousin, "como si llevaran armaduras de la antigüedad o del futuro, algo sacado de una novela de ciencia ficción o del cine".

La crítica de arte Kirsten Hoving Keen dice que está "inspirada en los informes de las atrocidades estadounidenses" y la considera una de las obras comunistas de Picasso.

La obra de Picasso está extraída del cuadro de Francisco Goya El 3 de mayo de 1808, que muestra a los soldados de Napoleón ejecutando a civiles españoles bajo las órdenes de Joachim Mura.

Como ocurre con 3 de mayo de 1808 de Goya, el cuadro está marcado por una composición bifurcada, dividida en dos partes diferenciadas. A la izquierda, se ve un grupo de mujeres y niños desnudos situados al pie de una fosa común.

Un número de "caballeros" fuertemente armados están a la derecha, también desnudos, pero equipados con "miembros gigantes y músculos duros similares a los de los gigantes prehistóricos".

El pelotón de fusilamiento está rígido como en Goya . En la representación de Picasso, sin embargo, el grupo es manifiestamente desordenado, como a menudo era evidente en sus representaciones de soldados con armadura en dibujos y litografías, lo que puede interpretarse como una actitud de burla de la idiotez de la guerra.

Sus cascos están deformados y su armamento es una mezcolanza de los instrumentos de agresión desde el período medieval hasta la era moderna: no del todo armas o lanzas, quizás más se parecen a candelabros.

Es más, el pelotón de fusílenos está castrado. Esta característica representativa se destaca por el estado de embarazo de las mujeres en el lado izquierdo del panel.

Muchos espectadores han interpretado que los soldados, en su calidad de destructores de la vida, han sustituido el pene por armas de fuego, castrándose así y privando al mundo de la próxima generación de vida humana.


 
3 de mayo 1808



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    7 datos curiosos del Arte Pop

    7 datos curiosos del arte pop.  
    Foot and Hand
    By Roy Lichtenstein. 


    Los datos más curiosos del pop art.



    1. La primera obra de arte pop fue creada por el artista escocés Eduardo Paolozzi en 1952. Era un collage hecho a partir de revistas llamadas I was a Rich Man's Plaything.

    2. El arte pop se llamó originalmente arte de publicidad.

    3. Andy Warhol diseñó la icónica portada del álbum para el debut de The Velvet Underground, The Velvet Underground & Nico.

    4. El vestido Souper, una prenda desechable inspirada en la serie Campbell’s Soup Can de Warhol, fue fabricada por Campbell Soup Company en 1966-1967.

    5. El uso de objetos e imágenes utilizados por el arte pop se remontan al movimiento dadaísta de principios del XX.

    6. Artistas como Jeff Koons y Claes Oldenburg satirizaron los objetos cotidianos representándolos en proporciones monumentales. Las piezas icónicas de Oldenburg incluyen bolas de helado gigantes, cucharas, pinzas para la ropa y otros.

    7. El Warhol más caro jamás vendido fue Silver Car Crash (Double Disaster), que creó en 1963. Se vendió por 105 millones de dólares en 2013.







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    ¿Te consideras afortunado o afurtanada?
    Si tú eres un afortunado postor tendrás la oportunidad de conocer de cerca la "Mona Lisa".

    ¿Cómo es eso?

    Así, como lo escuchas. Gracias a una nueva subasta del museo del Louvre en París.

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    Es una de las experiencias únicas en la vida que pasan bajo el martillo como parte de la subasta, que comenzó el martes.

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    Amazon, Pintura al óleo, 1926, Eugène Robert Pougheon.


    Características de la pintura Art Deco.



    Si tú estás interesado en la pintura Art Decó te muestro algunas de sus mejores características.

    La pintura arte decó se ha convertido en un sinónimo de un estilo particular de objetos elaborados y decorados hasta el día de hoy.

    Piensas quizás en arquitectura, figurillas de aspecto inocente, radios de la élite, además de carteles producidos en masa de poco mérito tipográfico.

    Las pinturas art déco se considera y a veces se confunde con el art nouveau, porque no hubo mucho tiempo entre los dos estilo.

    La diferencia puede ser mínima si los ves con los ojos de hoy.

    Pero en ese momento la distinción era considerable y el art decó fue una reacción al art nouveau tanto en estilo como en características.

    ¿Por qué tan pocos pintores y escultores pertenecen al movimiento Art Decó?

    La pintura art decó en el período de entreguerras es muy difícil de definir ya que hubo muchos movimientos de vanguardia.

    Casi todos los artistas modernistas de la época estaban salpicados de semi-abstracción. El cubismo, el fauvismo y el expresionismo.

    Algunos de los artistas que se adhirieron a estas vanguardias, ocasionalmente incorporaron rasgos que ahora consideramos típicamente art decó.

    Por ejemplo, las figuras angulares estilizadas y alargadas.

    Es como si la historia del arte hubiera estado muy interesada en enviar a varios artistas a campos más respetables y por buenas razones.

    Cuando pensamos en pinturas art decó dentro de este vórtice de influencias.

    También vemos ilustraciones decorativas y vemos carteles y anuncios, más que pintores y escultores de bellas artes.

    Pero hay algunos artistas que encajan cómodamente en el casillero de los pintores Art Decó.

    Uno de ellos es el francés Jean Dupas y la talentosa Tamara de Lempicka, nacida en Polonia, que es la pintora art deco de mujeres en particular y de retratos en general.

    Otros fueron Raphael Delorme, Jean Gabriel Domergue, René Buthaud y Robert Eugène Poughéon.

    Gran parte de las pinturas se realizaron en la década de 1920.

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    Amazon, Pintura al óleo, 1926, Eugène Robert Pougheon

    Auto Retrato, 1930,Tamara de Lempicka










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