Antonio Saura el arte neofigurativo

 

Puntos Claves

Una característica definitoria de la neofiguración contemporánea es que opone la pintura y la escultura tradicionales al rechazar la realidad objetiva en favor de la experiencia subjetiva.

Una definición de arte neofigurativo puede ser difícil de determinar, pero se puede decir que es un intento de una nueva forma de arte gráfico que se considera "anti-imagen".

Antonio Saura es un artista al que se le atribuye ser pionero en el arte neofigurativo. Sus obras a menudo consisten en elementos no tradicionales, como puntos, líneas y grandes franjas de color que no siguen la perspectiva o la forma tradicionales.

Antonio Saura,

Mano a Mano

Antonio Saura y el arte neofigurativo, ¿Cuáles son las características del arte neofigurativo?

Antonio Saura, arte neofigurativo, ¿cuáles son las características del arte neofigurativo? Una característica definitoria de la neofiguración contemporánea es que opone la pintura y la escultura tradicionales al rechazar la realidad objetiva en favor de la experiencia subjetiva. Los neofigurativistas exploran una variedad de materiales no convencionales, como películas, instalaciones de video, piezas de performance y ensamblajes específicos del sitio para crear obras con una relación ambigua con su entorno físico. Además, muchos artistas emplean estrategias como Destruir/Reconstruir/Crear (DR3), que implica reconfigurar o construir de nuevo sobre pinturas o esculturas existentes para alterar las convenciones establecidas sobre cómo deben exhibirse las artes visuales.

Una definición de arte neofigurativo puede ser difícil de determinar, pero se puede decir que es un intento de una nueva forma de arte gráfico que se considera "anti-imagen". Este tipo de arte generalmente consiste en obras que se componen de puntos, líneas o grandes franjas de color que no siguen la perspectiva o la forma tradicionales. Aprovechando un sentido de lo orgánico y lo exagerado, los artistas neofigurativos a menudo exploran el uso de medios no tradicionales como pintura, lejía, cremas y líquidos.

Los artistas neofigurativos a menudo se enfocan en inventar nuevas formas de representar el espacio, el tiempo y la forma. Esto es especialmente prominente en su uso del color y la luz. A menudo, estas obras fusionan elementos aparentemente dispares para crear una visión casi destrozada de la realidad. Además, las antiimágenes a menudo se crean mediante el uso de espacios negativos, lo que crea una sensación de profundidad y volumen.

En cuanto al estilo, el arte neofigurativo a menudo presenta rastros de elementos clásicos y tradicionales, así como composiciones de objetos y paisajes no tradicionales. Además, los artistas neofigurativos a menudo favorecen las pinceladas expresivas y las texturas en capas, que ayudan a crear una sensación de volumen y textura en sus pinturas.

Antonio Saura es un artista al que se le atribuye ser pionero en el arte neofigurativo. Sus obras a menudo consisten en elementos no tradicionales, como puntos, líneas y grandes franjas de color que no siguen la perspectiva o la forma tradicionales.

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Antonio Saura (1912-1986) es un pintor y escultor español que ejerció una enorme influencia en el arte del siglo XX. Su cuerpo de trabajo extraordinariamente diverso abarca pintura, escultura, grabado, videoarte, arte de instalación y arte conceptual. Ha sido apodado el pintor neofigurativo debido a sus exploraciones en nuevos medios como el cine y la fotografía que ayudaron a redefinir cómo los artistas podían representar la realidad. Las pinturas de Saura están llenas de símbolos que a menudo evocan imágenes religiosas o espirituales; por ejemplo, el crucifijo en El beso (1964), que se hace eco de la iconografía católica tradicional pero también alude a ritos paganos de fertilidad.

Antonio Saura (1860-1957) es un pintor español del movimiento de arte neofigurativo. Pertenece a la generación de modernistas que rompieron con las reglas tradicionales del arte y desarrollaron su propio estilo único.

La mayoría de sus pinturas representan escenas y leyendas tradicionales españolas, pero con un giro neofigurativo. Esto significa que el artista utiliza una nueva perspectiva, a menudo empleando técnicas como pintar sobre lienzos que no son planos sino curvos, o presentando elementos en 3D.

Las pinturas de Saura también son conocidas por sus esquemas de color únicos y su iluminación intensa y dramática.

