Bebés en pasta de almendras

 Es fascinante ver con que realidad esta artista da la vida a sus miniaturas esculturas ! Son hechos con pasta de almendras y clara de huevo.....Increíbles! Los detalles son casi reales!Además te lo podrías comer... aunque yo dudo que se lo coman!

El arte sólo sirve para sanar

Jodorowsky: "El arte sólo me interesa si sirve para sanar"

Los autores Alejandro Jodorowsky y Marianne Costa publican Metagenealogía (Ediciones Siruela), obra en la que proponen estudiar el árbol genealógico para entender el "peso de la tradición familiar" en el individuo y "sanarlo desde el presente". "Yo empecé todo esto cuando uno de mis hijos murió a los 24 años. Empecé a preguntarme qué era el arte, para qué sirve. '¿Voy a hablar siempre de mi ego, de mi ombligo?', me preguntaba. Entonces descubrí que a mi el arte solo me interesa si sirve para sanar. Salí del arte ególatra para entrar en el arte que establece una sanación social. Este libro es arte, no es ciencia. Enseña a 'lo racional' a internarse en el inconsciente para ver cuál es tu estado verdadero", explica Alejandro Jodorowsky en la presentación.

Según él, cada persona, por "humilde" y / o "aburrida" que sea, "es una novela entera"; un ser que arrastra historias familiares complejas, llenas de "aventuras, mitos, verdades, mentiras o secretos". "Cada persona está formada por su familia. La familia te crea una personalidad ficticia. La familia depende de la sociedad, la sociedad de la cultura. Nadie es quien es. Somos lo que otros han querido que seamos. El trabajo de una persona es convertirse en lo que quiere ser, no en lo que los demás quieren que sea. Solo puedes llegar a la alegría de vivir cuando eres lo que eres, no lo que los demás quieren", dice.

El autor, que pasa de la religión a la ciencia y de la ciencia al arte con facilidad, pone numerosos ejemplos de sus terapias psicomágicas o sus sesiones de tarot, en las que nunca cobra para "no vivir del enfermo". Narra, entre otras historias, el relato de una hija que se encuentra con su padre ausente ingresado en un hospital, enfermo de cáncer de pulmón en fase terminal, y cómo esa hija, hoy día, encadena cigarros y cigarros en busca de su suerte. "Estamos todos enfermos: la sociedad está enferma y la cultura está enferma.

La sociedad está enferma a partir de las religiones, que tienen la misma enfermedad: no hay diosa madre, hay dios padre. Aquí mostramos una enseñanza para que avances y hagas tuya tu familia; no de forma imaginaria, sino activa", asegura el autor chileno.

De esta forma, los autores exponen técnicas para conocer el pasado familiar por medio de la metagenealogía, que no nace estrictamente como terapia, sino como "un trabajo de toma de conciencia" a través de "ejercicios que ayudarán al lector a estudiar su propio árbol". "Si no existió en el pasado, no lo contemplamos como algo posible", añade Costa, que ha acompañado a Jodorowsky en la presentación. "Cuando pensamos en cuánto vamos a vivir", dice, "lo hacemos en la persona más longeva del árbol, no pensamos en superarla.

El trabajo de la conciencia es encontrar soluciones creativas para cada problema, en vez de sacar del armario viejas soluciones que en el fondo no funcionan". En esas, Jodorowsky vuelve a tomar la palabra para extender la 'metageanología' sobre el mapa actual, poblado de escándalos, penurias y protestas. El autor explica que "los jóvenes ya no quieren ser niños" y que, "si la sociedad los apalea y los encierra", la insatisfacción se prolongará y la crisis terminará desembocando en una "feroz guerra". "No estamos terminados, estamos progresando. El pasado no es lo mejor, hay que progresar.

El futuro está en nuestro cerebro. Cada persona es un genio en potencia, tiene la extensión del universo. Podemos tener una vida larga. Yo debería estar muerto tras pasar los 80 años, fiambre ya hace dos, pero no. Yo no sé cuál es la duración de la vida, y este es el secreto. ¿Quieres conocer el universo?: entra en tu secreto", concluye el autor.

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El Marco cumple 20 años

Considerado como uno de los recintos más importantes de América Latina, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (Marco) cumple 20 años de enfatizar la difusión de las artes visuales latinoamericanas y promover el arte y la cultura a nivel internacional.

Abrió sus puertas el 28 de junio de 1991 y ha albergado a decenas de exposiciones temporales, destacando muestras como 'Frida', que rompió récord de asistencia; y 'Grandes maestros mexicanos', que se mostró durante dos años dividida en cuatro etapas, conformada por más de 500 piezas.

Ubicado en el centro de Monterrey, el Marco posee 16 mil metros cuadrados y fue diseñado por el arquitecto mexicano Ricardo Legorreta, quien creó diversos ambientes y atmósferas en cada rincón para provocar en los asistentes una experiencia única en cada visita, ya que, a diferencia de otros museos, muestra el arte en un ambiente mucho más natural y menos artificial.

