El Arte del Arlequín y su Compañera

a pintura El Arlequín y su Compañera pertenecen al  período azul de Picasso . Fue realizada en París y desarrolló una historia típica de los primeros cafés de París que Picasso solía visitar. 

Donde los actores  y artistas de circo se reúnen a la espera de ser contratados. Este trabajo  es uno de los ejemplos más tempranos de la apelación del artista a un tema clave para él y el destino de su personalidad creativa. 


La imagen trágica del artista errante, se convierte en un símbolo de la carga incómoda que ocupa un hombre, al dedicar la vida al arte y, a veces encontrarse con la incomprensión y el ridículo. 


I.A Morozov compró esta obra maestra de Picasso en la Galería Ambroise Vollard de París en 1908, a sólo 300 francos.


Se conoce como período azul de Picasso al que transcurre entre 1901 y 1904: este nombre proviene del color que domina la gama cromática de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas el 17 de febrero de 1901, que dejó a Picasso lleno de dolor y tristeza.

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Arte, Armonía cósmica y Cuba

Matanzas, Cuba, 17 sep (PL) La exposición de artes plásticas Armonía cósmica, del dibujante, escultor, pintor y ceramista Sergio Roque Ruano, fue inaugurada en el museo provincial Palacio de Junco de esta ciudad cubana.


La muestra la conforman 16 piezas con obras creadas desde 1983 a la fecha, y que incluyen pinturas sobre papel, lienzo y cartulina, además de esculturas y cerámicas.


El especialista José R. Sousa Ojito afirmó que una simple observación permitiría descubrir en la obra de Roque al gran maestro creador de imágenes sosegadas y definitivamente simbólicas que defienden y representan las tradiciones clásicas del quehacer artístico.

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Noticias de Prensa Latina - Inauguran en Cuba exposición de artes plásticas Armonía cósmica:

Arte español de los últimos tres siglos

Francisco Goya

Tres lienzos y diez grabados de Francisco de Goya sirven de punto de partida de la exposición que se inaugura hoy en el Museo Diocesano de Barcelona, que incluye 49 obras de la colección Ibercaja que recorren de forma cronológica el arte español de los últimos tres siglos.


"De Goya a nuestros días", que se inicia con pinturas de la segunda mitad del siglo XVIII, pretende dar a conocer el patrimonio de la entidad bancaria aragonesa, que tanto conserva obras del autor de Fuendetodos como de diferentes artistas del siglo XIX y de otros del XX como Pablo Gargallo, Antoni Clavé, Josep Guinovart, Antonio Saura o Lucio Muñoz.


La comisaria de la muestra, Dolores Durán, ha explicado hoy en rueda de prensa que no es casual que Goya sea tomado como punto de partida, porque "es el iniciador de la modernidad y, además de aragonés, un gran artista universal".


Las tres pinturas que han viajado hasta la capital catalana son el boceto que pinta para la bóveda del Coreto de la Virgen en el Santuario del Pilar, conocido como "La Gloria o la Adoración del Nombre de Dios", y dos pequeñas pinturas: "El dos de mayo de 1808 en Madrid (o La carga de los mamelucos)" y "Baile de máscaras".


El boceto fue pintado entre 1771 y 1772, mientras que el óleo sobre papel pegado a tabla del dos de mayo es de 1814 y "Baile de máscaras" data de 1815.

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Fallece Richard Hamilton

Appealing

Richard Hamilton, un pionero del arte pop británico, que se le atribuye haber acuñado el nombre de un movimiento caracterizado por el uso irónico e icónico de las imágenes de la cultura comercial y pop, ha fallecido


La Galería Gagosian, que representa a Hamilton, dijo que el artista murió el martes en un lugar no revelado en Gran Bretaña. No dio la causa de la muerte.


Un pintor y grabador nacido en Londres en 1922, Hamilton estudió en la Royal Academy Schools y la Slade School of Fine Art.


Hamilton entró en contacto a principios de los años 50 con el llamado Grupo Independiente, capitaneado por el escultor Eduardo Paolozzi y formado por una serie de artistas radicados en el célebre Institut for Contemporary Art (ICA), la institución londinense creada en 1946 para llevar a las artes de las islas británicas por derroteros diferentes a la senda clasicista que imponía la Royal Academy of Art.  


A Hamilton también se le atribuye haber acuñado la palabra "Pop Art".



En los 60, Hamilton se vinculó a los aspectos más locos de la década. Retrató al “dealer” londinense Robert Fraser y el cantante Mick Jagger detenidos por posesión de drogas (“Swingeing London”, 1968-69), y es el autor de la portada en blanco del “White Album” de los Beatles. Mantuvo un compromiso muy fuerte con el movimiento pacifista y antinuclear británico, y no evitó cuestiones políticamente espinosas, como el conflicto en Irlanda del Norte, que abordó con su obra “El ciudadano” (1981-1983), un retrato de un preso del IRA en huelga de hambre, Bobby Sands, a modo de Jesucristo envuelto en una manta (los presos del IRA se negaban a ponerse el uniforme de las prisiones británicas).



