$12 obra de arte se vuelve viral

Una mujer australiana se sorprendió por la respuesta a un simple cambio de imagen de 15 minutos de una compra con descuento de Kmart.

Carrie Harris, de 32 años, de Perth, compró recientemente un cuadro de Kmart "de ganga" de un Koala por $ 19, pero ni siquiera ella estaba preparada para la atención que iba a recibir. Incluso tuvo que desactivar los comentarios después de que su teléfono no dejara de emitir un pitido debido a las notificaciones. Después de compartir una foto en línea de cómo transformó la obra de arte, obtuvo mil me gusta en menos de 10 minutos.

La Sra. Harris dijo que, si bien le encantaba el lienzo, "faltaba algo" y quería llenar el espacio vacío sobre la cabeza del Koala con calcomanías de eucalipto. "Había visto las calcomanías usadas en las paredes de las habitaciones de bebés y salas de juegos, y pensé que serían el complemento perfecto", dijo Harris a news.com.au.

“Fue simple y efectivo”.

El original

Arte del Expresionismo Abstracto

Escape de Realidad

Durante el expresionismo abstracto De 1947, Pollock desarrolló un procedimiento radicalmente nuevo, vertiendo y goteando pintura disminuida sobre lienzos toscos colocados en el suelo en lugar de las técnicas habituales para pintar en las que la sombra se aplica con pincel sobre el lienzo extendido preparado situado sobre un caballete.

Las creaciones artísticas fueron completamente inusuales. En su tema (o aparente ausencia de uno), escala (enorme) y procedimiento (sin cepillo, sin barras de cuna, sin caballete), las obras fueron impresionantes para numerosos observadores. De Kooning, también, estaba construyendo su propia adaptación de un estilo gestual excepcionalmente cargado, alternando entre el trabajo teórico y las asombrosas imágenes notorias no literales.

Diferentes socios, incluidos Krasner y Kline, se ocuparon de manera similar en hacer una especialidad de señal dinámica en la que hasta el último fragmento de una imagen está completamente energizado. Para los expresionistas abstractos, la legitimidad o valoración de una obra reside en su certeza y rapidez de articulación.

Una composición pretende ser una revelación de la verdadera personalidad del artista. El movimiento, la "marca" del artista, es prueba del ciclo genuino de creación de la obra. Es en esta parte de la obra que el experto Harold Rosenberg engendró la expresión "pintura de actividad" en 1952: "En un segundo específico, el lienzo comenzó a aparecer a un pintor estadounidense tras otro como un campo en el que actuar, en lugar de como un espacio donde repetir, replantear, investigar o 'expresar' un artículo, genuino o imaginado. Lo que iba a ir en el lienzo no era una imagen sino una ocasión ”.

El mes de los Fantasma

El Festival de los fantasmas (盂蘭盆節), también conocido como el Festival de los fantasmas hambrientos, o Mes de los Buenos Hermanos, es un festival tradicional en Taiwan. En el calendario chino (un calendario lunisolar), el festival de los fantasmas se festeja en la decimoquinta noche del séptimo mes lunar (Agosto en el calendario occidental).

En la cultura de China, el decimoquinto día del séptimo mes en el calendario lunar es llamado el Día del fantasma y el séptimo mes es considerado el Mes del fantasma, en el cual fantasmas y espíritus, incluidos los ancestros fallecidos, salen del inframundo. A diferencia del festival Qingming (en primavera) y el festival Zhongyuan (en otoño) en los cuales los descendientes vivos homenajean a sus ancestros, en el Día del fantasma se cree que son los fallecidos los que visitan a los vivos.

En el decimoquinto día el reino de los cielos, el infierno y el reino de los vivos se abren, y tanto taoistas como budistas realizaran rituales para transmutar y absolver los sufrimientos de los fallecidos. Intrínsecamente el Mes de los fantasmas es un culto a los ancestros, donde la devoción filial de los descendientes se extiende a los ancestros incluso luego de su muerte.

Las actividades durante el Mes de los fantasmas incluyen, preparar comida de ofrecimiento ritual, quemar incienso y papel de incienso, preparar ítems como ropa fabricados con papel maché, oro y otros productos finos para los espíritus de los ancestros. Además se sirven comidas elaboradas (generalmente vegetarianas) en la mesa con una silla vacía por cada familiar fallecido tratándolos como si estuvieran vivos.

El culto a los ancestros es lo que diferencia al Festival Qingming respecto del Festival de los fantasmas ya que el último incluye respetar a todos los fallecidos, incluyendo las mismas generaciones y los más jóvenes, mientras que el primero solo incluye las generaciones mayores. Otra tradición que se sigue es la de comprar y soltar pequeños botes de papel y linternas en el agua, con el fin de guiar a fantasmas y espíritus de los ancestros perdidos y otras deidades.

