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Roberto Matta: El cubo abierto

La próxima temporada expositiva comenzará en el Museo Thyssen-Bornemisza el 9 de septiembre con la exposición 'Roberto Matta: El cubo abierto'. Por su parte, el Reina Sofía producirá dentro de su programa Fisuras el último proyecto del artista vienés Andreas Fogarasi (1977), mientras que el Museo del Prado se prepara para su exposición estrella del otoño: 'El Hermitage en el Prado'.


La instalación, que presentará el Thyssen incluirá los cinco grandes lienzos del ciclo 'El proscrito deslumbrante' de Roberto Matta y reproducirá el modo en que el artista los montó en su primera presentación al público en la Galerie Alexandre Iolas de París en 1966.


El artista chileno presentó esta serie con su sistema de "cubo abierto", una especie de políptico de la era contemporánea con que creaba una caja destinada a envolver al espectador. Dos de ellos se mostraban horizontalmente suspendidos en el techo, cerrando el espacio creado por los otros tres. Con este espectacular montaje, Matta conseguía sumergir al espectador en su universo pictórico, un universo hermético y alucinatorio, cargado de referencias literarias, espirituales y artísticas.


Cuarenta y cinco años más tarde y con motivo del centenario del nacimiento del artista, que se conmemora en 2011, el ciclo se volverá a presentar en su esplendor original.



   

Anécdotas de la Última Cena

Anécdotas de la Última Cena :Durante 6 años, Da Vinci busco a las personas que representarían a los 11 apóstoles; dejando para el final a aquel que representaría a Judas...

En respuesta a uno de nuestros queridos internautas quién publicó un comentario con respecto a uno de los modelos de la Ultima Cena de Leonardo Da Vinci. Esta es la anécdota que se relata respecto a ese modelo:


“Durante 6  años, Da Vinci  busco a las personas que representarían a los 11 apóstoles; dejando para el final a aquel que representaría a Judas, el apóstol que traicionó a Cristo por 30 monedas de plata. Por semanas estuvo Da Vinci buscando a un hombre con una expresión dura y fría. Un rostro marcado por cicatrices de avaricia, decepción, traición, hipocresía y crimen. Un rostro que identificaría a una persona que sin duda alguna traicionaría a su mejor amigo. Después de muchos fallidos intentos en la búsqueda de este modelo llegó a los oídos de Leonardo Da Vinci que existía un hombre con estas características en el calabozo de Roma. 


Este hombre estaba sentenciado a muerte por haber llevado una vida de robo y asesinatos. Da Vinci viajó a Roma en cuanto supo esto. Este hombre fue llevado ante Da Vinci a la luz del sol. Leonardo vio ante él a un hombre sin vida, un hombre cuyo maltratado cabello largo caía sobre su rostro escondiendo dos ojos llenos de rencor, odio y ruina. Al fin Leonardo Da Vinci había encontrado a quien modelaría a Judas en su obra. Por medio de un permiso del rey, este prisionero fue trasladado a Milán al estudio de Leonardo Da Vinci. 


Por varios meses este hombre se sentó silenciosamente frente a Da Vinci mientras el artista continuaba con la ardua tarea de plasmar en su obra al personaje que había traicionado a Jesús. Cuando Leonardo dio el último trazo a su obra se volvió a los guardias del prisionero y les dio la orden de que se lo llevaran. Mientras salían del recinto de Da Vinci el prisionero se soltó y corrió hacia Leonardo Da Vinci gritándole: "¡Da Vinci!! ¡Obsérvame!! ¿No reconoces quién soy?" Leonardo Da Vinci lo estudió cuidadosamente y le respondió: "Nunca te había visto en mi vida, hasta aquella tarde fuera del calabozo de Roma." El prisionero levantó sus ojos al cielo, cayó de rodillas al suelo y gritó desesperadamente: "¡Oh Dios, tan bajo he caído!" Después volvió nuevamente su rostro al artista y le gritó: "Leonardo Da Vinci!! Mírame nuevamente, pues, ¡¡¡Yo soy aquel joven cuyo rostro escogiste para representar a Cristo hace siete años!!!"


La actitud de Judas, como lo ha pintado Da Vinci proyecta la imagen de alguien que está aislado, seguro de sí mismo. Es el único que no parece inmutado. Su brazo derecho se apoya en la mesa , como proyectando la imagen de que él es dueño de la situación. Su mano derecha empuña firmemente la bolsa. Su mano izquierda, suavemente encrespada hacia arriba como la cabeza de una serpiente que se dispone a cazar su presa, se adelanta hacia la mano de Jesús. Su cara airosamen1te levantada, su mentón en alto, proyecta una actitud desafiante.