Está considerado como uno de los pintores españoles más importantes del siglo XX, y sus obras se encuentran en numerosas colecciones públicas y privadas de todo el mundo.

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Además, sus enseñanzas han tenido un profundo impacto en los pintores españoles y latinoamericanos posteriores, y su obra se cita a menudo como una de las primeras inspiraciones del movimiento conocido como posmodernismo latinoamericano.

Entonces, si está buscando algo para agregar un poco de estilo español a su hogar, o si está interesado en aprender más sobre uno de los pintores más importantes del siglo XX, definitivamente debería ver el trabajo de Antonio Saura.

Antonio Saura es un pintor cuyo trabajo se caracteriza por su perspectiva única, esquemas de colores intensos e iluminación dramática. Sus pinturas representan escenas y leyendas españolas tradicionales en un giro neofigurativo y han tenido un profundo impacto en los pintores españoles y latinoamericanos posteriores.

Antonio Podevano artista de la Neofiguración

Antonio Podevano es un artista neofigurativo que llevó más de 40 años pintando. Nació en la década de 1960 y vivió y trabajó en Italia.

El arte neofigurativo es un tipo de arte que consiste en creaciones que pueden describirse mejor como "anti-imágenes".

Las pinturas de Podevano se caracterizan por el uso de colores primarios brillantes que a menudo yuxtaponen imágenes u objetos de varios períodos históricos para crear algo nuevo e innovador.

Antonio Podevana,

Picaor, 1973.

Antonio Povedano Bermúdez (Sabariego, Alcaudete, Jaén, 28 de octubre de 1918 - Córdoba, 7 de septiembre de 2008) fue un pintor y artista español de tendencias contemporáneas. Especializado en vidrieras, fue un consumado maestro del vitralismo.

Antonio Podevano es un artista neofigurativo que llevó más de 40 años pintando. Nació en la década de 1960 y vivió y trabajó en Italia.

Sus pinturas se caracterizan por el uso de colores primarios brillantes que a menudo yuxtaponen imágenes u objetos de varios períodos históricos para crear algo nuevo e innovador.

Aunque su estilo puede llamarse neofigurativo, no debe confundirse con el posmodernismo o el deconstruccionismo, otros dos movimientos artísticos dominantes de la década de 1990. En cambio, el trabajo de Podevano refleja un retorno a los valores tradicionales vinculados con el arte medieval que enfatizan el realismo sobre la abstracción.

¿Qué es el arte neofigurativo?

El arte neofigurativo es un tipo de arte que consiste en creaciones que pueden describirse mejor como "anti-imágenes". Mientras que las imágenes tradicionales representan las cosas tal como las ve el artista, el arte neofigurativo oscurece u oculta detalles dentro de la imagen para crear una experiencia más auténtica y fluida. Esto se puede ver en las pinturas de Antonio Podevano, que a menudo pueden ser surrealistas o difíciles de entender. Por ejemplo, una de las pinturas más famosas de Podevano, titulada "Naranja", presenta una naranja que en realidad está compuesta de varios otros colores y formas. Al oscurecer ciertos detalles, Podevano puede crear una experiencia visual más atractiva y extrema.

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Algunas de las pinturas más famosas de Antonio Podevano y por qué se consideran obras maestras.

Antonio Podevano es uno de los artistas neofigurativos más conocidos e influyentes de nuestro tiempo. Ha creado una serie de obras maestras que han sido bien recibidas tanto por la crítica como por el público. Algunas de sus pinturas más famosas incluyen "Orange" y "Edible Madonna". Ambas pinturas son extremadamente únicas y oscuras, y han sido elogiadas por su estética surrealista y experimental. Otras pinturas populares de Podevano incluyen "Sensing Space" y "Dematerialization".

Cómo el trabajo de Antonio Podevano se ha visto influenciado por las nuevas tecnologías, como la impresión 3D, y cómo esto ha cambiado la forma en que vemos su arte.

Una de las influencias más notables en el trabajo de Antonio Podevano ha sido el uso de nuevas tecnologías, como la impresión 3D. Esta tecnología ha jugado un papel importante en el cambio de la forma en que vemos el arte en general. Por ejemplo, al imprimir arte en tres dimensiones, Podevano puede crear obras que son mucho más realistas e interactivas. Como resultado, su trabajo se ha visto afectado por el avance de la tecnología de manera evidente y sutil.