Las obras se presentan combinando equilibradamente la luz natural y la artificial, así, la visita a este espacio no es como el recorrer un laboratorio donde hay obras de arte, sino una visita a una serie de espacios y elementos arquitectónicos que resulta en una obra de arte en sí mismos.

Este año, el Museo de Arte Contemporáneo llega a dos décadas de trabajo con dos grandes exposiciones: 'Dr. Lakra', de Jerónimo López Ramírez, que hace una combinación de la gráfica del país, la historia del arte y la intervención de los objetos.

Asimismo, alberga la obra hiperrealista y de gran formato del australiano Ron Muek, una de las exposiciones de esculturas más impresionantes llegada de Europa. Estas muestras complementan a las 131 exposiciones en total que este espacio ha difundido a lo largo de 20 años.

De manera permanente, se exhibe una colección de pintura latinoamericana contemporánea y exposiciones temporales de muy alto nivel.

En sus salas han desfilado exposiciones individuales de pintores, escultores, arquitectos y fotógrafos mexicanos como Manuel Alvarez Bravo, Hermenegildo Bustos, Julio Galán, Mathías Goeritz, Teodoro González de León, Enrique Guzmán, Ricardo Legorreta, Ricardo Mazal, Miriam Medrez, Frida Kahlo, Armando Salas Portugal, Rodolfo Morales y Alberto Vargas, entre otros.

Así como de múltiples artistas extranjeros, entre ellos Joan Brossa, Jenny Holzer, Ana Mendieta, Henry Moore, Isamu Noguchi y Antony Gormley.

Además, el Marco mantiene durante todo el año diversos talleres, actividades y eventos culturales que tienen como finalidad llevar el arte a todo tipo de público, desde los más pequeños hasta adultos mayores interesados en el arte y sus diferentes manifestaciones.

Cumple también con diversas misiones y expectativas en beneficio de la comunidad y que otorgan a un gran número de personas la posibilidad de disfrutar del arte.

Sin duda, una de las exposiciones más visitadas de este espacio fue la serie 'Grandes maestros mexicanos', dividida en cuatro etapas, y que durante dos años mostró a los miles de visitantes a los artistas plásticos más importantes que México ha dado.

De esta manera, desde 2001 y hasta 2003 dio cabida a creadores como David Alfaro Siqueiros, Frida Kahlo, Diego Rivera, Leonora Carrington, Manuel Felguérez, Juan Soriano, José Luis Cuevas y Manuel Alvarez Bravo, entre muchos otros.

La curaduría, a cargo de Guillermo Sepúlveda, visualizó la evolución del arte mexicano, desde 1900 hasta nuestros tiempos, pasando por etapas históricas, como la Revolución Mexicana; la incursión de las escuelas de vanguardia, como el estridentismo; la etapa de la ruptura mexicana; así como la llegada de nuevas tendencias de arte emergente, intervencionismo y lo efímero.

De esta manera, el Marco es sin duda uno de los iconos de Monterrey y cuna de la cultura contemporánea del noreste del país, y que llega a 20 años de la promoción de las manifestaciones artísticas en México.

El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey es un espacio cultural donde se muestra a los visitantes el arte y sus manifestaciones en espacios más naturales y en una atmósfera agradable.

Su objetivo principal es difundir la cultura a nivel nacional e internacional.

Arte latinoamericano que conquista Londres

En sólo cinco años, Feria Pinta se ha convertido en la vitrina de arte latinoamericano más influyente del mundo. Partió con gran éxito en 2007, en Nueva York, de la mano de los curadores argentinos Diego Costa Peuser, Alejandro Zaia y Mauro Herlitzka, quienes decidieron, el año pasado, saltar al mercado europeo, instalando una sede de Pinta en el Earl Court Exhibition Centre de Londres y que hoy finaliza su segunda edición.

Con más de cuatro mil visitas hasta ahora, la convocatoria ha superado las expectativas. "Hasta el momento hemos vendido las obras de Joaquín Cociña, pero en general hay mucho interés por nuestros artistas. Es un público curioso que compra arte con conocimientos y ganas", cuenta Irene Abujatum, directora de Feria Ch.ACO y de galería Afa, una de las invitadas a la feria junto a la galería Isabel Aninat. "La edición coincidió con la Bienal de Venecia, así que muchos curadores y coleccionistas aprovechan de pasar directo a Pinta", agrega.

En la cita participan más de 50 galerías del mundo (con énfasis en la región), con obras que van entre $ 7 millones y $ 38 millones.

