Ostalgia

Más de 50 artistas de 27 países de Europa del Este y las ex repúblicas soviéticas participan en esta muestra organizada hasta fines de septiembre por el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo situado en el Bowery, en el sur de Manhattan. 


La exposición lleva el nombre de Ostalgia, una derivación de la palabra alemana Ostalgie que surgió en la década de 1990 para describir un sentimiento de pertenencia y de nostalgia por el periodo anterior al colapso del bloque comunista. 

"Combinando confesiones privadas y traumas colectivos, la muestra traza un paisaje psicológico en el cual los individuos y las sociedades enteras deben negociar nuevas relaciones con la historia, la geografía y la ideología", explican los organizadores al presentar la exposición. 

Una de las obras más representativas del sentimiento que perdura tras la aventura comunista es Tres hombres de capacidad, una escultura del alemán Thomas Schütte (1954, Oldenburg) que muestra tres personajes sombríos de rostro desfigurado y cuerpo formado por varas de acero. 

Según el artista, estos tres seres son una "representación de los persistentes fantasmas del pasado" que "en vez de desvanecerse o reducirse parecen haberse vuelto más grandes y más poderosos". 

Otro de los artistas elegidos es el ucraniano Boris Mikhailov (1938, Karkov), cuyas fotografías revelan la devastación económica pero también moral que dejó la caída del sistema comunista, con miles de personas sin hogar, empleo o atención médica adecuada. 

Otro de los artistas elegidos es el ucraniano Boris Mikhailov (1938, Karkov), cuyas fotografías revelan la devastación económica pero también moral que dejó la caída del sistema comunista, con miles de personas sin hogar, empleo o atención médica adecuada. 

Mikhailov y su serie Case History (Historia de un caso) son objeto actualmente de otra muestra organizada en el MOMA (Museo de Arte Moderno) de Nueva York. 

La represión de aquellos años está presente en muchos trabajos de Ostalgia, como se puede ver en las fantasías eróticas del "Album de Leningrado" de 150 páginas, dibujado a los 14 años por el ruso Evgenij Kozlov (1955, San Petersburgo). 

Ostalgia también incluye, entre otras obras, una filmación sobre el desmantelamiento de estatuas de Lenin, collages con figuras e imágenes emblemáticas del comunismo y un curioso diccionario con todas las definiciones borradas y reemplazadas por la palabra Pain (Dolor).  

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Arte conceptual

Andy Warhol

El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.


El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp (principal artista) serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-mades. Daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común. del emisor central también pototal regenerando nuevas historias de la vida humana.


El conceptual emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el es más importante que el artefacto en sí.


De este concepto han surgido formas artísticas como fluxus y el mail art.


Una atractiva agenda artística abrirá durante los próximos cuatro meses el Museo Nacional de Arte Reina Sofía, en cuyas salas podrá apreciarse el trabajo de artistas como Andreas Fogarasi, Alighiero e Boetti, René Daniëls y Soledad Sevilla.


Pintura, video, escultura e instalación podrán ser admirados en la obra de estos artistas conceptuales con reminiscencias minimalistas, modernistas, contemporáneas, a veces figurativas y más allá del postminimalismo o neo-expresionismo, propio de los años 80 del siglo pasado.


Abre este ciclo de exposiciones Andreas Fogarasi (Viena, 1977), quien con reminiscencias del minimalismo y del arte conceptual en sus dispositivos de presentación investiga las capas de sedimentación de la historia, en un trabajo que fusiona presente y pasado en un mismo tiempo.


Incorporando video, escultura e instalación en amplias tramas discursivas, Fogarasi recorre las contradicciones de las políticas culturales de los estados comunistas del este de Europa y su rápida conversión al capitalismo tardío, borrando cualquier rastro de existencia.


Dicha propuesta, que lleva por título el nombre del propio creador, podrá ser apreciada a partir del 14 de septiembre y hasta el 9 de enero de 2012, en el recinto madrileño.

Jesús por Rembrandt

Rembrandt van Rijn (1606-1669) revolucionó el arte de representar los temas bíblicos. Durante un milenio, los artistas representaron a Cristo como una figura impasible, sujeta a convenciones rígidas, para evitar la violación del Segundo Mandamiento, que prohibe la idolatría.


Rembrandt rompió con esas convenciones consagradas y empezó a usar modelos vivos.


Uno de esos modelos, según varios historiadores, era un hombre judío, vecino de Rembrandt.


Muchos judíos sefardíes se radicaron en Amsterdam luego de huir de la Península Ibérica durante la época de la Inquisición.


En los siete cuadros al óleo sobre madera que constituyen la piedra angular de la muestra, el joven modelo transmite una variedad de miradas reflexivas que le dan vida, y lo apartan de la imagen consabida de Jesús como un hombre de tez clara y cabello rubio.



Rembrandt utilizó por lo menos dos de los retratos "Cabeza de Cristo" como fuentes para cuadros reconocidos hoy entre sus obras maestras: "La cena de Emaús" y el aguafuerte "Cristo sana a los enfermos".



