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Características de la Pintura Art Decó.

Pinturas Art Deco.

Amazon, Pintura al óleo, 1926, Eugène Robert Pougheon.

Características de la pintura Art Deco.

Si tú estás interesado en la pintura Art Decó te muestro algunas de sus mejores características.

La pintura arte decó se ha convertido en un sinónimo de un estilo particular de objetos elaborados y decorados hasta el día de hoy.

Piensas quizás en arquitectura, figurillas de aspecto inocente, radios de la élite, además de carteles producidos en masa de poco mérito tipográfico.

Las pinturas art déco se considera y a veces se confunde con el art nouveau, porque no hubo mucho tiempo entre los dos estilo.

La diferencia puede ser mínima si los ves con los ojos de hoy.

Pero en ese momento la distinción era considerable y el art decó fue una reacción al art nouveau tanto en estilo como en características.

¿Por qué tan pocos pintores y escultores pertenecen al movimiento Art Decó?

La pintura art decó en el período de entreguerras es muy difícil de definir ya que hubo muchos movimientos de vanguardia.

Casi todos los artistas modernistas de la época estaban salpicados de semi-abstracción. El cubismo, el fauvismo y el expresionismo.

Algunos de los artistas que se adhirieron a estas vanguardias, ocasionalmente incorporaron rasgos que ahora consideramos típicamente art decó.

Por ejemplo, las figuras angulares estilizadas y alargadas.

Es como si la historia del arte hubiera estado muy interesada en enviar a varios artistas a campos más respetables y por buenas razones.

Cuando pensamos en pinturas art decó dentro de este vórtice de influencias.

También vemos ilustraciones decorativas y vemos carteles y anuncios, más que pintores y escultores de bellas artes.

Pero hay algunos artistas que encajan cómodamente en el casillero de los pintores Art Decó.

Uno de ellos es el francés Jean Dupas y la talentosa Tamara de Lempicka, nacida en Polonia, que es la pintora art deco de mujeres en particular y de retratos en general.

Otros fueron Raphael Delorme, Jean Gabriel Domergue, René Buthaud y Robert Eugène Poughéon.

Gran parte de las pinturas se realizaron en la década de 1920.

Retrato del Principe Eristoff, 1925, Tamara de Lempicka

Amazon, Pintura al óleo, 1926, Eugène Robert Pougheon

Auto Retrato, 1930,Tamara de Lempicka

Arte de Grigoriev en Chile.

Boris Grigoriev

El Instituto Cultural Providencia realiza una muestra internacional del pintor ruso Boris Grigoriev (1886 - 1939) apartir del 6 de junio hasta el 24 de agosto siendo la mayor retrospectiva de un artista ruso en América Latina.

En 1918, Boris Grigoriev, estudió en la Escuela de Dibujo de Stogonoff, en Moscú, y en la Academia Imperial de San Petersburgo.

Grigoriev publicó “Erótica Rusa”, y fue miembro del “Mir Isakusstva klub”. Viajó por Alemania, Francia, Italia, donde establece su amistad con Modigliani.

Recorrió E.E.U.U., Cuba, Jamaica, Ecuador, Perú y en 1928 visita Chile, donde ejerce como profesor de pintura en el Curso Superior de la Academia de Bellas Artes, y participar, ese mismo año, como jurado del Salón Oficial.

En E.E.U.U., trabajó como profesor en la Academia de New York. Volvió a Chile nuevamente en 1936, para retornar luego a Europa.

Litografías Versus Cuadros al Óleo y Acuarelas.

Solo las obras que salen de la paleta del pintor tienen un verdadero valor, las oleografías, litografías o como se les quiera llamar, son solo un papel comercial. Si el autor de un cuadro desea que una máquina le copie sus propias obras, creo que no es un artista.

El verdadero artista es el que crea una obra y la realiza una sola vez, aunque después quiera hacer otra igual, simpre tiene algo diferente, ya que por muchas razones ( ambiente, estado de ánimo, etc,) nunca sale una obra exactamente igual a otra.

Por lo tanto creo que hacer un cuadro y después sacarle miles de copias en una máquina para que se venda en un supermercado, no es bueno.

Cecilia

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Creadores de los siglos XIX y XX

"El Museo Municipal de Valdepeñas acoge hasta el próximo día 29 de enero la exposición "Creadores de los siglos XIX y XX", una colección de dibujos del Fondo Artístico del Banco CCM compuesta por 52 obras de autores como Picasso, Miró, Sorolla o el valdepeñero Gregorio Prieto, entre otros.