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La obra de Antonio Podevano es única y difícil de entender, pero es muy elogiada por su estética surrealista y experimental. Su uso de nuevas tecnologías ha ayudado a cambiar la forma en que vemos su arte, y sus pinturas ahora son más realistas e interactivas que nunca.

Antonio Podevana,

Sin Título

Los artistas neofigurativos creen que su arte puede tener un impacto positivo en el mundo. Creen que su arte puede ser una forma de que las personas aprendan sobre la historia que normalmente no aprenderían. Esto puede conducir a más discusiones y conversaciones sobre la historia que retratan. También puede hacer que más personas se interesen en la historia que describen. A través de su arte, quieren crear conciencia sobre la historia, los problemas y los eventos de los que otros pueden no estar al tanto.

Mucha gente cree que el arte neofigurativo no es nuevo. Creen que es solo arte tradicional que se ha actualizado para parecer más moderno. Sin embargo, muchos no están de acuerdo con esta evaluación. Creen que el arte neofigurativo es una forma distinta de arte que se ha creado mediante el uso de tecnología moderna. No es solo una forma de arte tradicional con un aspecto diferente.

En conclusión, el arte neofigurativo tiene mucho potencial. Muchos artistas usan la técnica para crear arte que recuerda eventos históricos y los sintetiza en una narrativa surrealista. Este arte puede tener un profundo impacto en el mundo y puede ayudar a los artistas a expresarse. Sin embargo, hay algunas desventajas en el arte neofigurativo. Muchos creen que es solo arte tradicional que se ha actualizado para parecer más moderno. Si ese es el caso, entonces no hay diferencia entre el arte neofigurativo y el tradicional. Eso sería algo malo porque el arte tradicional es mucho más diverso que simplemente parecer moderno.

Viva el Arte: Luis Felipe Noé artista de la Neofiguración

 

Puntos Claves :

Luis Felipe Noé formó parte del grupo Nueva figuración de 1961 a 1965, junto con los artistas Ernesto Deira, Jorge de la Vega y Rómulo Maccio.

La tendencia neofigurativa se desarrolló en los Estados Unidos y Europa a través de numerosos espectáculos, como New Images of Man, MoMA, Nueva York, 1959.

La Nueva figuración argentina nació con el espectáculo Otra figuracion, celebrado en la Galería Peuser en Buenos Aires en 1961.

Luis Felipe Noé (nacido el 26 de mayo de 1933) es un artista, escritor, intelectual y profesor argentino. En su país de origen se le conoce como Yuyo. En 1961 formó Otra Figuración (otra figuración) con otros tres artistas argentinos.

Su exposición homónima y su trabajo posterior influyeron en gran medida en el movimiento Neofiguración (Neofiguración, Nueva figuración). Después de que el grupo se disolviera, Noé se mudó a la ciudad de Nueva York, donde pintó y mostró conjuntos que extendían los límites del lienzo.

Luis Felipe Noé formó parte del grupo Nueva figuración de 1961 a 1965, junto con los artistas Ernesto Deira, Jorge de la Vega y Rómulo Maccio, todos nacidos entre 1928 y 1933.

La denominación amplia e imprecisa divulgada por el crítico francés Michel Ragon resultó ser una designación adecuada para la tendencia, que reunió diversas sensibilidades poéticas en una recuperación compartida de la figura, "no como representación, sino como una presencia que ha surgido de la creación de imágenes" (Marchan Fizz, 1997).

La tendencia se desarrolló en los Estados Unidos y Europa a través de numerosos espectáculos, como New Images of Man, MoMA, Nueva York, 1959; Une nouvelle figuration, Galerie Mathias Fels, París, 1961; y las renombradas Mithologies quotidiennes, en el Musee d'Art Moderne de la Ville de Paris, 1964 y Figuration narrative en Galerie Creuze, París, 1965.

La Nueva figuración argentina nació con el espectáculo Otra figuracion, celebrado en la Galería Peuser en Buenos Aires en 1961. Desde ese momento hasta la disolución del grupo en 1965, el grupo compartió exposiciones, diálogo, reflexión y viajes, ganando mayor visibilidad y prestigio en Argentina y en el extranjero.