En Una nueva exhibición en el Museo de Arte de Filadelfia echa una nueva mirada sobre pinturas y dibujos de uno de los artistas más venerados de la historia.


"Rembrandt y la cara de Jesús" debuta el miércoles en Filadelfia, luego de permanecer durante tres meses en el museo parisino del Louvre. 



La exhibición de medio centenar de obras del maestro neerlandés y sus discípulos está centrada en un conjunto de retratos al óleo de Jesús que nunca volvieron a verse juntos desde que salieron del estudio de Rembrandt en Amsterdam en 1656.

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MAM no cerrara sus puertas

MAM

Gracias a la Fundación Arte es Colombia, el MAM, tiene garantizada su sostenibilidad hasta el 31 de diciembre de este año. El Museo de Arte Moderno de Cartagena recibió recursos para continuar su tarea cultural, iniciada hace medio siglo.


El Museo de Arte Moderno de Cartagena había decidido cerrar sus puertas el 31 de agosto de este año,  encarando una crisis, pero gracias a la gestión de la Fundación Arte es Colombia, la institución cartagenera tiene garantizada su sostenibilidad hasta el 31 de diciembre de 2011.


Así lo reveló la directora del Museo de Arte Moderno de Cartagena, Yolanda Pupo de Mogollón a El Universal, quien señaló que en la mañana del viernes 29 de julio, la presidenta de la Fundación Arte es Colombia, Francia Escobar de Zárate, se reunió con la junta directiva del MAM, para respaldar  con recursos y aportes económicos gestionados por su fundación a través de empresas privadas del país.<<mas>>
  

Dafen la ciudad de la copia

Bienvenidos a Dafen, un pequeño suburbio de la ciudad china de Shenzhen, situado a 30 km. de Hong Kong. Un barrio donde trabajan más de 10.000 pintores que se dedican a realizar copias de cuadros para todo el mundo.

Dafen

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Arte Generativo

Arte Generativo

Ni pincel ni cincel, algoritmo. Esa es la herramienta fundamental de los artistas generativos que crean obras autónomas, de algún modo infinitas, utilizando la capacidad computacional de los ordenadores.
(Las imágenes que acompañan esta nota, en la galería de la derecha, son algo semejante a fotografías que congelan uno de los múltiples momentos posibles de una obra de arte generativo).


Leonardo Solaas es un artista generativo que vive en Buenos Aires, Argentina. "Autodidacta en todo lo relacionado con el arte, el diseño y la programación (tres campos disciplinarios en los que un artista generativo debe saberse manejar)", le dice a BBC Mundo y explica cómo empezó su exploración con esta forma de crear.


"Creo que, en esencia, los sistemas de reglas me han fascinado siempre: cuando era pequeño, antes de que las computadoras llegaran a mi vida, ese interés se manifestaba en los juegos de tablero".


"Los sistemas con los que trabajo ahora son también una suerte de juegos autocontenidos, ya que se basan en un conjunto de reglas arbitrarias y evolucionan en el tiempo".


"Sin embargo", aclara, "no hay ganadores ni perdedores, sino resultados más o menos interesantes desde un punto de vista conceptual y estético".
"Intensamente contemporáneo"


El arte generativo está hoy vinculado estrechamente con la informática, pero Solaas ve sus orígenes décadas atrás, y encuentra vínculos con la escritura automática de los poetas beatnik o la obra del pintor y escultor suizo Jean Tinguely, conocido por sus "máquinas escultura".


De hecho, él ha trabajado con poliestireno expandido, al que le aplicó calor en un proceso que describe como "incontrolable". En él, el mismo material termina "decidiendo" la forma que adoptará.
La obra que produjo de esa forma es para el artista "un buen ejemplo de generatividad sin computadoras".
"Creo que la esencia de la generatividad está en ese acto de ceder el control, por el cual el artista entra en colaboración con alguna suerte de autómata creador, y resigna el poder de decidir cada detalle de lo que sucede en la obra".


Más allá del elemento estético, Solaas cree que esta forma artística tiene un rol en el marco de las transformaciones por las que atraviesan nuestras sociedades en la era de la informática.
"El arte generativo es intensamente contemporáneo porque participa de un cambio cultural profundo, que sustituye estructuras jerárquicas por sistemas complejos, sistemas de control por autoorganización, unidad por multiplicidad, universalidad por localidad, etc.".


En ese sentido, para Solaas, "el desafío del arte generativo en este momento es desarrollar propuestas que sean verdaderos híbridos o quimeras estéticas: ni demasiado humanas -en el sentido de una imitación acrítica de la tradición del arte-, ni demasiado inhumanas -en el sentido de una fascinación por el despliegue de una pura formalidad matemática-".


Ese es uno de los desafíos, el otro radica en hacerse un lugar en la esfera del arte, ya que hoy no pertenece a las corrientes centrales de la producción estética.


Para eso, la clave -según Solaas- está en "pasar de los juegos y exploraciones formales a propuestas de una consistencia conceptual y estética cada vez mayor".


Mientras tanto, en el se puede jugar y explorar, hacer simbiosis con los sistemas que ha desarrollado y ver qué obras resultan de esa interacción.

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