La muestra, que ha organizado el Ayuntamiento con la colaboración de la Fundación Castilla La Mancha y el Banco CCM, fue inaugurada el pasado jueves por el alcalde de Valdepeñas, Jesús Martín, quien señaló que "esta exposición no habla de pintores sino de creadores que exponen sus dibujos que en muchos casos parecen fotografías y que demuestran como el dibujo y la forma han evolucionado hasta llegar a la abstracción." Leer +

Dafen la ciudad de la copia

Bienvenidos a Dafen, un pequeño suburbio de la ciudad china de Shenzhen, situado a 30 km. de Hong Kong. Un barrio donde trabajan más de 10.000 pintores que se dedican a realizar copias de cuadros para todo el mundo.

Dafen

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Benito Rebolledo merece Justicia

Benito Rebolledo, artista discipulo de Pedro Lira, se caracterizo por pintar al aire libre, pero por la luminosidad de sus paisajes y desnudos frente al mar, no lo incluría en la generación del 13, su pintura se considera muy cercana al pintor español Sorolla.

Proveniente de familia campesina y de escasos recursos, desde pequeño sintió inclinación por el dibujo y la pintura. Al llegar a Santiago debió trabajar duro y vivir con obreros hasta que logró ingresar a la Escuela de Bellas Artes, donde fue alumno de Pedro Lira y Juan Francisco González. De acuerdo a su fecha de nacimiento pudo haber pertenecido a la Generación del 13, pero su realismo de cromatismo vigoroso y luminoso lo situaron en el Grupo Naturalista. Aquí, junto a otros artistas como Ricardo Richon Brunet, Pedro Reszka, Arturo Pacheco Altamirano, Pedro Subercaseaux, Luis Strozzi y José Caracci, siguieron una orientación académica, con persistencia del naturalismo, pero rompiendo los esquemas pictóricos del siglo anterior.

Las primeras obras de Benito Rebolledo se inspiraron en temas sociales, muy de acuerdo a su experiencia de vida entre obreros. Esas primeras telas no tuvieron ningún éxito, sin embargo, fueron sus paisajes, desnudos frente al mar, pinturas de animales y escenas bíblicas y sus últimos retratos, por los que se conoció y valoró al artista.

Su estilo se ha definido como "realismo luminoso", donde acepta del Impresionismo algunos de sus elementos esenciales como la luz, los colores claros y los temas sencillos. Su obra se ha vinculado muy estrechamente al estilo del maestro valenciano Joaquín Sorolla, quien había popularizado en España una modalidad del Impresionismo galo: la captación de las figuras humanas al aire libre, a pleno sol, que aclara los colores y acentúa las luces.

Las tonalidades intensas, casi crudas, de los días veraniegos en la playa, fueron las predilectas del pintor, que también mostraba los efectos del sol reverberando sobre los cuerpos mojados ("Mujer en la playa"). Azules ultramar, blancos, lilas, rosas, morados y púrpuras habitan los cuadros de Rebolledo ("La brisa del mar"). No funde las formas, al contrario, las subraya y exalta, utilizando para ello anchas pinceladas, amplio dibujo, formas a veces monumentales, composición sencilla en pirámide.

También la infancia y la maternidad son temas que atrajeron los pinceles del artista ("Maternidad", "Cabeza de niña"), donde utilizó una paleta con predominio de los tonos rosas en los rostros y cuerpos.

Benito Rebolledo fue una destacada figura dentro del ambiente de las artes en Chile.

Entre los premios que obtuvo destacan: Medalla de Honor, Salón Oficial (1902); Tercera Medalla Salón Oficial (1904); Segunda Medalla, Salón Oficial (1907); Premio de Género, Certamen Arturo M. Edwards, Salón Oficial (1907); Primera Medalla, Salón Oficial (1908); Tercera Medalla, Exposición Internacional de Buenos Aires, Argentina (1910); Primera Medalla, Exposición Internacional del Centenario, Santiago (1910); Premio de Honor, Salón Oficial (1926); Premio de Honor Certamen Arturo M. Edwards, Salón Oficial (1926); Premio Certamen Enrique Matte Blanco, Salón Oficial (1926); Premio Nacional de Arte (29 de octubre de 1959).

Pintores Chilenos : M. Inés Carod

Conociéndonos. Carod

“Antes de leer y escribir, aprendí a dibujar pájaros, animales y cosas que veía en mi infancia. Me quedaba horas contemplando las imágenes de los libros y sus vivos colores. Intentando luego emular imágenes y coloridos”.

M. Inés Carod, dedicada a la pintura desde su niñez. Los críticos la encasillan en la pintura realista-expresionista. Sus pinturas poseen fuerza en la pincelada y en ellas, la luz es la principal protagonista. Con su arte llega a los que ven su pintura, a través de los sentimientos, trasmitiendo amor, ternura, nostalgia, y todo eso que nos relata en la tela.