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Los cuatro artistas articularon un amplio y variado repertorio visual en sus obras: trazos gestuales y goteo en pintura, dibujo, collage con papel y objetos, figuras recortadas, marcos de camilla vacíos y lienzos con forma.

Libertad, vitalidad, exceso, desequilibrio, pérdida de control, incertidumbre y caos son palabras que nos acercan a sus obras, que se pueden leer hoy en día en el contexto de una era de cambios de paradigma. Estos artistas neofigurativos experimentaron el fin de la modernidad y el nacimiento del arte contemporáneo.

El informalismo era el movimiento predominante en Argentina en ese momento, y las influencias de Noé fueron los pintores Sarah Grilo y José Antonio Fernández-Muro.

Otras influencias argentinas reconocidas tanto en Noé como en sus compañeros artistas, que más tarde formaron La Otra Figuración, fueron el neofigurista de orientación política Antonio Berni y el grupo Boa.

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Los europeos conocidos colectivamente como Cobra, así como Antonio Saura, Francis Bacon, Willem de Kooning y Jean Dubuffet también pueden haber inspirado a los artistas de Otra Figuración y a menudo se les conoce como contemporáneos comparables en ciertos aspectos (por ejemplo, la pincelada de De Kooning), aunque obviamente difieren en otros.

Estonia realiza Donación de Arte

Puntos Clave :

La Casa Estonia de Estocolmo donó cuatro obras icónicas de la historia del arte estonio a las colecciones del Museo de Arte de Estonia.

Taave Sööt Vahermägi, director general de la Casa Estonia en Estocolmo, dijo que a partir de 2022 decidieron centrar su colección de arte en el arte estonio extranjero.

Lisette Steinman, la antigua propietaria de las cuatro piezas subastadas, las donó a la Casa Estonia en Estocolmo en 1990.

 

La Casa Estonia de Estocolmo donó cuatro obras icónicas de la historia del arte estonio a las colecciones del Museo de Arte de Estonia, que de otro modo se habrían vendido en la subasta de la galería Vernissage, si el contrato de regalo del propietario original de 1990 no hubiera salido unos días antes.

Taave Sööt Vahermägi, director general de la Casa Estonia en Estocolmo, dijo que a partir de 2022 decidieron centrar su colección de arte en el arte estonio extranjero. Por lo tanto, la Casa Estonia planeaba vender algunas piezas y eligió la galería Vernissage que alberga una subasta de primavera en Tallin en mayo como su socio.

"A petición de la galería Vernissage, buscamos en nuestros archivos información adicional relacionada con las obras de arte antes de la subasta. Lisette Steinman, la antigua propietaria de las cuatro piezas subastadas, las donó a la Casa Estonia en Estocolmo en 1990, con la instrucción de que se transfieran al Museo de Arte de Estonia si la Casa Estonia lo considera apropiado", explicó.

Como resultado, la Casa Estonia de Estocolmo pidió a la galería de arte que detuviera la venta de las pinturas solo dos días antes de la subasta, para que pudieran transferirse a la colección del Museo de Arte de Estonia, siguiendo las instrucciones de Steinman.

Entre las cuatro obras se encuentran las pinturas al óleo "Mujer con una máscara" (finales de la década de 1930) y "Mujer con un ramo azul" (1940-44) de Johannes Greenberg, el pastel de Ants Laikmaa "Retrato de un niño mulato" (1919) y la obra de técnica mixta de Kristjan Raud "Los hijos de Kalev a la caza" (circa 1927-28).

Sirje Helme, miembro de la junta directiva del Museo de Arte de Estonia, dijo que se trata de piezas importantes de la historia del arte estonio que recibirán un lugar de honor en el museo. "Kristjan Raud, Ants Laikmaa y Johannes Greenberg son figuras invaluables y distinguidas en la historia del arte estonio. El Museo de Arte de Estonia se complace en recibir estas piezas de la finca de Lisette Steinman. Enriquecerán y complementarán la colección del siglo XX del museo", añadió Helme.

"En el futuro, estamos planeando presentar todas estas obras tanto en exposiciones permanentes como temáticas, trayendo a los entusiastas del arte y a los visitantes mucha alegría y emoción".

