Jesús por Rembrandt

Rembrandt van Rijn (1606-1669) revolucionó el arte de representar los temas bíblicos. Durante un milenio, los artistas representaron a Cristo como una figura impasible, sujeta a convenciones rígidas, para evitar la violación del Segundo Mandamiento, que prohibe la idolatría.


Rembrandt rompió con esas convenciones consagradas y empezó a usar modelos vivos.


Uno de esos modelos, según varios historiadores, era un hombre judío, vecino de Rembrandt.


Muchos judíos sefardíes se radicaron en Amsterdam luego de huir de la Península Ibérica durante la época de la Inquisición.


En los siete cuadros al óleo sobre madera que constituyen la piedra angular de la muestra, el joven modelo transmite una variedad de miradas reflexivas que le dan vida, y lo apartan de la imagen consabida de Jesús como un hombre de tez clara y cabello rubio.



Rembrandt utilizó por lo menos dos de los retratos "Cabeza de Cristo" como fuentes para cuadros reconocidos hoy entre sus obras maestras: "La cena de Emaús" y el aguafuerte "Cristo sana a los enfermos".



En Una nueva exhibición en el Museo de Arte de Filadelfia echa una nueva mirada sobre pinturas y dibujos de uno de los artistas más venerados de la historia.


"Rembrandt y la cara de Jesús" debuta el miércoles en Filadelfia, luego de permanecer durante tres meses en el museo parisino del Louvre. 



La exhibición de medio centenar de obras del maestro neerlandés y sus discípulos está centrada en un conjunto de retratos al óleo de Jesús que nunca volvieron a verse juntos desde que salieron del estudio de Rembrandt en Amsterdam en 1656.

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MAM no cerrara sus puertas

MAM

Gracias a la Fundación Arte es Colombia, el MAM, tiene garantizada su sostenibilidad hasta el 31 de diciembre de este año. El Museo de Arte Moderno de Cartagena recibió recursos para continuar su tarea cultural, iniciada hace medio siglo.


El Museo de Arte Moderno de Cartagena había decidido cerrar sus puertas el 31 de agosto de este año,  encarando una crisis, pero gracias a la gestión de la Fundación Arte es Colombia, la institución cartagenera tiene garantizada su sostenibilidad hasta el 31 de diciembre de 2011.


Así lo reveló la directora del Museo de Arte Moderno de Cartagena, Yolanda Pupo de Mogollón a El Universal, quien señaló que en la mañana del viernes 29 de julio, la presidenta de la Fundación Arte es Colombia, Francia Escobar de Zárate, se reunió con la junta directiva del MAM, para respaldar  con recursos y aportes económicos gestionados por su fundación a través de empresas privadas del país.<<mas>>
  

Dafen la ciudad de la copia

Bienvenidos a Dafen, un pequeño suburbio de la ciudad china de Shenzhen, situado a 30 km. de Hong Kong. Un barrio donde trabajan más de 10.000 pintores que se dedican a realizar copias de cuadros para todo el mundo.

Dafen

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Arte Generativo

Arte Generativo

Ni pincel ni cincel, algoritmo. Esa es la herramienta fundamental de los artistas generativos que crean obras autónomas, de algún modo infinitas, utilizando la capacidad computacional de los ordenadores.
(Las imágenes que acompañan esta nota, en la galería de la derecha, son algo semejante a fotografías que congelan uno de los múltiples momentos posibles de una obra de arte generativo).


Leonardo Solaas es un artista generativo que vive en Buenos Aires, Argentina. "Autodidacta en todo lo relacionado con el arte, el diseño y la programación (tres campos disciplinarios en los que un artista generativo debe saberse manejar)", le dice a BBC Mundo y explica cómo empezó su exploración con esta forma de crear.


"Creo que, en esencia, los sistemas de reglas me han fascinado siempre: cuando era pequeño, antes de que las computadoras llegaran a mi vida, ese interés se manifestaba en los juegos de tablero".


"Los sistemas con los que trabajo ahora son también una suerte de juegos autocontenidos, ya que se basan en un conjunto de reglas arbitrarias y evolucionan en el tiempo".


"Sin embargo", aclara, "no hay ganadores ni perdedores, sino resultados más o menos interesantes desde un punto de vista conceptual y estético".
"Intensamente contemporáneo"


El arte generativo está hoy vinculado estrechamente con la informática, pero Solaas ve sus orígenes décadas atrás, y encuentra vínculos con la escritura automática de los poetas beatnik o la obra del pintor y escultor suizo Jean Tinguely, conocido por sus "máquinas escultura".


De hecho, él ha trabajado con poliestireno expandido, al que le aplicó calor en un proceso que describe como "incontrolable". En él, el mismo material termina "decidiendo" la forma que adoptará.
La obra que produjo de esa forma es para el artista "un buen ejemplo de generatividad sin computadoras".
"Creo que la esencia de la generatividad está en ese acto de ceder el control, por el cual el artista entra en colaboración con alguna suerte de autómata creador, y resigna el poder de decidir cada detalle de lo que sucede en la obra".