A major retrospective of Hamilton's work will open in 2013 at the Museum of Contemporary Art en Los Angeles before traveling to Philadelphia, London and Madrid.


He is survived by his wife, Rita Donagh; and a son, Rod, from a previous marriage.

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El Arte de robar arte

 

El español Pablo Picasso , seguido por Joan Miró, el ruso Marc Chagall y de nuevo otro español, Salvador Dalí son los artistas preferido de los ladrones de cuadros, señaló "The Art Loss Register" (ALR), que cuenta con la más importante base de datos mundial de obras robadas.

En la lista constan los nombres del impresionista francés Augusto Renoir(169), el artista renacentista alemán Alberto Durero (215) y el holandés Rembrandt van Rijn (173).

Entre los más contemporáneos el estadounidense Andy Warhol del que se han robado 171 obras.

Aquí están los cuadros:

Dove with Green Peas by Pablo Picasso
Painted in 1911

Pastoral by Matisse (1906)

Olive Tree near l'Estaque by Georges Braque

Woman with Fan by Amedeo Modigliani

Still Life with Candlestick by Fernand Leger

Muhammad Ali by Andy Warhol

Over Vitebsk by Marc Chagall

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Arte de la NASA | Andy Warhol | Colección

Norman Rockwell

Bert Ulrich, comisario del programa de arte de la NASA, explica que la agencia espacial "ha trabajo a menudo con comisarios y expertos en arte para que le ayudaran a elegir las obras . En el nacimiento del programa", explica, "la Galería Nacional de Arte jugó un papel decisivo en ayudar a la NASA a seleccionar e invitar a . Desde entonces", añade, "museos como el Guggenheim o el Hirshhorn y expertos en arte han ayudado a la NASA en sus selecciones".


En los últimos 50 años, la colección de arte de la NASA ha ido creciendo y ahora cuenta con más de 3.000 obras desde  Andy Warhol, Robert Rauschenberg, Norman Rockwell, Nam June Paik y Annie Leibovitz, entre otros.

La NASA da a los carta blanca a la hora de crear su obra. No les impone ni el medio que tienen que utilizar, ni el tamaño de la obra, ni el tema que deben tratar. Muchos aceptan inmediatamente el encargo. 


Algunos incluso repiten, como Rauschenberg y Rockwell. Otros se lo piensan y acaban rechazando la oferta, como Andrew Wyeth. Y otros se niegan en redondo a participar, como Thomas Hart Benton , al que no le inspiraba pintar "un maldito cohete".

El MoMA rinde tributo a Almodóvar

 "El Museo de Arte Moderno de Nueva York ha anunciado hoy que homenajeará la dilatada carrera cinematográfica de Pedro Almodóvar el próximo 15 de noviembre durante una gala benéfica. Penélope Cruz y Antonio Banderas, que deben gran parte de su fama a sus interpretaciones en las películas del director manchego (Banderas además protagoniza su último film, «La piel que habito»), serán los anfitriones del acto."

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El MoMA rinde tributo a Almodóvar 

El arte es un respiro espiritual | Fernando Botero | Obras

"Un artista es atraído por ciertos tipos de forma, sin saber por qué. Tu adoptas una posición intuitiva y sólo más tarde  intentas racionalizar o incluso  justificar"

Fernando Botero

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Dibujos Para la Percepción y el Alzheimer

Vaca Rara

Puedes ver las 10 caras

Aqui hay un rostro. Lo puedes ver?

Puedes ver el Bebé? 

Puedes ver a la pareja que se está besando?

Puedes distinguir a las 3 mujeres?

Puedes decir la dif. entre una rana y un caballo, observa con atención...

    SE DESPERTARON?

Si te gusto envialo a cuantos contactos tengan es bueno que ellos tambien pongan su imaginacion a funcionar, no crees?

♣

SI NO…

QUE VAYAN AL OCULISTA

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Impresionantes Impresionistas

Impresionantes Impresionistas

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Desde Picasso a Serra

La segunda parte, 'Posguerra, años 40-50', reúne obras de Granell, Gurvich, Matta, Gaya y su 'Homenaje a Velázquez'; Planasdurá, Palazuelo, Equipo 57, Vasarely, Michaux, Tápies, Millares, cuya oscuridad destaca con la armonía cromática de Esteban Vicente; Saura, Rivera, Martín Chirino, Feito, Canogar y José Guerrero.
Las piezas expuestas están repartidas por las dos plantas y en la de abajo la escultura de Chillida -que tiene también colgado un dibujo en la escalera- dialoga con la de Serra 'Proyecto para la plaza del Callao de Madrid', incluido en el último espacio.


