El Arte de Félix González-Torres

zEsto es nada menos que un montón de dulces como Warhols y sus imágenes de latas de sopa y los bloques de color de Rothko . Esta es una declaración sobre la pérdida del amor tan profunda que pued hacer  llorar a cualquiera cuando lo observa por primera vez.

☞González-Torres fue un escultor y artista nacido en Cuba  que trabajaba en Nueva York en los años 80 y a principios de los 90. Formó parte del  movimiento "arte procesual",  donde la experiencia de crear y re- crear una obra es como una parte intrínseca del objeto, como el "acabado" de productos (una parte de la persona ideal que, en realidad, la pieza en si misma no puede ser nunca terminada).

Felix Gonzales Torres Retrato De Ross

Ross Laycock fue el amante de Félix, y cuando se le diagnosticó el VIH  su médico fijo su peso ideal en 79.5 kgs.  El "Retrato de Ross" es precisamente eso: 79.5 kgs de dulces situada en un montón. El dulce carece de vigilancia, con el propósito de que el espectador tome parte de ella desde el montículo. Cada uno y todos los días, el caramelo restante se elimina, se pesan y se añade más, hasta que pesa exactamente 175 libras. Entonces es un retroceso al comiemzo.Ø

El dulce es a la vez una representación del peso físico de Ross y una metáfora de lo mejor y lo peor de su lucha contra el SIDA. A medida que la enfermedad avanza, el tamaño de la persona puede disminuir, pero el peso del espíritu - la intención de recordar y de reponer, el poder de celebrar - lo trae de nuevo cada mañana.☜

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Miró arte y política

La exposición de Miró en Londres en el Tate Modern, la primera después de casi cincuenta años, mostró  el aspecto angustioso y políticamente comprometido de su obra, reflejo de su respuesta apasionada ante uno de los períodos más convulsos de la historia europea. Durante los años en que trabajó en Barcelona y París, Miró siguió de cerca el curso de la Guerra Civil española y de los primeros meses de la Segunda Guerra Mundial en Francia. 


Bajo el régimen de represión política de la España franquista, Miró se mantuvo siempre como un símbolo de la cultura internacional, y sus magníficas pinturas abstractas de finales de los años sesenta y principios de los setenta fueron un marco de resistencia e integridad en los años del declive del régimen. 


Conocer la historia de Miró y de la época de la que fue testimonio desvela una intensidad más profunda en muchas de sus obras, un conjunto de pinturas sorprendentes, magnéticas e impactantes de uno de los artistas más grandes del arte moderno.
      
Considerado por André Breton el "más surrealista de los surrealistas" en la década de los años 20, el que fue uno de los precursores del expresionismo abstracto forjó un universo iconográfico propio. Fue entonces cuando afirmó que no distinguía entre pintura y poesía, y empezó a escribir algunos versos. Joan Miró mantuvo amistad con muchos poetas, y uno de los textos más lúcidos sobre ese Miró subversivo lo ha escrito Pere Gimferrer. Hombre de sabiduría enciclopédica, este poeta y académico de la RAE publicó Miró: colpir sense nafrar (Miró: conmover sin herir) en 1978.
     

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El Arte de Antonio Guzman Capel

Antonio Guzman Capel

Antonio Guzman Capel Self-taught artist. From childhood he showed an innate qualities for drawing and painting. He made his first exhibition when he was only eleven years old. 


Thereafter, each year he held another exhibition. At fourteen years of age, he exhibited his work in Switzerland, where he was regarded by local critics as a genius of painting, because as stated, there was no known artist at that time with the ability to perform works such as that, at such an early age.

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El Arte de Elsy

“Me atormenta saber que nos vamos a quedar sin dónde vivir y que la basura se demora años en degradarse”.


Esta preocupación, Elsy Uribe Arango, la llevó a tener lo que podría llamarse “una casa única”, pues en su apartamento, ubicado en el barrio Buenos Aires, ninguno de los objetos de decoración es comprado.


“Todos los elaboro yo con lo que la gente bota. Salgo a la calle, mantengo una bolsa para reciclar, y lo que voy viendo que me pueda servir, lo traigo a mi casa. Cuando yo veo algo en la basura, por ejemplo un marco para un cuadro y lo recojo es porque ya tiene un uso en mi imaginación”, afirma, mientras ríe y se pregunta por lo que deben pensar sus vecinos al verla esculcando tanto los basureros. 


Elsy no compra una matera desde  hace más de 10 años y lleva 96 meses sin adquirir en el mercado un individual, una mesa, un reloj o un portarretrato.



 “Lo que yo tengo, no lo tiene nadie”, dice Elsy, quien no busca ganar dinero con el producto de sus creaciones. “En vez de vender, me gustaría enseñarle a la gente”.


Cada dos meses, aproximadamente, cambia su casa del todo y la convierte en un nuevo universo, todo con material reciclado, porque, sostiene que “cambiar la casa es como cambiarse el peinado”.

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Arte al Fin del Mundo

Reserva de aire para un pescador

Se trata de un inmenso galpón de chapa, a orillas del canal del Beagle. Entrando allí, uno observa que el gran espacio está dividido en paneles color madera sin pintar, dispuestos como si fueran los rayos de una gran estrella, con un núcleo central.

Ushuaia se llenó de arte. Fue cuando quedó inaugurada la tercera edición de la Bienal del Fin del Mundo, allí, en el Centro Beagle, en plena ciudad austral. Y el tiempo acompañó: fue una noche límpida, inmensa, con un cielo que sólo puede contemplarse aquí, camino a la Antártida, a la vera del Canal del Beagle.

Ushuaia

Las obras que pueden verse en la Bienal –que tiene como curadora a Consuelo Císcar, directora del Instituto Valenciano de Arte Moderno– son alrededor de 150 y pertenecen a más de un centenar de artistas de todos los continentes, entre los que hay 22 argentinos.


Los trabajos se exhiben en varios puntos de la ciudad. Por eso, desde ayer pueden verse obras de arte esparcidas como semillitas por toda Ushuaia. Pero de todos estos lugares, el más potente es el Hangar del Comando del Area Naval Austral. 


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Viva el arte de Cabusri>Bienal del Fin del Mundo: el arte tocado por la naturaleza:

Caravaggio Música y Juventud en el arte

Uno de los biógrafos de Caravaggio, escribió  "también pintó un niño mordido por un lagarto saliendo de las flores y las frutas, y que casi se podía oír el grito del niño, y lo hizo meticulosamente." 


La imagen que ha sugerido varias interpretaciones. Como una alegoría del tacto, que sirve de base para un estudio de cómo las emociones se expresa físicamente, y podría decirse que Caravaggio hace alusión a los cinco sentidos (el olfato y flores etc.) Con la naturaleza muerta de frutas y rosas, emblema común del amor, invoca antiguos adagios del dolor seguidos por el placer y el amor en una rosa espinosa.

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