El arte de Picasso y la Pandemia

Guernica

La Fundación Picasso-Museo Casa Natal ha cerrado 2020 con menos de 92.791 visitas a la Casa Natal donde nació el artista malagueño y más de 22.866 a las exposiciones que se organizan en sus salas, además de unos 2.145 asistentes a otras actividades, lo que suma 117.808 entradas, 12.287 menos que 2019.
La Fundación acogió el pasado año a 130.095 visitantes, siendo abril, con 15.684 visitas, el mes con más afluencia, seguido de octubre, cuando se registraron 15.474.

El descenso en las visitas experimentado por el centro, según fuentes de la Fundación, ha sido "común a la mayoría de los museos" y se debe al contexto de crisis que ha generado la pandemia que hace que la gente "slo piense más antes de salir" y máxime si es un modelo de turismo cultural que supone más gasto respecto al turismo de sol y playa.

Durante el pasado año, mayo fue el mes en el que la Fundación Picasso recibió más visitantes, ya que registró 13.263 en total, seguido de octubre, con 13.035 y coincidiendo con la celebración de la vigésimo cuarta edición del "Octubre picassiano".

這個七夕有情人陪你過嗎

七夕有情人陪你過嗎？有的話是否還沒想到要帶他去哪玩，別擔心小編列出15個情人節活動、玩法、打卡景點，浪漫的、冒險的通通都有，任選一個地方和他一起留下夏日的美好回憶吧！如果沒有另一伴也別擔心，下面有精選告白聖地，讓小編幫你神助攻下一個七夕情人節就有人陪你囉！

Arte del Mural

¿Qué es un mural?

Un mural es una obra de arte que se pinta en las paredes. Puede estar en el interior de los edificios o en el exterior para su exhibición pública. Son grandes y necesitan experiencia artística para pintarlos. La obra de arte incorpora la arquitectura del edificio para resaltar la pintura y el edificio como uno solo.

Los murales se remontan al 30.000 a. C. y son las primeras pinturas de la cueva Chauvet en Francia. La mayor cantidad de pinturas son de tumbas egipcias en 3150 a. C., Pompeya en 100 a. C.-79 d. C. y lugares minoicos 1700-1600 a. C. Todo el período dentro del cual se encuentran las pinturas antiguas se conoce como el Paleolítico Superior.

Yeso seco es cómo se ensamblaron las pinturas en la Edad Media, el siglo XIV. La pintura mural de Kerala es un ejemplo de fresco secco. Cuando la técnica de pintar murales sobre yeso húmedo se arraigó en Italia, hacia 1300, la calidad de la pintura mural aumentó. Es la época en la que la pintura mural comienza a tomar forma y modernizarse.

El estilo de pintura mural más conocido es el Fresco, pero existen muchos métodos y técnicas, como lo demuestra el movimiento artístico del muralismo mexicano que echó raíces significativas en los tiempos modernos. Los pioneros de este movimiento incluyen a Diego Rivera, David Siqueiros y José Orozco.

Existe un debate en curso sobre si los dibujos que están en lienzos y luego se colocan en las paredes califican como murales. Es un estilo artístico que, sin embargo, se utiliza desde el siglo XIX. Los murales solo están en las paredes laterales; pueden estar en techos y pisos.

Hoy en día, la gente aprecia aún más los murales y los métodos son diferentes. Ahora incorporan pintura al óleo que es muy popular. Hay pinturas abstractas y murales embaucadores que se conocen como Trompe-l'oeil. El cambio significativo se produjo a través de las obras de Graham Rust y Rainer Maria en la década de 1980. En Europa, la pintura al óleo ha ocupado un lugar central y se encuentra en edificios públicos y privados.

La pintura mural es revolucionaria y demuestra que las paredes y los techos no tienen por qué ser lisos. Ahora, las pinturas murales se pueden mostrar transfiriendo el arte de la pared a un lienzo de papel de póster y luego pegar en una pared. La imagen artística o fotográfica da la ilusión de una escena realista en la pared.

Chocolate City

Huge numbers of Guangzhou's Africans are transient inhabitants who show up via plane on 30-day traveler visas with minimal more than the garments on their backs and as much Chinese yuan as possible cobble together.
They will probably buy modest products to sell back home, which might be anyplace from Lagos, Nigeria, to Freetown, Sierra Leone.

Guangzhou, China - African transients have been showing up in Guangzhou, China's third biggest city since the time the Chinese monetary blast started in the last part of the 1990s.

If this video was already uploaded in another youtube channel my apologize. Please complaint to me. This video was distributed in the internet in china through wechat during my stay in China.