'Años 60' es el título del tercer apartado de la exposición de la Pasión, en el que está Arman, representado por una pareja de figuras en bronce sobre madera que contrastan con 'Tiradlos todos, Dios encontrará a los suyos', una pieza formada por una gran caja de plexiglás que contiene numerosos insecticidas que estuvieron de moda hace más de cincuenta años. Hay también obras de Rabascal, Arroyo, el óleo 'Bonaparte', y Equipo Crónica, 'La lámpara'.


La muestra finaliza con 'Últimas décadas', que representa Calder, Christo, con el dibujo de un proyecto para envolver una pared que cuelga en la escalera; Caro, Lewitt, Paternosto, Carmen Calvo y Dis Berlin. 

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Desde Picasso a Serra, una muestra reúne en la Pasión obras de grandes artistas del siglo XX

Renoir painting unjustly taken before Holocaust

In 1956, steel magnate Newton Korhumel and his wife, Irene, bought a florid country landscape by French impressionist master Pierre-Auguste Renoir at a New York gallery. The painting hung proudly in their Lake Forest home.


Now, there's a question as to whether the couple ever truly owned the painting.


Irene Korhumel died in December, nine years after her husband. The executor of their estate turned to Christie's auction house in Chicago to sell the painting, created by an artist whose work routinely fetches millions of dollars.


But any potential sale is on hold, awaiting a possible claim by the heirs of a German textile mogul who, like many other Jews in mid-20th century Europe, lost his art collection to the Nazi onslaught, said Olaf Ossmann, a Swiss lawyer who represents the mogul's heirs.

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Renoir painting owned by Lake Forest family may have been unjustly taken before Holocaust - chicagotribune.com

Art of Video Games Credits / American Art

 "The Art of Video Games exhibition will be on display at the Smithsonian American Art Museum from March 16, 2012 through September 30, 2012. This will be one of the first exhibitions in the world to explore the evolution of video games as an artistic medium.
Become a part of this historic exhibition by adding your name to the credits, which will be presented both in the museum and online. The more money you give, the bigger your name will appear."

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Art of Video Games Credits / American Art:

Picasso y las Señoritas de Avignon

Pablo Picasso

Todos podemos ser artistas porque de alguna manera u otra tenemos ese lado artístico que nos caracteriza, pero artista es una cosa y Picasso es otra. Pablo Picasso era y siempre será un artistazo. Plasmando sobre un lienzo o sobre un espejo de alguna manera nuestra vida, nuestra realidad y sobre todo la del mismo Picasso. 
   

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Arte, Estilo y Subversión: Postmodernismo

Un momento, le oigo exclamar: ¿Cómo lo saben? ¿Y qué era aquello? Postmodernismo. No lo entendí. Nunca lo entendí. ¿Cómo puede haberse acabado? No es usted el único. Si hay una obra o pintura que nos confunda, nos desconcierte, nos enoje, nos acose, nos agote y nos contamine a todos nosotros, eso es el arte del postmodernismo. Y eso que, propiamente entendido, el postmodernismo es lúdico, inteligente, divertido y fascinante. De Grace Jones a Lady Gaga, de Andy Warhol a Gilbert y George, de Paul Auster a David Foster Wallace, su influencia ha estado y sigue estando en todas partes. Ha sido la idea dominante de nuestro tiempo.


Así que, ¿qué era? Bien, el mejor modo de empezar a comprender el postmodernismo es en referencia a lo que había antes: el modernismo. A diferencia de, por ejemplo, la Ilustración o el Romanticismo, el postmodernismo (incluso como término) evoca el movimiento que pretende derrocar. A su manera, el postmodernismo podría verse como la germinación tardía de una vieja semilla, plantada por artistas como Marcel Duchamp, durante el mediodía del modernismo en los años 20 y 30. (Desde este punto de vista, la fecha de comienzo que marca el V&A para el postmodernismo —1970— es bastante tardía.)


De modo que, si los modernistas como Picasso y Cézanne se centraban en el diseño, la jerarquía, la maestría y lo excepcional, a los postmodernistas como Andy Warhol y Willem de Kooning les interesaban el collage, el azar, la anarquía y la repetición. Si los modernistas como Virginia Woolf se deleitaban con la profundidad y la metafísica, los postmodernistas como Martin Amis favorecieron la superficialidad y la ironía. En cuanto a los compositores, los modernistas como Béla Bartók eran hieráticos y formalistas, y los postmodernistas, como John Adams, jugueteaban y se interesaban por la deconstrucción. En otras palabras, el modernismo prefería la materia prima y América, y aprovechaba todas las circunstancias contenidas en el mundo.