El objetivo es claro: posicionar el arte latinoamericano en el mercado. La principal estrategia es el inédito programa de adquisiciones impulsado por Pinta, que consiste en subsidiar a museos y galerías con la mitad del dinero para comprar una obra de arte latinoamericano para sus colecciones. Hasta ahora, las beneficiadas han sido el MoMa de Nueva York, el Museo Reina Sofía, la Tate Modern de Londres y el Centro Georges Pompidou de París, que este año vuelven . "Ya hemos invertido un cuarto de millón de dólares en este programa y es que hay un interés real por el arte de estos lados. Hay artistas que hace 25 años no eran tan apreciados y hoy se revalorizan, es el caso de la cubana Carmen Herrera o la chilena Matilde Pérez, a quien esperamos tener en noviembre, cuando se haga Pinta Nueva York", señala Diego Costa Peuser, uno de los directores.

El envío nacional se concentra en los artistas Pedro Tyler, Manuela Viera Gallo, el colectivo Aninat &Swinburn y Lotty Rosenfeld, representados por la galería Isabel Aninat. También están Joaquín Cociña, Paz Errázuriz y Alvaro Oyarzún, llevados por Afa. Mientras, la obra de Iván Navarro es exhibida por la galería Baró de Brasil. "Las galerías no deberían preocuparse sólo de vender. A Chile le falta trabajar más la internacionalización de sus artistas, invertir y apostar por ellos", dice Peuser.

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El argentino Pablo Bronstein se adueña del ICA de Londres

En su exposición más ambiciosa hasta la fecha, el artista argentino Pablo Bronstein se adueña del Instituto de Arte Contemporáneo (ICA) de Londres para explorar la arquitectura de la era georgiana a través del dibujo, la instalación, la escultura y las performances.

Bronstein (Buenos Aires, 1977), conocido sobre todo por sus dibujos que juegan con la idea del poder y de la economía en la manifestación arquitectónica, tuvo campo libre para extenderse por todo el edificio para esta muestra titulada "Sketches for Regency Living", que se inaugura el jueves y permanecerá abierta hasta el 25 de septiembre.

En ella, explora "varios ángulos de la arquitectura del siglo XVII con el objetivo de entender un poco como empezaron ciertas culturas que existen hoy día", como la del consumo o la de las falsas apariencias, por citar sólo algunas, y examina también el papel del espacio público en la sociedad.

"Es la muestra más grande que he hecho, con más obra, y fue realmente mucho laburo. Fueron cuatro o cinco meses", explicó a la AFP el artista instalado en Londres desde los 4 años de edad, y que ya ha tenido importantes exposiciones individuales en la Tate Britain y en el MET de Nueva York.

Uno de los desafíos fue el mural de 16 metros de largo que representa el primer edificio público diseñado para Gran Bretaña, con el que comienza el recorrido y ante el cual evolucionan dos bailarinas vestidas para la ocasión por la ascendente diseñadora británica Mary Katrantzou, siguiendo una cuidada coreografía.

"La galería más grande del museo la cerramos al público, y adentro tenemos una plaza. Eso simboliza el espacio público que está totalmente cerrado", explica.

 A partir de allá, el visitante se adentra en el antiguo teatro, donde Bronstein ha creado una gran escultura temporal con reminiscencias clásicas en la que el público puede meterse e incluso asistir a algunos de los actos previstos en paralelo con esta exposición con la que el ICA inaugura una nueva etapa.

En las escaleras que llevan a los niveles superiores de este edificio idealmente situado en la austera avenica que une la plaza Trafalgar al palacio de Buckingham, 66 dibujos de nueva creación representan según el artista "catálogos para decorar casas de clase media" inspirados en la arquitectura georgiana de los siglos XVIII y XIX, aunque con toques posmodernos.

En el primer piso, Bronstein reúne por primera vez dos de sus obras que actualmente pertenecen a la Tate ("Erection of Paternoster Square Column, 2008) y a la Saatchi Gallery ("Relocation of Temple Bar, 2009), junto a unos muebles metamórficos, que no son más que versiones exageradas del estilo de aquella época.

Y más arriba, se permite un "gesto poético" con un vídeo que muestra a una delicada bailarina frente a un edificio en pleno proceso de restauración.

Interrogado acerca de su pasión por la arquitectura, disciplina que no ha estudiado, Bronstein insiste en que él es sólo un "artista plástico". "A mí me encanta la arquitectura, pero los arquitectos son las personas más frustradas del mundo. Yo por lo menos puedo hacer algo", agrega.

En todo caso, el ICA está encantado con el resultado de este ambicioso proyecto que alía presente y pasado, clasicismo y modernidad, en una "combinación sumamente estilizada y a veces fantástica".

"Se le ha dado una tela en blanco, y sinceramente, ha hecho un buen trabajo, se ha esforzado y ha mostrado su capacidad de responder al reto", opinó el comisario, Matt Williams.

Arte in-situ en la Quinta

Arnoldo Carvajal

El Instituto Chileno Norteamericano de Cultura de Valparaíso saluda atentamente a usted y tiene el agrado de invitarle a la inauguración de la exposición de pintura "Arte in-situ en la Quinta," actividad realizada en el año 2010, convocada por la Sala Carlos Hermosilla, del Departamento de Cultura de la Municipalidad de Viña del Mar.