Art and vandalize

The Lincoln sculpture is a colossal seated figure of United States President Abraham Lincoln (1809–1865) sculpted by Daniel Chester French (1850–1931) and carved by the Piccirilli Brothers. and encompassing landmark were not vandalized during late fights, as indicated by a representative for the National Mall and Memorial Parks, albeit some spray painting was left at the means paving the way to the landmark. Adjusted photographs indicating the landmark respecting previous President Abraham Lincoln harmed and shrouded in shower paint started flowing after fights for George Floyd, who passed on after a Minneapolis cop squeezed his knee into his neck for a few minutes as he asked for air.

"The media is attempting to conceal this image from you," an Instagram post sharing one controlled photograph said. "Democrats are stating mobs and disorder is essential for change." Mike Litterst, head of interchanges for the National Mall and Memorial Parks, said in an email that the photograph coursing on the web was a scam. "The main defacement at the Lincoln Memorial was spray painting at the base of the means at road level, far away from the sculpture," he stated, including it had been expelled as of now. The National Mall National Park Service tweeted various examples of defacement to its destinations on May 31.

One of the photographs in the tweet highlighted indicated the means close to the Lincoln Memorial shower painted with the words "you all not drained at this point?" "For ages the Mall has been our country's chief metro gathering space for peaceful showings, and we request that people carry on that custom," the tweet said. The Associated Press has taken a few photographs indicating both National Park Service cops and National Guard individuals looking out for the Lincoln sculpture as dissenters exhibit on the National Mall before the remembrance. In the photographs taken on June 6 and June 7, the Lincoln sculpture gives no indications of defacement.

Fake Picture

El Arte de Animal Crossing

Animal crossing

(どうぶつの森もり Dōbutsu no Mories una serie de simulación de vida publicada por Nintendo, en la que el jugador vive en un pueblo habitado por animales antropomórficos, llevando a cabo diversas actividades. Entre ellas el arte.

¿QUÉ HAGO CON EL ARTE?

El arte se puede donar al Museo, siempre que sea genuino. También se puede utilizar como un mueble normal para exhibir en su hogar. Si es una estatua, también se puede colocar en cualquier lugar de la isla.
Si compras una falsificación, ni siquiera Timmy y Tommy querrán comprarla. Tendrá que deshacerse de él con un elemento de decoración de la papelera si ya no lo quiere. O simplemente puede mostrarlo y engañar a sus amigos incultos.

CÓMO DECIR CUÁLES DE LAS OBRAS DE ARTE DE REDD SON REALES Y CUÁLES SON FALSAS

Todas las obras de arte de Redd se basan en pinturas y esculturas del mundo real. Pero el zorro tramposo puede intentar venderle una falsificación que se parece mucho al artículo genuino. Cada falsificación tendrá una diferencia visible con la versión real.
Redd realmente ha mejorado su juego esta vez y su arte es bastante difícil de diferenciar de las versiones reales. Tenga en cuenta que las diferencias entre lo real y lo falso no son las mismas que en Animal Crossing: New Leaf y son mucho más difíciles de detectar.
En la lista a continuación, incluiremos descripciones de cómo puede diferenciar entre una obra de arte real y una falsificación. Seguiremos actualizándonos a medida que encontremos más.
Actualización (23 de abril): si bien usamos las texturas de pintura del juego para enumerar las pinturas a continuación, parece que ha habido informes de múltiples tipos de pinturas falsas que no estaban en las texturas que usamos. Dicho esto, asegúrese de inspeccionar las pinturas cuidadosamente y compararlas con las pinturas reales a continuación antes de realizar cualquier compra. Continuaremos investigando y actualizando esta guía a medida que encontremos más información.

El escape de Annabelle

El 14 de agosto de 2020, comenzó a circular un rumor en las redes sociales de que la llamada muñeca Annabelle, el juguete supuestamente sobrenatural que inspiró películas de terror como "The Conjuring", se había escapado de un museo de ocultismo en Connecticut:

Los términos "Annabelle" y "Warren Museum" comenzaron a ser tendencia en Twitter cuando los usuarios de las redes sociales publicaron mensajes sobre la muñeca demoníaca que supuestamente andaba suelta. Sin embargo, estos temores fueron en vano, ya que la muñeca Annabelle en realidad no escapó del Museo Warren; después de todo, es un objeto inanimado.

Para aquellos que no están familiarizados, el Museo de lo Oculto de Warren era un lugar real y albergaba algunos de los artefactos recolectados por los investigadores paranormales Ed y Lorraine Warren. El dúo es quizás más famoso por investigar una casa embrujada en Nueva York en 1975. Esa investigación inspiró el libro “The Amityville Horror” y varias películas del mismo nombre. La pareja también investigó informes sobre una Raggedy Ann Doll que supuestamente estaba poseída por una joven llamada Annabelle Higgins. Esta muñeca, que luego se exhibió en el museo, también inspiró una serie de películas de terror.