En la obra de Da Vinci, Jesús y sus discípulos forman cuatro grupos de tres. Judas se encuentra en la primera tríada situada al lado izquierdo del Maestro. Leonardo fija la escena en  el momento  posterior a la revelación que hace Jesús de la traición a la que sería sometido. 


Las reacciones que se reflejan en los rostros y expresan con sus cuerpos los discípulos manifiestan profundos sentimientos como incredulidad, abatimiento o consternación, según comenta el especialista, quien matiza que "Judas adopta una clara reacción de alejamiento con respecto a Jesús, por quien se siente aludido".

Desentrañando los Significados Ocultos: Análisis de las Poses en 'La Última Cena'"

Al analizar cada pose en "La Última Cena" desde una perspectiva semiótica nos permite desentrañar los mensajes y simbolismos que Leonardo da Vinci quiso transmitir. A continuación, analizaré algunas poses clave en la pintura:

1. El gesto central de Jesús:

Jesús está representado con las manos extendidas hacia el frente, con la palma de la mano abierta. Este gesto puede interpretarse como un signo de entrega, aceptación o incluso como un símbolo de sacrificio. Transmite un mensaje de amor y redención a través de su gesto abierto y acogedor.

2. La posición de Judas Iscariote:

Judas Iscariote se encuentra sentado a la derecha de Jesús, con una postura más tensa y distante. Sus manos están ocultas, lo que sugiere un gesto encubierto y traicionero. Este gesto puede ser interpretado como un signo de engaño o deslealtad, transmitiendo la idea de una intención oculta o un acto de traición.

3. Expresiones y gestos de los discípulos:

Los discípulos en "La Última Cena" muestran una variedad de expresiones y gestos que comunican emociones y reacciones individuales. Algunos parecen sorprendidos, con las manos levantadas o los cuerpos inclinados hacia atrás, mientras que otros expresan incredulidad o incluso angustia. Estos gestos transmiten una gama de emociones y enriquecen la narrativa de la escena.

4. Poses simétricas y equilibradas:

Leonardo da Vinci utilizó la simetría en la disposición de los personajes para crear equilibrio visual en la composición. Las poses de los discípulos a ambos lados de Jesús se equilibran, creando una armonía en la escena. Esta simetría puede interpretarse como un signo de orden, estabilidad y equilibrio dentro del grupo de discípulos.

5. Gestos de las manos y los dedos:

Da Vinci presta especial atención a los gestos de las manos y los dedos en la pintura. Algunos discípulos tienen los dedos entrelazados, mientras que otros señalan o apuntan con sus manos. Estos gestos pueden indicar énfasis, importancia o dirección. Transmiten mensajes adicionales a través del lenguaje no verbal, guiando la atención del espectador hacia elementos clave de la escena.

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Ostalgia


Más de 50 artistas de 27 países de Europa del Este y las ex repúblicas soviéticas participan en esta muestra organizada hasta fines de septiembre por el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo situado en el Bowery, en el sur de Manhattan. 


La exposición lleva el nombre de Ostalgia, una derivación de la palabra alemana Ostalgie que surgió en la década de 1990 para describir un sentimiento de pertenencia y de nostalgia por el periodo anterior al colapso del bloque comunista. 

"Combinando confesiones privadas y traumas colectivos, la muestra traza un paisaje psicológico en el cual los individuos y las sociedades enteras deben negociar nuevas relaciones con la historia, la geografía y la ideología", explican los organizadores al presentar la exposición. 

Una de las obras más representativas del sentimiento que perdura tras la aventura comunista es Tres hombres de capacidad, una escultura del alemán Thomas Schütte (1954, Oldenburg) que muestra tres personajes sombríos de rostro desfigurado y cuerpo formado por varas de acero. 

Según el artista, estos tres seres son una "representación de los persistentes fantasmas del pasado" que "en vez de desvanecerse o reducirse parecen haberse vuelto más grandes y más poderosos". 

Otro de los artistas elegidos es el ucraniano Boris Mikhailov (1938, Karkov), cuyas fotografías revelan la devastación económica pero también moral que dejó la caída del sistema comunista, con miles de personas sin hogar, empleo o atención médica adecuada. 

Otro de los artistas elegidos es el ucraniano Boris Mikhailov (1938, Karkov), cuyas fotografías revelan la devastación económica pero también moral que dejó la caída del sistema comunista, con miles de personas sin hogar, empleo o atención médica adecuada. 

Mikhailov y su serie Case History (Historia de un caso) son objeto actualmente de otra muestra organizada en el MOMA (Museo de Arte Moderno) de Nueva York. 

