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La neofiguración como regresión

La neofiguración como regresión. Si el término arte debe conservar su significado y su esencia sobre los logros de nuestra herencia artística, debemos volver a proponer la diferencia entre el arte expresivo y humanista y el arte decorativo y utilitario.

de Kooning
La neofiguración como regresión. Tras la noción amplia se cobijan varias actitudes. A. Pellegnni ha indicado con acierto que en ocasiones ha servido para cubrir con «capa nueva a los reaccionarios del arte» . En este contexto se mueve la amplia gama de «neos-ismos» que remiten a tendencias anteriores a la abstracción. Una muestra de esta actitud, a pesar de que algunos resultados se han encargado de invalidar sus premisas, la encontramos en el Premio Marzotto-Europa.

Los textos Introductorios de 1968, preparados por Jos W. de Gruyter, J. P. Hodin y otros, denuncian el Interés por la figuración de todos los tiempos y, de modo especial, por la de primeros de siglo. Hodin refrendó a que «el arte humanista es la forma más idónea de nuestra tradición europea. Si el térmlno arte debe conservar su significado y su esencia sobre los logros de nuestra herencia artística, debemos volver a proponer la diferencia entre el arte expresivo y humanista y el arte decorativo y utilitario. Las bases de este premio, el más Importante de pintura figurativa desde 1967, favorecen a los pintores contemporáneos que «dan prueba de Independencia, originalidad y personalidad, proponiendo de nuevo la expresión artística que constituye la herencia de la cultura universal». Los antecedentes se encuentran en la exposición «Nuevas Imágenes del hombre», organizada por P. Selz en 1959 y con ciertas influencias de los estudios del historiador J. Gantner .

Partiendo de una posición estricta del término puede abocarse a ciertos resultados regresivos similares a los enunciados anteriormente. Un crítico español, entusiasta de H. Sedlmayr, Insinuaba ya desde 1959 la superación del informalismo y advertía que la neofiguración tenía como premisa la existencia de aquél. Pero, enfrentándose a las tesis de V. Sánchez Marín , niega el carácter neofigurativo a las tendencias del «ultrarrealismo reporteril», crónica de sociedad —Intento de «resucitar al realismo socialista»—, pues «cuando un artista se mete a sociólogo, siempre es previo abandono del arte». Estas afirmaciones, de claro contenido reaccionario y acientífico, tienden a Invalidar o frenar tendencias que no sólo han cuestionado la representación, sino también la realidad representada —como sucederá sobre todo en el pop y en los diversos realismos críticos o de reportaje social.

Cualquier Interpretación regresiva o subordinada a ciertos prejuicios y códigos estilísticos del humanismo clásico descuida la naturaleza semiótica de la representación Visual, el carácter Icónico del signo artístico y su inserción a nivel Iconográfico de connotaciones simbólicas en el entorno histórico-social. No existe contradicción en el hecho de que el arte problematice la realidad a través de la representación , ni que ésta constituya una amplia unidad de significados y que cada uno refleje diferentes niveles de la realidad, sin que sea necesario el «previo abandono del arte». En términos semióticos, «la suma de estos significados parciales, que se agrupan progresivamente en unidades superiores, es la obra como complejo total de significados»

El arte mexicano durante los 90


En la nueva exposición del Museo Universitario Arte Contemporáneo, titulada Antes de la resaca: una fracción de los noventa en la colección del MUAC, se presenta una serie de obras perteneciente a “uno de los periodos más ricos del arte contemporáneo”.


Así lo considera Sol Henaro, la curadora de esta muestra que se inaugurará el próximo miércoles 30 de junio.


“Antes de la resaca -explica la curadora- es una visión acotada sobre el arte contemporáneo de los años 90, aunque esta década es una manera de ubicar de manera rápida un margen de tiempo, pues no creemos en las cronologías por decenios, además, en realidad la exposición evoca un periodo aproximado de 15 años, que va más o menos desde la crisis electoral de 1988 hasta el 2005, el año en el que México fue el país invitado de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid, España”.


Como era imposible presentar en esta muestra una versión totalizadora o absoluta de lo que representa este periodo para el arte contemporáneo mexicano, Antes de la reseca presenta una selección basada en la colección del MUAC, de la colección asociada Charpenel-Guadalajara y de cuatro préstamos; la exposición se centra en tres ejercicios colaborativos “sumamente significativos de los 90”: La Quiñonera, Temístocles 44 y La Panadería. Figuran obras de 25 artistas, entre los que se encuentran Francis Alÿs, Gabriel Orozco, Damián Ortega y Melanie Smith.


Pero Antes de la reseca no sólo permite adentrarse en la producción artística y cultural de los años 90, también evoca la situación social, política y económica de ese periodo.


“Cada periodo artístico-cultural -dice Henaro- refleja mucho de lo que acontece no sólo en ese ámbito sino también en lo social, político y económico. En los 90, por ejemplo, surgió el Tratado del Libre Comercio de América del Norte, que modificó muchas estrategias de circulación económica, las cuales, evidentemente, también trastocaron la producción cultural y artística”.


A la par de políticas culturales


La aparición del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) y posteriormente del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca), el levantamiento zapatista en 1994, el gobierno de Carlos Salinas y Gortari (1988-1994), entre otros acontecimientos son evocados a lo largo de esta exposición, así como dentro del ciclo “Diálogos colectivos en torno a los 90” que se presenta de manera paralela.