Aquí hay una imagen de la página de Facebook de la Sociedad de Nueva Inglaterra para la Investigación Psíquica que supuestamente muestra la muñeca Annabelle real.

El arte de Miró

Todo empezó en marzo de 1920. Por entonces, Miró era un joven de 26 años que apenas comenzaba su profesión con una corta baja y que había recogido sus maletas para ir a París y a Picasso, que llevaba mucho tiempo en la capital francesa. Había cumplido 38 años y su vocación fue un logro tras otro, como lo demuestran las aclamadas Les Senoritas de Avignon (1907) o Arlequín (1917).
En ese estado y agradecido por la forma en que sus mamás se habían convertido en queridas compañeras en Barcelona -María Picasso y Dolores Ferrà-, la anterior pidió a la última mencionada, cuando descubrió que Joan iba a París, que trajera una ensaimada, que el hombre los malagueños preferidos sin duda. Sea como fuere, Miró no pudo trasmitir el dulce ya que nunca descubrió a Picasso en su casa, en el 21 de la Rue de la Boétie y, a pesar de la forma en que lo estaba arruinando, no se lo comió. El malagueño se asombró el día en que el moño apareció en sus manos. "Sea como sea, hombre, ¿por qué no te has comido la ensaimada?" Afirman que le preguntó.
A partir de ese segundo, ambos desarrollaron un parentesco individual, de profundo respeto compartido, que llegó en la medida de Mujer, Pájaro y Estrella, prácticamente 50 años después del hecho.
En ese tiempo, y amistad pasada, todos aprecian al artista en el otro y se mejoran e impactan mutuamente.

Arte Neofigurativo y Cine

David Lynch

Iconoclasmo e iconodulia son lados inversos de una moneda similar: la religión de las imágenes. A través de la representación, el hombre, de ocasiones burdas, ha tratado de comprender su mundo interno y de esta manera se ofreció ascender al razonamiento sobrenatural y más tarde a la estricta confianza.

En ese momento, la convención filosófica se ocuparía de estas cuestiones para encontrar un hecho que existe más allá de las apariencias del mundo obvio. Como flujos de vanguardia magistral, la rareza, las imágenes y la neofiguración tomarían la reflexión sobre los símbolos y su distorsión con el objetivo de que el hombre podría ser el punto focal de las obras visuales.

La creación artística, con los creadores, por ejemplo, Edward Hopper y Francis Bacon, planteará la discusión entre la imagen y la reflexión, la luz y la oscuridad, el cuerpo y el alma. David Lynch, el jefe de la película de la camarilla, mostrará en sus películas esta interminable discusión ordinaria de una forma de pensar que busca la autosuficiente y la increíble calidad del ser.

El arte del Manga

A fines de la primavera, Japan House London presentará una presentación de dos meses sobre las bellas artes japonesas convencionales, el manga, elaborado por el artista del manga mundialmente aclamado, Urasawa Naoki.
Giganticamente convencional en Japón, donde representan más del 20% de todas las distribuciones vendidas, el manga alude a lo que en particular se conoce normalmente como funnies en el Reino Unido. No solo para los jóvenes, el manga incluye personajes especiales, historias complejas y una amplia gama de clasificaciones. El espectáculo This is MANGA - the Art of URASAWA NAOKI (del 5 de junio al 28 de julio de 2019) en Japan House brindará una experiencia vívida de esta conocida obra de arte a través de la concentración en la obra del apreciado artesano Urasawa Naoki.

Desde su presentación experta en 1983, Urasawa ha atraído a lectores con narraciones dinámicas y personajes modernos que investigan las expectativas, los sueños y los sentimientos ocultos de pavor de la humanidad. Con títulos de éxito que se extienden por la clase de juegos, parodias, acertijos y ciencia ficción, su estilo de dibujo es celebrado por sus ingeniosas estrategias de composición y sus sorprendentes tableros de alto contraste.

El avance mundial de Urasawa se produjo a mediados de la década de 1990 con la llegada del rompecabezas 'Beast', sobre un especialista japonés que vive en Alemania. A partir de ese momento, las transacciones de sus obras han llegado a más de 127 millones de libros solo en Japón, con títulos distribuidos en más de 20 países.
En el centro de este logro está su obsesión por el manga y su determinación como artesano. En una industria que se ha vuelto progresivamente mundial, Urasawa sigue manteniendo su estilo interesante, el compromiso individual con su especialidad y la rectitud de sus estándares para reflejar una perspectiva inflexible sobre la condición humana. Él combina hábilmente el entorno social y los entornos sociales definidos en sus relatos para ayudar a delinear cómo los poderes sociales generales y narrados impactan las actividades de sus personajes.

