El arte pobre

El arte povera o arte pobre

El arte povera o arte pobre es un movimiento artístico contemporáneo que se da en Italia entre los años 1960 y 1970.

El arte povera se da con fuerza en las ciudades como Turín, Milán, Roma, Genova, Venecia, Nápoles y Bolonia.

El movimiento es conocido por ser radical y cuyos artista exploraron un rango amplio de procesos inconvencionales y no tradicionales .

El arte pobre se refiere a una exploración de varios elementos como la pintura al óleo en telas, bronce y grabados en mármol. Los materiales usados eran tierra, harapos y ramas de árboles.

Al utilizar estos materiales desechables, su objetivo era desafiar e interrumpir los valores del sistema de galería contemporáneo comercializado.

El término fue introducido por el crítico de arte y curador italiano Germano Celant en 1967. Al referirse al arte povera, Celant no se refería realmente a la falta de dinero, sino a hacer arte sin las restricciones de las prácticas y materiales tradicionales. Sus textos pioneros y una serie de exposiciones clave proporcionaron una identidad colectiva a varios jóvenes artistas italianos con sede en Turín, Milán, Génova y Roma. El arte povera surgió dentro de una red de actividad cultural urbana en estas ciudades, ya que Italia se vio dominada por la inestabilidad económica de la época.

Artistas destacados fueron Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Piero Gilardi, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini y Gilberto Zorio. Trabajaron de muchas formas diferentes. Pintaron, esculpieron, fotografiaron y realizaron performances e instalaciones, creando obras de gran presencia física y gestos a pequeña escala.

Objeto y Teoría en el Arte

Si en el arte tradicional predominaba el objeto sobre la teoría, en el modelo abstracto se da un equilibrio, hasta abarcar situaclones límites —como en el arte conceptual—, donde prevalece la teoría sobre el objeto. Ya no se basta la obra, sino que debe enmarcarse en las teorías que la fundamentan.

Cada obra documenta el estado de reflexión estética de su autor o de una tendencia en una concepción dinámica del arte. Tan necesario como percibir la obra concreta es actualizar los conceptos teóricos anteriores a la misma, sus presupuestos productivos y receptivos. 

En las últimas manifestaciones, desde el «minimalismo», el «arte povera», y, aun más, desde el arte conceptual, la poética se convlerte en el núcleo de su programa hasta desplazar a la misma obra como objeto físico.

Importan más los procesos formativos y artísticos de la constitución que la obra realizada. En ello se acusa la trancisión de la estética de la obra como objeto conceptual. Esta es la explicación del título impuesto a esta exposición.

Art Taipei, Taiwán 2020

Art Taipei 2020, un evento de arte que cuenta con 77 galerías en todo el mundo y 11 foros, comenzó el jueves (22 de octubre) y se extenderá hasta el domingo en el hall 1 del World Trade Center.

El primer día de Art Taipei 2020 transcurrió sin problemas debido a las exitosas medidas de prevención de pandemias de la nación. El evento cuenta con 77 galerías de Japón, Suiza y otros cuatro países, todos los cuales comparten el tema de “arte para el próximo”, según la Asociación de Galerías de Arte de Taiwán. Una de esas exhibiciones es la galería MAI36 con sede en Suiza, que ha abierto su sucursal más nueva en Taipei.

Desafortunadamente, muchos artistas y coleccionistas internacionales no pueden asistir al evento debido a las restricciones pandémicas. Sin embargo, los organizadores del evento han cooperado con la plataforma de comercio de obras de arte Artsy para lanzar una forma virtual de part.

Willem de Kooning en el MoMa

Esta retrospectiva, que representa casi todos los tipos de trabajos realizados por De Kooning, tanto en técnica como en materia, incluye pinturas, esculturas, dibujos y grabados.  Entre ellas se encuentran las pinturas más famosas y emblemáticas del artista, entre ellas Pink Angels (1945), Excavation (1950) y la célebre tercera serie Woman (1950-53), además de presentaciones en profundidad de todas sus series más importantes, que van desde  sus pinturas figurativas de principios de la década de 1940 hasta las revolucionarias composiciones en blanco y negro de 1948-1949, y desde las abstracciones urbanas de mediados de la década de 1950 hasta el regreso del artista a la figuración en la década de 1960 y las grandes abstracciones gestuales de la década siguiente.  También se incluye el famoso telón de fondo teatral aún casi invisible de De Kooning, el Laberinto de 17 pies cuadrados (1946).