Warhol & The Velvet Underground

Neofiguracion

Neofiguración Características

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Proto Punk.

Reed fue el jefe y la figura principal de The Velvet Underground. Había escrito canciones legendarias como (Venus in Furs, Heroin & Waiting for the man) ya antes de que The Velvet Underground se formara como banda.

Lou Reed nació en 1942 y creció con sus estrictos padres judíos conservadores en Brooklyn durante los años cuarenta y cincuenta.

Cuando tenía diecisiete años en 1959, sus padres lo enviaron a un psiquiatra, para curarlo por sentimientos homosexuales y cambios de humor alarmantes.

El psiquiatra recomendó un tratamiento con electrochoque en el Hospital Psiquiátrico Estatal Creedmore tres veces por semana durante ocho semanas.

Sus padres solo querían que estuviera sano y aprendiera a comportarse bien. El tratamiento causó muchos problemas a Reed, porque en los años cincuenta no ajustaron el voltaje por tamaño o condición mental como lo hacen hoy en día. El voltaje que se le dio era demasiado para un pequeño niño vulnerable de diecisiete años. Pensó que se había convertido en una verdura. Se decía a sí mismo.

No puedes leer un libro porque llegas a la página diecisiete y tienes que volver a la página uno de nuevo. Si caminabas por la manzana, olvidaste dónde estabas.

Para un hombre con ambiciones de convertirse, entre otras cosas, en escritor, esto era una amenaza terrible. Lou se sintió traicionado por sus padres, y después de esto realmente los odiaba.

Los amigos de Lou que visitaron su casa familiar obtuvieron otra impresión de sus padres. Pensaron que eran agradables, pero simplemente sobreprotectores para su hijo.

Lou's dedicó su vida a la poesía y al black rock`n`roll. Escribió poemas y tocó la guitarra todo el tiempo desde 1954, cuando tenía doce años.

El año de sus tratamientos de electrochoque, 1959, hasta el verano de 1960, fue un tiempo perdido para Lou. A partir de entonces, el tema central de su vida se convirtió en una lucha por expresarse y obtener lo que quería.

El primer paso fue retirarse del control de su familia. Sus padres tenían otros planes para su hijo mayor, pero Lou no pudo cumplir sus sueños. Un músico homosexual de rock`n'roll fue probablemente casi la peor pesadilla hecha realidad para los padres suburbanos de la década de 1950.

En 1960 entró en la Universidad de Siracusa, donde desarrolló su interés por la música. Mientras que las universidades de Nueva York y Boston producían cantantes folclóricos al estilo de Bob Dylan, Siracusa creó un montón de rockeros proto-punk.

Fue Siracusa donde conoció a su compañero guitarrista Sterling Morrison, que tenía antecedentes similares. Pero Lou rápidamente se definió a sí mismo como un extraño solitario.

Evitando todas las organizaciones, estaba creando una imagen que con el tiempo sería ampliamente reconocida como la esencia del moderno hombre subterráneo de Nueva York.

Llevaba mocasines, jeans, camisetas y se dejó crecer el pelo un poco más largo que sus otros compañeros de escuela. Reed también comenzó con drogas en Siracusa, y el uso de drogas en ese momento era muy poco común.

Tuvo una gran influencia en sus compañeros de escuela, así que después de un tiempo comenzó a vender drogas a los productos limpios de la década de 1950, que se prepararon para aceptar trabajos como contadores y abogados.

Al Aronowitz les organizó sus primeros trabajos. Le robaron su grabadora del tamaño de una billetera en su primer trabajo.

Solo eran drogadictos, ladrones, estafadores. La mayoría de los músicos de ese momento venían con todos estos ideales de mente alta, pero los Velvets estaban llenos de mierda. Solo eran estafadores.

Aronowitz los metió en un club, Cafe Bizarre, donde deberían tocar todas las noches durante quince días en diciembre de 1965. Cafe Bizarre era un lugar al que solo iban turistas porque se podían comprar todo tipo de bebidas exóticas allí, como cinco cucharadas de helado y efervescencia de coco. Aquí Andy Warhol conoció a la banda por primera vez.