Desnudos en el arte

Quizás este ha sido el tema más dudoso, discutible y comentado a lo largo de toda la existencia de la pintura. Hoy en día, nadie en su correcta psique consideraría escandalizarse por la idea de un cuerpo humano desnudo. No sería un buen augurio sentirse molesto, aturdido o herido en la afectación al considerar a los humanos como parecen ser, sin prendas ni complementos diferentes. Otro rasgo distintivo sería el pensamiento unilateral, malvado o lujurioso de estos cuerpos, por esta situación estaríamos ante una perniciosidad pasada, fijación sexual o parcialidad extravagante con respecto al espectador. Ya que, ¿qué tal si vemos ... de qué sería una buena idea que nos avergonzáramos cuando consideramos que fuimos hechos?

En el ámbito de obra, la búsqueda de la excelencia del cuerpo humano, especialmente femenino, ha sido constante, dada la incomparable calidad de los pintores masculinos. En cualquier caso, los obstáculos para pintar este tema han sido infinitos. La Iglesia Católica siempre ha pensado en lo desnudo como algo intocable, inductor de bajos intereses, objeto de deshonra y fuente esencial de maldad y despegue del evangelio. No deberíamos decir la religión islámica, que niega la representación de individuos y criaturas, desnudos o vestidos. Numerosos pintores han languidecido los malos tratos y los trámites lícitos sobre los desnudos de obras de arte (Goya). En ocasiones puntuales hubo más indulgencia, por ejemplo en el Renacimiento, cuando se apreciaba a griegos y romanos y se duplicaban sus desnudos. En cualquier caso, generalmente se necesitaba descubrir una razón para hablarle a un cuerpo desnudo: es posible que fuera una vieja diosa como Venus o Afrodita (diosas de la excelencia carnal), o que fuera Diana (otra diosa) saliendo del baño o era una mujer que se estaba cayendo incidentalmente de la ropa, etc. El primero que se propuso pintar un desnudo sin perdones fue Goya con su conocida "Maja Desnuda" y ese atrevimiento le costó un trámite de la Inquisición.

How to portrait President-Elect Joe Biden in Italy

Portait of President Elect Joe Biden in Italy.

Joe Biden.

An artist in Italy has carved this huge portrait of Joe Biden.

A land artist is helping to cultivate support for US presidential hopeful Joe Biden after carving a picture of him in an Italian field.

Dario Gambarin finished the portrait of President Donald Trump's rival on Sunday, in a 27,000 square metre field near Verona.

In a statement about his work, Gambarin explained that he had been moved by a Biden quote about "the measure of a man (not being) how many times or how hard he got knocked down, but how fast he got back up".

He said it reminded him of his own father, and had inspired him to write a message in the field imploring Biden to "jump and fly" to the White House.

Gambarin has been making land art portraits in his northern Italian fields for years - with Pope Francis, former US President Barack Obama and anti-apartheid revolutionary Nelson Mandela among his many works.

Best World Cup Art

The art of the first FIFA World Cup Posters, should get a running rundown of them.

El arte de los primeros carteles de la Copa Mundial de la FIFA debería tener un resumen completo de ellos.

首屆FIFA世界杯海報。

The art of Taylor Swift

Taylor Swift quick took to Instagram again to flaunt another watercolor painting she made! "So far this week, all I need to do is paint and all I need to paint are watercolor blossoms," she composed.
In the new photograph, Swift makes a big appearance a second comparative bloom painting.
Quick isn't the main celeb to call painting a mystery interest. A month ago, a noteworthy self-picture that Emma Watson painted of herself got out and about on the web.

Art collector Jimmy Lai arrested

Hong Kong media tycoon and also an art collector Jimmy Lai has been arrested, accused of suspected collusion with foreign forces under the new national security law, his top aide said on Twitter, in what is the highest-profile arrest yet under the legislation.
Lai has been one of the most prominent democracy activists in the Chinese-ruled city and an ardent critic of Beijing, which imposed the sweeping new law on Hong Kong on June 30, drawing condemnation from Western countries.

Black Live Matter and Art

Black Live Matter 12 Artist

Fine Acts teamed up with twelve astounding Black typographers and lettering craftsmen on an open pack of dissent banners – fit to be utilized in real life, all yours to print and offer. Take them to the roads. Spot them around your neighborhood. Put them on your windows. Send them to companions and friends and family. Let them enhance your voice.

