Destino, Dalí y Walt Disney

En 1937, Salvador Dalí escribió a su querido amigo André Breton, fundador del movimiento artistico surrealista en París, y dijo: "Yo he venido a Estados Unidos y estoy en contacto con tres grandes surrealistas americanos - Los hermanos Marx, Cecil B. De Mille , y Walt Disney. 


"Para Breton el surrealismo se concibe como una forma de arte que extrae su contenido desde el reino inexplorado de la mente del subconsciente humano, descubriendo la honestidad sin precedentes y las imágenes de otro mundo. 


En la década de 1930, el surrealismo, un hijastro del dadaísmo (anti-arte), había estallado en la escena del arte de la vanguardia en Europa con artistas como Man Ray, Max Ernst, René Magritte, Wassily Kandinsky, Miró y Salvador Dalí. 


Pronto, la influencia surrealista atraviesa el Atlántico, llegando a  los Estados Unidos, donde los artistas André Masson, Marcel Duchamp y Arshile Gorky ya habían emigrado a mediados de la década de 1920. 


Para muchos, los artistas surrealista de los Estados Unidos, fueron los grandes pioneros de la animación: Walt Disney, Max Fleischer, y Tex Avery.(continua) 

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‘Fisherman’s Daughter’ Returned to France

"Missing for more than 90 years, the beautiful and enigmatic “Fisherman’s Daughter” is finally on her way home to France.


The Jules Breton painting was stolen from the Douai Beaux Art Museum in Northern France by German troops during the First World War and its fate was a mystery that haunted the art world for nearly a century.


Then last year, there was a break in the case. French officials and Interpol were alerted that the painting, valued today at about $150,000, had been imported by an art dealer in New York. 


The painting was recovered, but the mystery was not yet solved. Officials discovered the painting had been heavily restored. Was this “Fisherman’s Daughter,” the authentic realist masterpiece, or a skillful fake?"

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¿Surrealista o realista?

Frida Khalo Autoretrato

Frida Kahlo participó en la "Exposición Mundial del Surrealismo" en 1940 en la Galería de Arte, Mexicano. Allí mostró sus dos grandes lienzos: Las dos Fridas y La mesa herida (1940). El surrealista Andrew Breton consideraba a Kahlo un nombre extraño, un nombre que Kahlo rechazó, diciendo que simplemente pintó su mundo. No obstante, en 1945, cuando Don José Domingo Lavín le pidió a Frida Kahlo que leyera detenidamente el libro Moisés y el monoteísmo de Sigmund Freud, de cuyo análisis depende el surrealismo, y que pinte su comprensión y comprensión de este libro. Frida Kahlo pintó a Moisés, y esta obra de arte fue percibida como el segundo premio en la exhibición anual de artesanía en el Palacio de Bellas Artes.

Kahlo no vendió numerosos lienzos a lo largo de su vida, a pesar de que pintó representaciones incidentales por encargo. Tuvo solo una exhibición independiente en México a lo largo de su vida, en 1953, solo un año antes de su fallecimiento a los 47 años.

Hoy, sus obras se venden a costos considerables. En mayo de 2006, la imagen de Frida Kahlo, Roots, se vendió por $ 5,62 millones en un trueque de Sotheby's en Nueva York, establece un precedente como la obra latinoamericana más costosa en cualquier momento comprada al cierre, y además convierte a Frida Kahlo en una de las Señora vendedora más elevada en mano de obra.

Las cautivadoras imágenes creadas por Frida Kahlo (1907-1954) son, en muchos sentidos, la manifestación de un trauma. Sufrió un accidente de tráfico casi mortal a los 18 años, numerosos problemas de salud, un matrimonio turbulento y varios abortos que le impidieron tener hijos y, sin embargo, supo transformar todas sus aflicciones en arte revolucionario.

En sus autorretratos reales y metafóricos, Kahlo contempla al espectador con una mirada audaz, negándose a ser una víctima pasiva y entrelazando símbolos de su experiencia en un híbrido lenguaje de vida surrealista: pelo, raíces, venas, enredaderas, tentáculos y trompas de Falopio. Muchas de sus obras también exploran los ideales políticos comunistas, que Kahlo compartía con Rivera. La artista describió sus cuadros como "lo más sincero que podía hacer para expresar lo que siento dentro y fuera de mi ser". Este libro ofrece un amplio repaso de la obra de Kahlo, que descubre su inagotable determinación como artista y su importancia como pintora, icono feminista y pionera en la cultura latinoamericana.