Podremos declarar oficial y definitivamente que el postmodernismo ha muerto. Terminado. Historia. Un difícil periodo del pensamiento humano resuelto de una vez por todas. ¿Cómo lo sé? Porque esa es la fecha en que el Museo Victoria and Albert inaugura lo que llama «la primera retrospectiva integral» del mundo: «Postmodernismo: Estilo y Subversión 1960-1990». <leer +>

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Los Jackson's hacen donación

La familia del rey del pop, Michael Jackson, hizo recientemente una donación al hospital de Niños de los Angeles, California (CHLA). Entre las obras donadas hay por lo menos 13 que fueron producidas y autografiadas por el cantante. 


Los encargados del hospital se mostraron muy felices por las donaciones. Los hijos de Jackson parecen estar ajustándose bien a su nueva vida, haciendo el bien por los menos afortunados. Están bajo el cuidado de su abuela Katherine Jackson, su tutora legal, quien los acompañó conjuntamente con la tía La Toya. 


Los cuadros serán desplegados en algunas salas del hospital y en un pabellón nuevo, la colección fue muy aclamada por los participantes al evento. La Toya manifestó durante la ceremonia, " tienen tanta alegría y paz. Sé que cuando los niños las vean, les traerá alegría...". Las otras piezas de arte son de la colección de Brett Livingston Strong, un gran artista y amigo de Michael Jackson.

Arte Generativo

Arte Generativo

Ni pincel ni cincel, algoritmo. Esa es la herramienta fundamental de los artistas generativos que crean obras autónomas, de algún modo infinitas, utilizando la capacidad computacional de los ordenadores.
(Las imágenes que acompañan esta nota, en la galería de la derecha, son algo semejante a fotografías que congelan uno de los múltiples momentos posibles de una obra de arte generativo).


Leonardo Solaas es un artista generativo que vive en Buenos Aires, Argentina. "Autodidacta en todo lo relacionado con el arte, el diseño y la programación (tres campos disciplinarios en los que un artista generativo debe saberse manejar)", le dice a BBC Mundo y explica cómo empezó su exploración con esta forma de crear.


"Creo que, en esencia, los sistemas de reglas me han fascinado siempre: cuando era pequeño, antes de que las computadoras llegaran a mi vida, ese interés se manifestaba en los juegos de tablero".


"Los sistemas con los que trabajo ahora son también una suerte de juegos autocontenidos, ya que se basan en un conjunto de reglas arbitrarias y evolucionan en el tiempo".


"Sin embargo", aclara, "no hay ganadores ni perdedores, sino resultados más o menos interesantes desde un punto de vista conceptual y estético".
"Intensamente contemporáneo"


El arte generativo está hoy vinculado estrechamente con la informática, pero Solaas ve sus orígenes décadas atrás, y encuentra vínculos con la escritura automática de los poetas beatnik o la obra del pintor y escultor suizo Jean Tinguely, conocido por sus "máquinas escultura".


De hecho, él ha trabajado con poliestireno expandido, al que le aplicó calor en un proceso que describe como "incontrolable". En él, el mismo material termina "decidiendo" la forma que adoptará.
La obra que produjo de esa forma es para el artista "un buen ejemplo de generatividad sin computadoras".
"Creo que la esencia de la generatividad está en ese acto de ceder el control, por el cual el artista entra en colaboración con alguna suerte de autómata creador, y resigna el poder de decidir cada detalle de lo que sucede en la obra".


Más allá del elemento estético, Solaas cree que esta forma artística tiene un rol en el marco de las transformaciones por las que atraviesan nuestras sociedades en la era de la informática.
"El arte generativo es intensamente contemporáneo porque participa de un cambio cultural profundo, que sustituye estructuras jerárquicas por sistemas complejos, sistemas de control por autoorganización, unidad por multiplicidad, universalidad por localidad, etc.".


En ese sentido, para Solaas, "el desafío del arte generativo en este momento es desarrollar propuestas que sean verdaderos híbridos o quimeras estéticas: ni demasiado humanas -en el sentido de una imitación acrítica de la tradición del arte-, ni demasiado inhumanas -en el sentido de una fascinación por el despliegue de una pura formalidad matemática-".


Ese es uno de los desafíos, el otro radica en hacerse un lugar en la esfera del arte, ya que hoy no pertenece a las corrientes centrales de la producción estética.


Para eso, la clave -según Solaas- está en "pasar de los juegos y exploraciones formales a propuestas de una consistencia conceptual y estética cada vez mayor".


Mientras tanto, en el se puede jugar y explorar, hacer simbiosis con los sistemas que ha desarrollado y ver qué obras resultan de esa interacción.

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