Secretos artísticos de Kim Kardashian

¿Te diste cuenta de que la familia que la puso en el mapa, los Kardashian, también tienen certificaciones mundiales de artesanía? Han abrumado todos los aspectos de la sociedad en general, por lo que parece normal que el control global de la artes puede ser inmediato. Además, considerando esto, hemos separado cómo los Kardashian están asociados con el mundo del arte. Kim Kardashian puede parecer más diseño que mano de obra, pero seguro que se da cuenta de cómo consolidar los dos. Desde el comienzo de su relación, Kim y Kanye se destacaron como verdaderamente dignatarios de noticias cuando el Sr. West habilitó un fondo con un paquete Hermes Birkin que había sido pintado por George Condo. Además, como recompensa adicional, es posible que se sienta intrigado al darse cuenta de que Kim Kardashian (Kanye West) con frecuencia utiliza artistas para planificar las portadas de su colección, con Takashi Murakami y George Condo entre sus favoritos. En 2016, Khloe Kardashian publicó su parte preferida de "Artesanía activista de las mujeres de la droga" en su solicitud, una foto de Raquel Welch siendo asesinada, tomada por Terry O'Neill. "La imagen fue filmada en 1966 para representar cómo Welch fue 'ejecutada' por los medios de comunicación por su sexualidad", aclaró, cerrando a cualquier individuo que necesitara escudriñarla por ser sacrílega. Quien recuerda esa vez que Kourtney Kardashian pensó que descubrió un Modigliani ? Fue una escena épica en el contexto histórico de KUWTK. Incluso reclutó conservadores para estimar la pieza, pero todo terminó en deplorable, cuando se consideró una farsa. No importa Kourtney, a pesar de todo lo respetamos por su ataque al conocimiento de la artes.

El Arte de Juan Genovés

Juan Genovés

El cuadro se titula El abrazo y fue en el estudio de Juan Genovés cuando en una reunión clandestina de la Junta Democrática, Franco fallecido recientemente, planificó una campaña exigiendo una amnistía que permitiera elaborar la reconciliación pendiente.

Por casualidad tenían a mano una escena que representaba perfectamente esa intención. Eligieron esta pintura algo improvisada y se imprimieron varios cientos de miles de carteles, que terminaron tanto en las calles como en los hogares.

Con el tiempo, El abrazo se ha convertido para la Transición en El Guernica de la Guerra Incivil, una imagen que resume todas las posibles.

No es de extrañar que después de pasar por una colección privada norteamericana y dos museos españoles, haya acabado (desde 2016) en el llamado Salón Constitucional de nuestro Congreso de los Diputados.

El abrazo

The art of Harlem Renaissance

Nzinga

Discover and be inspired through the determined, effective women of the Harlem Renaissance Movement with Shonna McDaniel of the Sojourner Truth African Heritage Museum in fun, informal classification for beginners. Then, after reviewing the fundamentals of composition and acrylic paint properties, create a painting on stretched canvas. Enrollment clases August 15 at noon.

Arte y Covid 19

Paul Getty Trust ha iniciado el Fondo de Ayuda COVID-19 de LA Arts, un fondo de $ 10 millones para apoyar a los museos y organizaciones de artes visuales sin fines de lucro con sede en Los Ángeles. Administrado por la Fundación Comunitaria de California (CCF), el fondo brinda apoyo operativo de emergencia y subvenciones de recuperación a organizaciones pequeñas y medianas elegibles en el condado de Los Ángeles.
El fondo tiene como objetivo tener un proceso de revisión eficiente y acelerado para que las organizaciones receptoras reciban los fondos de manera oportuna. Getty y CCF han sido colaboradores desde hace mucho tiempo para garantizar que las artes se eleven en Los Ángeles. Durante más de 30 años ambas organizaciones se han unido para administrar una de las becas para artistas visuales más prestigiosas del país. Este fondo de ayuda es una extensión natural de ese apoyo y reconocimiento de que las artes son fundamentales para un condado vital de Los Ángeles.

Arte y efectos Covid 19

El Ministerio de Cultura de España ha clausurado los centros históricos de Madrid por los efectos del coronavirus 19.
La medida, que ya ha entrado en vigor y continuará hasta nueva notificación, influye en el Museo Nacional del Prado, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, el Museo Arqueológico Nacional y el Museo Nacional de Antropología, entre otros.

El arte del Bodegón

Bodegón Cubista

El término bodega en español puede significar "despensa", "taberna" o "bodega". El término derivado bodegón es un aumentativo que se refiere a una gran bodega, generalmente de forma despectiva. En el arte español, un bodegón es una pintura de naturaleza muerta que representa elementos de la despensa, como víveres, juegos y bebidas, a menudo dispuestos en una simple losa de piedra, y también una pintura con una o más figuras, pero con elementos significativos de bodegones, típicamente ambientado en una cocina o taberna. También se refiere a objetos vulgares o cotidianos, que se pueden pintar con flores, frutas u otros objetos para mostrar la maestría del pintor.