La última surrealista

La pintora mexicana, Leonora Carrington, de origen inglés falleció a los 94 años tras una vida de rebeldía y pasión; el próximo sábado recibirá un homenaje en el Palacio de Bellas Artes.

Sus sueños, como su vida y su obra, estaban plagados de seres fantásticos, animales míticos, personajes alados… cerca de la muerte, todos ellos pasaron a despedirse de su creadora: lo último que vio Leonora Carrington antes de morir fue un pájaro muy bello con un pico muy fino y colores bellísimos, según el relato que su hijo Gabriel Weisz compartió en la intimidad con los amigos de la pintora.


Leonora Carrington (Lancashire, Inglaterra, 1917-Ciudad de México, 2011) llevaba varios años cansada, triste, “vieja y decrépita”, dijo al cumplir 90, “aprendo otra vez a caminar, soy tan vieja que ya me cuesta mucho trabajo hacerlo. Mi único proyecto es sobrevivir”.
Alrededor de las 22:30 horas del miércoles, el proyecto se quedó trunco con la neumonía que le causó la muerte a quien era considerada la última surrealista, cuyo arte intentó desarrollar prácticamente hasta el último de sus días, como se demuestra con una pequeña escultura de un cocodrilo en la que aún trabajaba.
El escultor José Sacal, amigo de creadora, mostró en exclusiva a MILENIO esa pieza significativa, con la que la artista cerró su propio círculo creativo: una figura de apenas unos centímetros, que se transformará en una escultura de bronce, de un metro de largo, ya trabajada por ambos artistas.
El creador evocó la forma en que la plastilina era transformada por Leonora y sus largas manos, para lo cual hasta usaron un material especial, suave, para que ella pudiera maniobrarla sin problema.
“Ésta es la última obra que concibió Leonora antes de morir y la realizó en mi estudio. Cada semana venía, sobre todo cuando empezamos a elaborar la pieza grande, atenta al proceso de creación”, dice Sacal con voz entrecortada, mientras la palma de su mano sostenía lo que, sin duda, ya tiene un valor excepcional.


Una historia de novela
De expresión triste, pero con ojos de luz, la artista fue congruente hasta el final de sus días: le pidió a sus hijos, Pablo y Gabriel, que no hubiera homenajes de cuerpo presente, que sus restos se enterraran en la más completa intimidad. Las exequias de la pintora se realizaron en la Funeraria García López del Pedregal, al sur de la Ciudad de México, y ayer mismo fue sepultada en el Panteón Británico.
La vida Leonora Carrington no resultó sencilla, tuvo acceso a escuelas de arte, pero con la llegada de la guerra su existencia se transformó por completo.
En Londres conoció al pintor surrealista Max Ernst y fruto de esa vinculación tuvo la oportunidad de conocer en París a artistas clave del movimiento surrealista, como Salvador Dalí, Marcel Duchamp, André Breton y Pablo Picasso.
En ese tiempo, los nazis llevaron a Ernst a un campo de concentración; Carrington alcanzó a huir a España donde tuvo un colapso que la llevó a ser internada en un manicomio en Santander.
En esa época conoció a Renato Leduc, con quien se casó. En 1942 llegó a México con Leduc. Uno de los mayores regalos que le dio México fue el reencuentro con la que fue una de sus mejores amigas, la española exiliada Remedios Varo, a quien había conocido en París.
Ya instalada en tierras aztecas, Leonora Carrington se casó con el fotógrafo húngaro Emericz Chiki Weisz, de origen judío, con quien tuvo a sus hijos Gabriel y Pablo.
Apenas en abril pasado, la artista estuvo presente en la inauguración de su muestra Escultura reciente. Leonora Carrington 94 aniversario, en el Centro Cultural Estación Indianilla de la Ciudad de México.
La presidenta del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Consuelo Sáizar, anunció la realización de un homenaje a la artista plástica en el Palacio de Bellas Artes con la idea de rendir un sentido reconocimiento del pueblo, las instituciones y la comunidad cultural de México, a desarrollarse el próximo sábado, a partir de las 13:00 horas.