M. Inés Carod, no solo es pintora, también es decoradora de interiores y una estupenda Madre. Ha sido ganadora de la Medalla de Plata en óleo en el año 2009, distinción otorgada por la Sociedad Nacional de Bellas Artes. Además, ha participado en Exposiciones Colectivas en la Sociedad Nacional de Bellas Artes. En la Galería Arte Fundación con la Exposición “ Retrospectiva”. Distinguida con el “Premio Hernando Adriasola” en la Sociedad Nacional de Bellas Artes. En el 2007 expone en la Fiesta de la Vendimia en Mendoza, Argentina.

Entre sus profesores podemos encontrar en pintura a Ximena Cristi , Mireya Larenas y Eduardo Ossandón. En Croquis a Ramón Vergara Gres y en escultura a Ricardo Mesa. Carod es graduada de la Universidad de Chile y de la Universidad de Santiago de Chile.

Cuerpos Pintados: Cuarenta y Cinco Pintores Chilenos

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EL CUBISMO ESTÁ DE MODA EN EL ORIENTE

Viva el Arte>Cabusrri>Cubismo

La TELEFÓNICA, empresa española, a través de sus alianzas estratégicas que celebra en distintos países ha puesto de moda el Cubismo, lo hizo en Chile en su gran Sala de Exposiciones ubicada en Providencia con Bustamante y ahora lo hace en China en el Museo Nacional de Arte de China ( NAMOC ), quien recibirá un conjunto de 40 obras cubista procedentes de España, de la Fundación Telefónica. Es una de las mejores colecciones de este movimiento , destacan piezas de Juan Gris, Braque y Picasso. En dicha exposición , al igual que en Chile, es una reunión de pintores más puro del estilo cubista.

En ella vimos y los chinos verán todas las formas de este genero, desde el primitivismo, lo analítico, que fue lo que se vio en nuestro país, pero que en China, según lo informado por Arte Lista, hasta el cubofuturismo de Alejandra Exter o el más sincrético rayonismo de la Goncharova, entre muchos otros.

El hiperrealismo : Lo real, trasladado al lienzo

El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del siglo XIX de William Harnett o John Haberle. En la década de los 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez). Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.

Otras características del hiperrealismo son la exactitud en los detalles, contrastada con la irrealidad del efecto espacial y la capacidad de convertir en temas pictóricos los detalles visuales de la realidad. Estos pintores ejercen un alto grado de conceptualismo al plasmar la diferencia entre el objeto real y su imagen pintada: lo real, trasladado al lienzo mediante la cámara fotográfica, fotografiado mediante recursos pictóricos. Al utilizar la fotografía en el proceso de la realidad al cuadro, lo real queda roto y manipulado dos veces, en el cuadro y en la fotografía, de ahí el aspecto de irrealidad que diferencia el fotorrealismo del realismo tradicional.

Rob Hefferan nacido en Manchester en 1968,sus pinturas al oleo son increíblemente hermosas y sensuales. Las pinturas de Rob Hefferan están más allá de las palabras.

Rob hefferan

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Konrad Mägi

Paisajista de Estonia. Fue uno de los pintores más sensibles al color de las primeras décadas del siglo 20, y la magia de las obras sobre los motivos de la isla de Saaremaa son los primeros cuadros modernos de paisajes de Estonia.

Mägi recibió su educación artística primaria de los cursos de dibujo de la Sociedad de Artesanos de Tartu (1899-1902). Al mismo tiempo, se dedicaba intensamente en el teatro, violín, y varios deportes.

Mägi continuó su educación artística como estudiante en San Petersburgo (1903-1905), estudiando con Amandus Adamson. En el otoño de 1907, se trasladó a París. Mägi estudió en una academia gratuita. De 1908 a 1910, vivió en Noruega. En 1912, en Tartu, trabajó como profesor de arte.

En Åland, creó viñetas en el estilo del Art Nouveau: Kahekesi ( 1908; dibujo de tinta china). En París, Mägi fue influenciado por el impresionismo y el fauvismo, que tuvo un impacto significativo en sus colores: Lilleline Väli majakesega (un campo de flores con una casita; 1908-1909), Norra maastik männiga (Un paisaje noruego con un pino, 1910) .

Desde 1918, la influencia del expresionismo se pone de manifiesto, impulsado por una sensibilidad extrema y la respuesta emocional a los tiempos de ansiedad: Pühajärv (Lago Puha); 1918-1920), Otepää maastik (Paisaje de Otepää; 1918-1920). También se ve influida por el expresionismo como su figuras grandes, la composiciones Piedad (1919), Kolgata (Gólgota, 1921). Konrad Mägi- Rannamaastik (paisaje de playa)
Mägi Inicia una nueva etapa artística en Italia: Varemed Capril (Ruinas de Capri; 1922-1923). Junto con paisajes, pintó flores y retratos, sobre todo de hermosas modelos femeninos. Mägi expresa el ideal de estilo Art Nouveau de la belleza: Holsti (1916). En sus retratos más tarde desde la década de 1920, con un carácter más grave se expresa: Madonna (1923-1924).

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