A partir de la época barroca, tales obras de arte se generalizaron en España en el segundo cuarto del siglo XVII. La costumbre de la pintura de bodegones parece haber comenzado y era, sin duda, más corriente en los artesanos flamencos y holandeses contemporáneos (Bélgica y Holanda hoy) que en el sur de Europa. Las naturalezas muertas del norte tenían numerosos subgéneros; el trozo de comida de la mañana se amplió con el trampantojo, el paquete de rosas y las vanitas.
En España había muchos menos partidarios de tal cosa, sin embargo, se hizo muy conocida una especie de pieza de desayuno, que incluía un par de objetos de comida y cubiertos colocados sobre una mesa.

A pesar de que actualmente se considera una creación española, la introducción ejemplar en trampantojo de un producto natural en una sección de piedra era normal en la Roma anticuada. Anciano friendo huevos, de Diego Velázquez, 1618 (Galería Nacional de Escocia) La pintura de bodegones en la España barroca era regularmente sombría; contrastaba con las naturalezas muertas del barroco flamenco, que con frecuencia contienen comidas ricas acompañadas de cosas lujosas y suntuosas con textura o vidrio.

En bodegones, el juego consiste en criaturas muertas habitualmente a pesar de que todo se detiene para ser limpiado. Los productos del suelo están crudos. Los cimientos son angustiosos o simples cuadrados matemáticos de madera, que frecuentemente dan un aire surrealista. Ambos bodegones españoles holandeses tenían regularmente un buen componente de vanitas. Su crudeza, similar a la melancolía de una parte de los niveles españoles, nunca duplica las alegrías sexys, la riqueza y la extravagancia de numerosas composiciones de naturalezas muertas del norte de Europa.

The Art of Misiem Yipintsoi

Misiem Yipintsoi

Conceived in Thailand in August 1906 Misiem Yipintsoi was the little girl of ethnic Chinese-Indonesian parents.

She was taught at the Assumption Convent School in Bangkok. She wedded not long after finishing her instruction and brought up five childreYipintsoi had no conventional preparation in craftsmanship, however, her enthusiasm for painting was aroused during a long remain in Denmark (where she went through 14 months while one of her kids was being treated for polio).

While in Denmark, she saw numerous works of art, both in exhibition halls and the homes of companions, and bought numerous artistic creations to design her home in Thailand.

Monet Satomi, a Japanese social attache to Thailand. Not long after she started examining the painting, Yipintsoi presented her canvas 'Santikam' to Thailand's first National Exhibition of Art in 1949.&nbspShe won a gold award and continued to win gold decorations in the following two years also for her compositions 'Honolulu' and 'Sriracha'.

Even though not, at this point qualified to contend a short time later, she kept on showing in the National Exhibition of Art every year through 1979. Yipintsoi later examined mold under the acclaimed Italian-Thai craftsman Silpa Bhirasri. After her demise, Silpakorn University set up a model nursery with a large number of her pieces.

Other figures are gathered in the Misiem Sculpture Museum in Nakhon Pathom area; her last model, 'Demure Girl', incomplete at the hour of her passing, was taken from that gallery in 2015. Yipintsoi was granted the Ordre des Arts et des Lettres in 1984 by the French Ministry of Culture, one of the initial three Thais to get the award. Silpakorn University granted her a privileged Doctor of Arts degree in 1985.

Her granddaughter, Klaomard Yipintsoi, proceeded with her creative inheritance by subsidizing shows, happenings, and craftsmen's workspaces.

El arte de la Nueva Figuración

Una de las batallas estéticas más interesantes a comienzos de la década de los sesenta fue la presentación del grupo que formaron Ernesto Deira, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé y Jorge de la Vega, más la artista plástica Carolina Muchnik y el pintor y fotógrafo Sameer Makarius, del 26 de agosto al 6 de septiembre en la galería Peuser, ubicada en la calle Florida 750, hoy es conocido como la Nueva Figuración.
La Otra Figuración aparece en la escena plástica como un movimiento de ruptura, como una vanguardia cuyo propósito fue quebrar en la imagen el orden, la buena forma, el valor compositivo, en aras de una expresión libre y antiacadémica.El nombre que ellos mismos se dieron fue el de Otra Figuración propuesto por Rómulo Macció.

Spring Lake Students Paint Murals

The DDA has utilized five specialists to create divider works of art around the town, expressly in Central Park.

Building an artwork is certainly not a youngster's ordinary summer work, anyway five of Spring Lake Village's able experts are getting serious.