México / Leticia Sánchez y Jesús Alejo

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Miró arte y política

La exposición de Miró en Londres en el Tate Modern, la primera después de casi cincuenta años, mostró  el aspecto angustioso y políticamente comprometido de su obra, reflejo de su respuesta apasionada ante uno de los períodos más convulsos de la historia europea. Durante los años en que trabajó en Barcelona y París, Miró siguió de cerca el curso de la Guerra Civil española y de los primeros meses de la Segunda Guerra Mundial en Francia. 


Bajo el régimen de represión política de la España franquista, Miró se mantuvo siempre como un símbolo de la cultura internacional, y sus magníficas pinturas abstractas de finales de los años sesenta y principios de los setenta fueron un marco de resistencia e integridad en los años del declive del régimen. 


Conocer la historia de Miró y de la época de la que fue testimonio desvela una intensidad más profunda en muchas de sus obras, un conjunto de pinturas sorprendentes, magnéticas e impactantes de uno de los artistas más grandes del arte moderno.
      
Considerado por André Breton el "más surrealista de los surrealistas" en la década de los años 20, el que fue uno de los precursores del expresionismo abstracto forjó un universo iconográfico propio. Fue entonces cuando afirmó que no distinguía entre pintura y poesía, y empezó a escribir algunos versos. Joan Miró mantuvo amistad con muchos poetas, y uno de los textos más lúcidos sobre ese Miró subversivo lo ha escrito Pere Gimferrer. Hombre de sabiduría enciclopédica, este poeta y académico de la RAE publicó Miró: colpir sense nafrar (Miró: conmover sin herir) en 1978.
     

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Van Gogh : "Somos lo que éramos ayer"

Vincentvan gogh

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Vincent van Gogh 13 años

La principal fuente para la comprensión de Van Gogh como un artista es la colección de cartas que se pasaron entre él y su hermano menor, el mercader Theo van Gogh.

Amsterdam, 3 de abril de 1878

He seguido reflexionando sobre el tema de nuestra conversación e involuntariamente he pensado en las palabras «somos lo que éramos ayer». Esto no significa que se deba marcar el paso y no tratar de desarrollarse, al contrario, hay una razón imperiosa para hacerlo y encontrarlo.

Pero para seguir fiel a esa palabra, no se puede retroceder, y cuando se ha empezado a considerar las cosas con una mirada libre y confiada no se puede volver atrás ni claudicar.

Los que decían: «Somos lo que éramos ayer», eran «hombres honrados», lo que resulta claramente de la constitución que han redactado, que subsistirá en todo tiempo y de la cual se ha podido decir que había sido escrita «con el rayo de lo alto» y «un dedo de fuego». Es bueno ser «hombre honrado» y tratar de serlo más y más, y se obra bien cuando se cree que es preciso, para ello, ser «hombre interior y espiritual».

Si se tuviera la convicción de pertenecer a esta categoría, se avanzaría por el camino con calma y confianza, sin dudar del buen resultado final. Había un hombre que un día entró en una iglesia y preguntó: «Es posible que mi fervor me haya engañado, que haya tomado el mal camino y que siga mal, ¡ay de mí! Si me librara de esta incertidumbre y si pudiera tener la firme convicción de que terminaré por tener éxito y vencer». Y una voz entonces le contesta: «Y si tuvieras la certidumbre, ¿qué harías? Haz como si estuvieras seguro y no serás confundido.» El hombre entonces continuó su camino, ya no incrédulo sino creyente, y continuó la obra sin dudar ni vacilar más. Por lo que respecta a ser «hombre interior y espiritual», ¿no se podría desarrollar este estado en uno mismo por el conocimiento de la historia en general y de personalidades determinadas de todos los tiempos en particular, desde la historia sagrada hasta la de la Revolución, y de la Odisea hasta los libros de Dickens y Michelet? ¿Y no se podría sacar alguna enseñanza de la obra de hombres como Rembrandt o de las Malas hierbas de Breton, o Las horas de la jornada de Millet, o la Benedicite de De Groux o Brion o El recluta de De Groux (o si no de Conscience) o los Grandes robles de Dupré, o los molinos y las llanuras de arena de Michel?

Hemos hablado mucho de lo que es nuestro deber y cómo podríamos llegar a algo bueno, y hemos llegado a la conclusión de que nuestro fin en primer término debe ser el de hallar un lugar determinado y un oficio al cual podamos consagrarnos enteramente.

Y creo que estábamos igualmente de acuerdo sobre este punto, que hay, sobre todo, que encarar el fin y que una victoria lograda después de toda una vida de trabajos y esfuerzos, vale más que una victoria lograda más temprano.

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