Las mesas son: “Del liberalismo al neoliberalismo. Tránsitos peliagudos en el escenario artístico, político y social de México”, que se impartirá el 24 de agosto; “Espacios de activación social. Reven, antros, música, revistas y lecturas heterogéneas” (21 de septiembre); “Otros detonadores. Entre galerías y proyectos institucionales” (26 de octubre), y “¡El museo no es el único sitio! Surgimiento de algunos espacios y proyectos independientes” (30 de noviembre). Se impartirán en el Espacio Experimental de Construcción de Sentido del MUAC, de 18 a 20 horas.


Además, después de la inauguración de Antes de la resaca: una fracción de los noventa en la colección del MUAC, que se realizará el próximo miércoles 30 de junio a las 18:30 horas, se presentará una intervención por parte de Sonido Apokalitzin, de Jorge Borja Basante, de 19:30 a 21:30 horas en el auditorio del MUAC, y que es esta muestra también intenta evocar la música que caracteriza a ese periodo, en el que destaca la producción de rock.


   

El arte contemporáneo impulsará el fomento del turismo


Museo de Arte Contemporáneo de Cuenca
La idea ha partido de la  iniciativa privada. Ha sido la empresa “Cuenca en Ruta”, quien ha querido aprovechar el enorme tirón que tienen espacios tan relevantes a nivel nacional como es el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, la Fundación Saura, el Espacio Torner y la Fundación Antonio Pérez, para dar un paso más allá y conseguir que sea el arte contemporáneo el elemento determinante para acercar el gran potencial turístico de la provincia al tiempo que se consigue prolongar las estancias.

El museo de arte abstracto, situado en una de las famosas casas suspendidas de Cuenca, abrió sus puertas en 1963 bajo la iniciativa del pintor Fernando Zóbel. Hoy en día encierra una centena de pinturas, una docena de esculturas y más de 300 diseños de artistas de renombre como Saura, López, Tàpies o Chillida. Se trata de una bonita muestra de la vivacidad del arte moderno español.
  
La llegada del AVE a Cuenca ha sido un elemento clave para lanzar esta iniciativa, única en su categoría a nivel nacional,  y para la que se cuenta con el apoyo de la Diputación Provincial, desde donde se han puesto ha disposición de la empresa que dirige Beatriz Tirado, los espacios museísticos que la Fundación Antonio Pérez tiene en la provincia, concretamente en San Clemente, pero que próximamente se ampliará a la ciudad de Huete, lugar elegido por la Fundación para la instalación de un museo dedicado a la fotografía, y cuyo proceso pronto tendrá una resolución, tal y como avanzó ayer el presidente de la institución provincial, Juan Ávila, quien apuntó hacia los Fondos de Desarrollo Rural para poder financiar la adecuación del espacio museístico  en el emblemático  convento de Jesús y María, más conocido como El Cristo.



   

Andrew Atroshenko

Andrew Atroshenko
Atroshenko nació en 1965 en la ciudad de Pokrovsk, Rusia. En 1977, aceptado como un niño dotado, en Arte para Niños de la Escuela.
Andrew se graduó con honores en 1981.

Dos años más tarde, Andrew entró al Briansk Art College, y en 1991 fue aceptado en una de las escuelas de arte más prestigiosas del mundo, la Academia de Arte de San Petersburgo.

Un verdadero maestro en el dibujo en movimiento de la figura, además de su cromatismo.






   

La Locura del Oro por el Arte. Gold Rush for Art


Christie's  cuyo   registro mas  significativo data desde 1964  con Roy Lichtenstein , pero ahora,"Ohhh ... My God ... "se elevó a 42,64 millones dólares. Fue seguido por 6,35 millones de dólares por  Alexander Calder  y su obra "floritura Roja", una estatua monumental en 1973 con chapas pintadas de color rojo brillante.

Varios precios ha desafiado la imaginación. ¿Quién podría haber predicho el 63,36 millones de dólares que dio vuelta el récord del lunes en Phillips, de Pury de Andy Warhol "Los hombres en su vida?" Hecho con la técnica de serigrafía, con lápiz y tinta, la imagen oscura, en blanco y negro sin cesar que parece una imagen fotográfica publicada en la revista Life en 1963. Que son los colores típicos  utilizado por el PopArt .

La venta del lunes pasado fue solo su cuarto lote, cuando un “montón de caramelos” acreditado a Felix Gonzalez-Torres trajo 4,56 millones dólares. Es cierto que el título de la obra no era ". Un montón de caramelos" pero para la lectura es más imaginativo "Sin título (retrato de Marcel Brient)." En letra pequeña se especifica el "peso ideal: 198 libras (90 kg)", y registró de fecha de 1992, cuando esta obra de arte fue ejecutada. Más importante aún, los expertos señalaron que los dulces seleccionados por González-Torres vayan acompañados de un "certificado de autenticidad." Por lo tanto, no tendría sentido para los falsificadores cortarlo todo en una repostería local. Sin el certificado, sólo habría caramelos para la venta, no arte. Estamos definitivamente frente a la Locura del Oro por el Arte.
 



   

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