The town's Downtown Development Authority (DDA) has been cautious about conveying workmanship into the domain. DDA Director, Angela Stanford-Butler, said a part of the endeavors has been moved down due to COVID-19, anyway was moved closer by a business visionary about structure a divider painting this pre-summer.

Los errores acerca del Arte Neofigurativo

Mujer

El arte neofigurativa, neofiguración o la pintura neofigurativa es un desarrollo creativo de la segunda mitad del siglo XX, retratado por una llegada a la creación artística alegórica en lugar de la reflexión, a pesar del hecho de que los pintores tratan el tema de una manera informal y expresionista. Surge como una respuesta para extraer el arte después de la Segunda Guerra Mundial, particularmente durante las décadas de 1950 y 1960.
La expresión "neo-" y "alegórico" surgió durante la década de 1960 en México y España para hablar de otro tipo de arte no literal. En España se creó hasta 1965, momento en el que se convirtió en historia de la figuración.

Kooning

La nueva figuración apoyó una llegada al artículo y a la realidad regular. La realidad ("iconocidad"), específicamente la figura humana, se habla una vez más, sin embargo, con las estrategias de informalismo. Generalmente tiene un sentimiento de censura social. Se valoran las inclinaciones expresionistas, en las que se reciben estructuras naturales retorcidas o colosales, por ejemplo, elaboradas por Francis Bacon, formadas de manera desordenada (reunión de Cobra).

Antonio Saura

En Estados Unidos y en la mayoría de las naciones europeas, la neofiguración tuvo un breve giro de los acontecimientos, creando un movimiento rápido de la deliberación pictórica e informal hacia figuras obviamente delegadas, por ejemplo, pop y nueva autenticidad. Un caso poco común fue España. En esa nación, la neofiguración tuvo un gran avance hasta 1965 y logró un reconocimiento mundial extraordinario. A partir de mediados de la década de 1960, la mayoría de los artistas neo-alegóricos españoles abandonaron las ambigüedades subjetivistas convencionales y comenzaron a incorporar, en mayor o menor grado, las posiciones de la figuración de la historia, de una representación de objetivos considerablemente mayor y, posteriormente, más actos para comunicar una sustancia de análisis al entorno financiero, social y político (fascismo de Franco) que ganó España en aquellos años.

El arte y la Pandemia

Una gran exposición de obras de arte presentando la lucha del pueblo chino contra la pandemia de COVID-19 se está celebrando en Museo Nacional de China en la actualidad.

La exposición ofrece una mirada sobre los esfuerzos del país frente a la epidemia, la vida cotidiana de las personas en la lucha contra el virus, la reanudación del trabajo y la producción, y la asistencia médica a otros países.

Las casi 200 obras expuestas incluyen pinturas tradicionales chinas, pinturas al óleo, esculturas, caligrafía, corte de sellos y otras bellas artes.

El evento, que fue inaugurado el sábado y durará dos meses, es organizado por el Museo Nacional de China, en colaboración con la Asociación de Artistas de China y la Asociación de Calígrafos de China.

Edgar del Canto - Cortometraje.

Pintores Chilenos

Las obras de Edgar del Canto see encuentran en: Universidad de Playa Ancha, Universidad Católica de Valparaíso, Universidad Federico Santa María, I. Municipalidad de Valdivia, Empresas Seguridad Brink Santiago, Propiedades particulares a lo largo de Chile, al igual que en países como: Argentina, Canadá, México, USA (New York), Suecia, España, Alemania, Holanda, Australia e Irlanda.

ACUARELAS DE MARCEL REYNAERT

Acuarelas de Marcel Reynaert

Supper Club at Wilde, Basel

Mathieu Dafflon, Voyage au bout de la nuit, 2019,

Supper Club developed from creating safe spaces for open dialogue and canceling cancel culture to give people the chance to grow. It’s about believing people have good intentions, and may not have the same level of “woke-ness,” but “woke-ness” isn’t a competition. Instead, it is about devoting one’s entire being to the search for knowledge and truth and protecting freedoms of the oppressed.

Several works in the exhibition imbue the audience with positive energy, to combat the endless influx of negative information. Marina Abramović’s carved and polished pillow-shaped headrests are made of snowflake obsidian, a crystal known to prevent nightmares and balance energies. Visitors are invited to rest their heads momentarily and assume meditative states to absorb the crystal’s vibrations and healing powers. The coyote in Cassidy Toner’s Wile E. Coyote will try anything to ‘heal’ himself at this point (2019) is partially based on Mark Twain’s description of the animal in his book Roughing It: “The coyote is a living, breathing allegory of Want. He is always hungry.” According to Toner, Wile E. Coyote is much like her; he has an insatiable appetite and is never satisfied. Perhaps traits which, for better or worst, we all share.

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