Está es la primera gran exposición de un museo dedicada al alcance completo de la carrera de Willem de Kooning, considerado uno de los artistas más importantes y prolíficos del siglo XX.  La exposición, que solo se verá en el MoMA, presenta una oportunidad inigualable para estudiar el desarrollo del artista durante casi siete décadas, comenzando con sus primeros trabajos académicos, realizados en Holanda antes de mudarse a los Estados Unidos en 1926, y concluyendo con su último trabajo.  , pinturas escasamente abstractas de finales de los 80.  Reuniendo cerca de 200 obras de colecciones públicas y privadas, la exposición ocupará todo el espacio de la galería del sexto piso del Museo, con un total de aproximadamente 17,000 pies cuadrados.

La neofiguración como regresión

de Kooning

La neofiguración como regresión. Tras la noción amplia se cobijan varias actitudes. A. Pellegnni ha indicado con acierto que en ocasiones ha servido para cubrir con «capa nueva a los reaccionarios del arte» . En este contexto se mueve la amplia gama de «neos-ismos» que remiten a tendencias anteriores a la abstracción. Una muestra de esta actitud, a pesar de que algunos resultados se han encargado de invalidar sus premisas, la encontramos en el Premio Marzotto-Europa.

Los textos Introductorios de 1968, preparados por Jos W. de Gruyter, J. P. Hodin y otros, denuncian el Interés por la figuración de todos los tiempos y, de modo especial, por la de primeros de siglo. Hodin refrendó a que «el arte humanista es la forma más idónea de nuestra tradición europea. Si el térmlno arte debe conservar su significado y su esencia sobre los logros de nuestra herencia artística, debemos volver a proponer la diferencia entre el arte expresivo y humanista y el arte decorativo y utilitario. Las bases de este premio, el más Importante de pintura figurativa desde 1967, favorecen a los pintores contemporáneos que «dan prueba de Independencia, originalidad y personalidad, proponiendo de nuevo la expresión artística que constituye la herencia de la cultura universal». Los antecedentes se encuentran en la exposición «Nuevas Imágenes del hombre», organizada por P. Selz en 1959 y con ciertas influencias de los estudios del historiador J. Gantner .

Partiendo de una posición estricta del término puede abocarse a ciertos resultados regresivos similares a los enunciados anteriormente. Un crítico español, entusiasta de H. Sedlmayr, Insinuaba ya desde 1959 la superación del informalismo y advertía que la neofiguración tenía como premisa la existencia de aquél. Pero, enfrentándose a las tesis de V. Sánchez Marín , niega el carácter neofigurativo a las tendencias del «ultrarrealismo reporteril», crónica de sociedad —Intento de «resucitar al realismo socialista»—, pues «cuando un artista se mete a sociólogo, siempre es previo abandono del arte». Estas afirmaciones, de claro contenido reaccionario y acientífico, tienden a Invalidar o frenar tendencias que no sólo han cuestionado la representación, sino también la realidad representada —como sucederá sobre todo en el pop y en los diversos realismos críticos o de reportaje social.

Cualquier Interpretación regresiva o subordinada a ciertos prejuicios y códigos estilísticos del humanismo clásico descuida la naturaleza semiótica de la representación Visual, el carácter Icónico del signo artístico y su inserción a nivel Iconográfico de connotaciones simbólicas en el entorno histórico-social. No existe contradicción en el hecho de que el arte problematice la realidad a través de la representación , ni que ésta constituya una amplia unidad de significados y que cada uno refleje diferentes niveles de la realidad, sin que sea necesario el «previo abandono del arte». En términos semióticos, «la suma de estos significados parciales, que se agrupan progresivamente en unidades superiores, es la obra como complejo total de significados»

Arte contemporáneo indígena

Esta es un propuesta que llevamos elaborando actualmente por un buena temporada, posiblemente un año, en el que nos pusimos la tarea conjunta de ambicionar y asistir prácticas artísticas contemporáneas desarrolladas por artistas que se identifican asimismo como indígenas, desde su discurso de producción”, explica Julio García Murillo, subdirector de Programas Públicos del MUAC.

También afirma que les interesa cómo el arte contemporáneo nativo puede existir una pieza que ayude a discutir, de modo continental, lo que constituye el arte contemporáneo.