Más allá del elemento estético, Solaas cree que esta forma artística tiene un rol en el marco de las transformaciones por las que atraviesan nuestras sociedades en la era de la informática.
"El arte generativo es intensamente contemporáneo porque participa de un cambio cultural profundo, que sustituye estructuras jerárquicas por sistemas complejos, sistemas de control por autoorganización, unidad por multiplicidad, universalidad por localidad, etc.".


En ese sentido, para Solaas, "el desafío del arte generativo en este momento es desarrollar propuestas que sean verdaderos híbridos o quimeras estéticas: ni demasiado humanas -en el sentido de una imitación acrítica de la tradición del arte-, ni demasiado inhumanas -en el sentido de una fascinación por el despliegue de una pura formalidad matemática-".


Ese es uno de los desafíos, el otro radica en hacerse un lugar en la esfera del arte, ya que hoy no pertenece a las corrientes centrales de la producción estética.


Para eso, la clave -según Solaas- está en "pasar de los juegos y exploraciones formales a propuestas de una consistencia conceptual y estética cada vez mayor".


Mientras tanto, en el se puede jugar y explorar, hacer simbiosis con los sistemas que ha desarrollado y ver qué obras resultan de esa interacción.

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"Arte en tu Plaza

HERMOSILLO, SON.- Los jóvenes ya podrán tener un espacio cultural en sus colonias para exponer y desarrollar su talento artístico gracias a la campaña "Arte en tu Plaza", que organiza la Asociación "Progreso por Sonora".

Los lugares se acondicionarán para combinar los diferentes talentos culturales de los jóvenes, como música, teatro y danza, indicó Humberto López Caballero. El presidente de la Asociación dijo ésta es una oportunidad para que los jóvenes hermosillenses se expresen y desarrollen su talento.

"Después de 11 años de recorridos por las colonias, donde la gente solicitaba estos lugares culturales, la petición será un hecho. Todos los esfuerzos que se hagan para apoyar la juventud, valen mucho la pena", reconoció López Caballero. Leer +>

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James Whistler : El Arte Sucede

James Whistler

Pintor, diseñador y artista gráfico estadounidense que realizó innovaciones técnicas y defendió el arte moderno, destacando sobre todo por sus aguafuertes. Whistler nació el 10 de julio de 1834 en Lowell (Massachusetts). En 1855 viajó a París, donde comenzó como alumno del pintor clasicista suizo Charles Gabriel Gleyre. Pese a estas enseñanzas, la mayor influencia la recibió de su trato con el pintor realista francés Gustave Courbet y de otros importantes artistas contemporáneos, así como de sus propios estudios sobre los grandes maestros antiguos y sobre el arte japonés. En París logró fama como grabador tras la aparición en 1858 de su primera serie de aguafuertes Doce aguafuertes del natural (comúnmente denominada Serie francesa). 


Poco después se trasladó a Londres, donde sus obras, rechazadas en repetidas ocasiones en las galerías de arte parisienses, encontraron buena acogida. Al piano se expuso en la Royal Academy en 1860. En 1862 La muchacha blanca (National Gallery, de la ciudad de Washington) causó gran sensación en el Salón de los Rechazados (Refusés) de París. Tres de sus mejores retratos los pintó en torno a 1872. Composición en negro y gris nº 1. retrato de la madre del artista (1871, Museo d Orsay, París), Composición en gris y negro nº 1. retrato de Thomas Carlyle (1873, City Art Gallery and Museum, Glasgow) y Armonía en gris y verde. retrato de Cicely Alexander (1874, Tate Gallery, Londres). 


En 1877 expuso varios paisajes al modo japonés. estos cuadros (que Whistler denominó nocturnos) fueron rechazados por los críticos de arte de la época, muy conservadores, que no supieron entender la ausencia de detalle narrativo, sus capas de color atmosférico y su fe en el arte por el arte. 


El crítico inglés John Ruskin escribió un mordaz artículo al respecto acusando a Whistler de arrojar un bote de pintura al rostro del público . Whistler lo demandó por difamación. Ganó el juicio, uno de los más célebres del momento, pero el elevado gasto del proceso le llevó a la ruina. Vendió el contenido de su estudio, abandonó Inglaterra y, entre 1879 y 1880, trabajó de modo intensivo en Venecia. Retornó después a Inglaterra, reanudando su ataque contra el arte académico y tradicional. Durante los últimos años se dedicó por completo a producir aguafuertes, litografías y diseños de interior. 


Las series de aguafuertes Támesis (1860), Venecia primera (1880) y Venecia segunda (1881) le dieron prestigio como grabador, logrando un gran éxito cuando las expuso en Londres entre 1881 y 1883. La Peacock Room, que decoró para una residencia particular londinense (comenzada en 1876 y trasladada en 1919 a la Freer Gallery of Art, en la ciudad de Washington) es su ejemplo más relevante de decoración de interiores. Hacia el final de su vida, mientras residía en París, Whistler alcanzó una gran consideración como artista y está considerado un pionero en el vanguardismo de las primeras décadas del siglo XX.

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