Andy Warhol era un optimista que creía de todo corazón en el ideal estadounidense de que cada ciudadano trabajador, con igualdad de oportunidades, se ganaba el derecho a hacerse rico y famoso.

A lo largo de la década de 1950, Warhol fue un artista comercial extremadamente exitoso, ganando muchos premios y ganando una gran cantidad de dinero por sus elegantes ilustraciones para artículos de revistas y artículos de periódicos.

Estaba muy comprometido con el hecho de que sus productos deberían «vender» a la audiencia. En algún momento de 1960, el arte de Warhol experimentó un cambio dramático, basado en su intuición de que temas banales y comunes le permitirían entrar en el reino del arte "alto".

Warhol tuvo un gran éxito en la rama de negocios. Era un especialista en el mundo de los tabloides y trabajó con muchas celebridades como Elvis Presley. Después de la muerte de Marilyn Monroe y el presidente Kennedy, pronto comenzó a publicar pinturas y fotos de ellos. La fama y notoriedad que jugó un papel tan crucial en el arte de Warhol pronto se derramó en su propio estudio, un gran loft del cuarto piso en East 47th Street, llamado The Factory. Esto se convirtió en el epicentro de la cultura pop de Nueva York.

El lugar funcionaba como una combinación de una casa club, un centro comunitario, un salón y un área de crucero para algunos de los tipos más extravagantes de Nueva York: modelos de moda, despotricando cabezas de anfetamina, poetas sulky y cineastas subterráneos y ocasionalmente algunas personalidades del cine y estrellas de rock.

La creciente celebridad de Warhol se convirtió en una adicción para él. Invirtió una enorme energía en seguir siendo un tema en las noticias. Su arte se convirtió cada vez más en una provocación intencional, calculada para crear controversia y provocar cobertura de prensa. Su incansable deseo de generar ondas de choque a menudo lo llevó a un sensacionalismo impuro.

Cuando The Velvet Underground se unió a Andy Warhol, tenía treinta y seis años, era rico y la fuerza impulsora exitosa detrás de un culto devoto a los colaboradores artísticos. Reed tenía veintitrés años, era tan fuerte como el acero inoxidable, confiado y tan ambicioso como su mentor. En Warhol, Reed encontró al padre-madre-protector-catalizador-colaborador omnipermisivo que siempre había anhelado. A su vez, Warhol vio a su yo más joven en Reed y quería recuperar esa vitalidad. Ambos eran personas aisladas que guardaban sus pensamientos más íntimos para sí mismos, y cada uno podía empatizar con la vulnerabilidad enmascarada del otro. Cada uno había tenido crisis nerviosas. Para Reed se abrió a un mundo completamente nuevo de posibilidades.

The Velvet Underground.

El Arte Deco y Frank Lloyd

 

El Art Déco surgió a principios del siglo XX gracias a la influencia de las primeras vanguardias, como el cubismo, el constructivismo y el futurismo, como una tendencia que buscaba la funcionalidad y la estética.

Siguiendo el pensamiento racionalista de la Bauhaus, el Art Déco se caracterizó por diseños atractivos, sobrios y elegantes, con formas rectas y volúmenes geométricos, los cuales tuvieron un auge entre la década de 1920 y 1930.

Frank Lloyd Wright Continua el concepto de arquitectura orgánica, los diseños de este arquitecto estadounidense consistían en estructuras que tuvieran armonía con el entorno que las rodeaba. 

Por ello, la transparencia visual y la propagación de luz fueron factores que lo llevaron a incluir diversos vitrales en sus obra de arte, muchos de ellos con elementos característicos del Art Déco.

Elementos modernos, ventanas alargadas y formas cuadradas fueron tan solo os patrones que Wright incluyó en algunas de sus construcciones más famosas, convirtiéndose en un sello de sus diseños.

Incluso antes del auge del Art Déco, Frank Lloyd Wright incluía elementos modernos, ventanas alargadas y formas cuadradas en sus diseños, lo cual denotaba que este arquitecto estadunidense estaba al tanto del movimiento y sus influencias americanas y europeas. 

Sin embargo, los vitrales fueron el punto focal de esta referencia: las formas abstractas y patrones geométricos de la naturaleza en distintos colores fueron un elemento presente en construcciones como la casa Frederick C. Robie y la casa Hollyhock.