La represión de aquellos años está presente en muchos trabajos de Ostalgia, como se puede ver en las fantasías eróticas del "Album de Leningrado" de 150 páginas, dibujado a los 14 años por el ruso Evgenij Kozlov (1955, San Petersburgo). 

Ostalgia también incluye, entre otras obras, una filmación sobre el desmantelamiento de estatuas de Lenin, collages con figuras e imágenes emblemáticas del comunismo y un curioso diccionario con todas las definiciones borradas y reemplazadas por la palabra Pain (Dolor).  




   

Arte conceptual


Andy Warhol

El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.


El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp (principal artista) serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-mades. Daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común. del emisor central también pototal regenerando nuevas historias de la vida humana.


El conceptual emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el es más importante que el artefacto en sí.


De este concepto han surgido formas artísticas como fluxus y el mail art.


Una atractiva agenda artística abrirá durante los próximos cuatro meses el Museo Nacional de Arte Reina Sofía, en cuyas salas podrá apreciarse el trabajo de artistas como Andreas Fogarasi, Alighiero e Boetti, René Daniëls y Soledad Sevilla.


Pintura, video, escultura e instalación podrán ser admirados en la obra de estos artistas conceptuales con reminiscencias minimalistas, modernistas, contemporáneas, a veces figurativas y más allá del postminimalismo o neo-expresionismo, propio de los años 80 del siglo pasado.


Abre este ciclo de exposiciones Andreas Fogarasi (Viena, 1977), quien con reminiscencias del minimalismo y del arte conceptual en sus dispositivos de presentación investiga las capas de sedimentación de la historia, en un trabajo que fusiona presente y pasado en un mismo tiempo.


Incorporando video, escultura e instalación en amplias tramas discursivas, Fogarasi recorre las contradicciones de las políticas culturales de los estados comunistas del este de Europa y su rápida conversión al capitalismo tardío, borrando cualquier rastro de existencia.


Dicha propuesta, que lleva por título el nombre del propio creador, podrá ser apreciada a partir del 14 de septiembre y hasta el 9 de enero de 2012, en el recinto madrileño.

Jesús por Rembrandt


Rembrandt van Rijn (1606-1669) revolucionó el arte de representar los temas bíblicos. Durante un milenio, los artistas representaron a Cristo como una figura impasible, sujeta a convenciones rígidas, para evitar la violación del Segundo Mandamiento, que prohibe la idolatría.


Rembrandt rompió con esas convenciones consagradas y empezó a usar modelos vivos.


Uno de esos modelos, según varios historiadores, era un hombre judío, vecino de Rembrandt.


Muchos judíos sefardíes se radicaron en Amsterdam luego de huir de la Península Ibérica durante la época de la Inquisición.


En los siete cuadros al óleo sobre madera que constituyen la piedra angular de la muestra, el joven modelo transmite una variedad de miradas reflexivas que le dan vida, y lo apartan de la imagen consabida de Jesús como un hombre de tez clara y cabello rubio.



Rembrandt utilizó por lo menos dos de los retratos "Cabeza de Cristo" como fuentes para cuadros reconocidos hoy entre sus obras maestras: "La cena de Emaús" y el aguafuerte "Cristo sana a los enfermos".



En Una nueva exhibición en el Museo de Arte de Filadelfia echa una nueva mirada sobre pinturas y dibujos de uno de los artistas más venerados de la historia.


"Rembrandt y la cara de Jesús" debuta el miércoles en Filadelfia, luego de permanecer durante tres meses en el museo parisino del Louvre



La exhibición de medio centenar de obras del maestro neerlandés y sus discípulos está centrada en un conjunto de retratos al óleo de Jesús que nunca volvieron a verse juntos desde que salieron del estudio de Rembrandt en Amsterdam en 1656.



   






MAM no cerrara sus puertas


MAM

Gracias a la Fundación Arte es Colombia, el MAM, tiene garantizada su sostenibilidad hasta el 31 de diciembre de este año. El Museo de Arte Moderno de Cartagena recibió recursos para continuar su tarea cultural, iniciada hace medio siglo.


El Museo de Arte Moderno de Cartagena había decidido cerrar sus puertas el 31 de agosto de este año,  encarando una crisis, pero gracias a la gestión de la Fundación Arte es Colombia, la institución cartagenera tiene garantizada su sostenibilidad hasta el 31 de diciembre de 2011.


Así lo reveló la directora del Museo de Arte Moderno de Cartagena, Yolanda Pupo de Mogollón a El Universal, quien señaló que en la mañana del viernes 29 de julio, la presidenta de la Fundación Arte es Colombia, Francia Escobar de Zárate, se reunió con la junta directiva del MAM, para respaldar  con recursos y aportes económicos gestionados por su fundación a través de empresas privadas del país.<<mas>>
  

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